LOVING VINCENT

Directores: Dorota Kobiela, Hugh Welchman

Año: 2017

País: Polonia, Reino Unido

Protagonistas: Douglas Booth, Jerome Flynn, Helen McCrory, Saoirse Ronan, Aidan Turner, Eleanor Tomlinson, Cris O´Dowd

Esta película, ampliamente promocionada, pues fue realizada a partir de fotogramas pintados a mano, por un equipo de más de 100 artistas, quienes simularon los trazos el colorido y los personajes de las pinturas de Vincent Van Gogh, resulta inferior al trabajo que supuso y en esa medida es decepcionante.

De manera positiva hay que rescatar que los colores, los rasgos de los personajes y las pinceladas, son fieles a la obra realizada por este artista del postimpresionismo y un acertado reflejo de sus cuadros. La cinta se desarrolla en escenas a color, para marcar los acontecimientos que ocurrieron los días posteriores a la muerte del pintor holandés, y en blanco y negro, mediante un flash back sobre su vida.

Esta admiración por la magnitud y la precisión del trabajo realizado, se va desvaneciendo a medida que transcurre la cinta, en especial, por la pobreza de su guión. El argumento gira en torno a la muerte de Vincent, y a la inquietud que se siembra sobre si la causa de su muerte fue un suicidio o un asesinato. Esta hipótesis, sobre la cual gira la película, se había planteado en una biografía escrita por Steven Naifeh y Gregory White Smith, en el año 2001.

Van Gogh pintó más de 900 cuadros, en un periodo de 9 años, pues su oficio lo inició a los 28 años, después de haber probado infructuosamente convertirse en pastor protestante, al igual que su padre y de haber trabajado en una galería. Su vida estuvo marcada por la pobreza, la soledad y la depresión.

Los personajes que empiezan a desfilar en la cinta, son los protagonistas de las pinturas que hizo Van Gogh en los años que vivió en Arles y en Auvers, y presentan sus testimonios y especulaciones sobre las decisiones que pudieron llevar a su muerte. Aparece Roulin, el cartero, encargado de entregar la correspondencia que Vincent escribió prolíficamente a su hermano Theo; su hijo, Armand Roulin, quien en la película se encarga de llevar el hilo conductor; la hija del posadero donde murió el pintor; el Dr. Gachet, su médico y amigo; la esposa de éste y su hija Margarita; algunos de los personajes del pueblo.

Así mismo, aparecen los cuadros de mayor colorido de Van Gogh, que sirven de escenario para la trama: El sembrador a la puesta del sol, la noche estrellada, campo de trigo con cuervos, el café de Arlés, el dormitorio en Arlés, campo de trigo con cipreses. Todo ello, impecable desde el punto de vista de la técnica pictórica, pero que resulta repetitivo frente a un argumento que se agota desde sus inicios.

Un esfuerzo de tantas personas que participaron en la construcción de esta cinta, sin duda innovadora si tenemos en cuenta que fue grabada con actores reales y luego pintada cuadro a cuadro, merecía un mejor resultado. La sensación que queda, es que el afán de difundir y hacer pedagogía sobre la obra de un artista como Van Gogh, que sin duda lo merece, no se tradujo en un producto integral que permitiera acercarse a la vida del artista. Tal vez, hubiera resultado mejor un cortometraje como se planteó en un principio por parte de la directora.

LA DONCELLA

Director: Park Chan-Wook

Año: 2016

País: Corea del Sur

Protagonistas: Kim Min-Hee, Kim Tae-Ri, Ha Jung-Woo, Cho Jin-Woong

Película Coreana ambientada en la década de los 30, cuando Corea ha sido invadida por Japón; este hecho, marginalmente tratado, sirve para entender la situación de la mujer en estos años y para apreciar las diferenciaciones de clase entre ambos países en este período, pues el tema central de la cinta podría ocurrir en cualquier lugar, en cualquier momento. De hecho, su argumento está basado en el libro de la escritora británica, Sara Waters, “falsa identidad”.

El ritmo, propio de las películas orientales, lento y sutil, nos presenta una situación aparentemente convencional, sobre la niña rica, de origen japonés, quien vive en una bella mansión rodeada de jardines, y los servicios que recibe de la niña pobre, coreana, obligada a trabajar desde joven en diversos oficios para sobrevivir; su narrativa, sin embargo, tiene el cuidado de mostrar el punto de vista de sus protagonistas, desarrollando la cinta en 3 secciones, manteniendo vivo nuestro interés.

El primero de los segmentos narra los hechos desde la óptica de la doncella, Sookee, huérfana dedicada en sus inicios a los hurtos pequeños, quien es enviada a trabajar en casa de una rica heredera a la que debe engañar para que, junto con su cómplice, un estafador, puedan hacerse a su herencia. Se evidencia la ambición y la envidia que produce ver el contraste entre la opulencia y la pobreza. ¿Cómo puede mirarse sin rencor y sin deseo una vida donde no hay limitaciones por parte de quien ha carecido de todo? Interesante en esta primera parte el contraste entre la riqueza, pero con límites a la libertad, y la pobreza, que crea barreras de todo tipo. La escenografía esta ricamente representada en la mansión, los vestidos, las joyas.

El segundo segmento nos presenta la versión de la heredera, la joven rica cuyo tutor, su tío, la ha explotado y la entrena para que pueda deleitar a sus amigos a través de lecturas públicas, de carácter erótico. Muy bella la escena donde aparece Hideko, la hermosa sobrina, lujosamente vestida con el kimono, el peinado típico japonés, y su puesta en escena con la entonación y el ambiente para deleitar al público masculino quien le escucha ensimismado.

El tercer segmento muestra la relación que lograron la dama y la doncella, Hideko y Sookee, quienes crean una relación de complicidad, se confabulan para protegerse y logran engañar a los hombres de las cuales son víctimas, huir y darse la libertad de tener un romance entre ellas.

Las escenas de cama entre las dos mujeres son muy eróticas y sensuales. La relación que establecen de comunicación y de amistad resulta muy convincente por la actuación de ambas, con gran naturalidad. El final es un poco fuerte y sobran las escenas de las torturas al estafador, las cuales quedan fuera de contexto especialmente porque la cadencia con la cual se desarrollan los acontecimientos, involucra ingredientes sexuales y eróticos, para nada violentos. Incluso cuando Hideko hace la lectura de libros pornográficos, ante los amigos de su tío, se nos muestra el lado artístico, del gusto por la literatura y la pintura, aunque de por medio este la explotación de una joven.

Una película que se desenvuelve en una época y en un entorno machista, donde los hombres están a cargo y toman todas las decisiones, pero cuyo final queda en manos de dos mujeres que rompen las cadenas y que por su decisión terminan definiendo los acontecimientos. Es este juego en un ambiente misógino el que resulta cómico, pues los hombres, que aparentemente tienen todo controlado, pasan de burladores a burlados. Por esta razón, son las mujeres las verdaderas protagonistas.

Una cinta inteligente, llena de escenas bellas, con un interesante argumento por las dimensiones que resultan de la trama a través de la visión de sus personajes, la sensualidad como factor presente, las actuaciones y sobre todo el ritmo que, aunque lento, nos mantiene absortos

CEZANNE

Directora: Daniele Thompson

Año: 2017

País: Francia

Protagonistas: Guillaume Galliene, Guillaume Canet, Alice Pol, Deborah Francoise

Mucho hemos oído de Cezanne, el gran pintor de la segunda mitad del siglo XIX y también de su contemporáneo Emilio Zola, el escritor francés de reconocimiento mundial. Lo que no todos sabíamos era de la gran amistad, iniciada desde su niñez, que estos dos artistas tuvieron durante buena parte de su vida.

Esta película se centra en la relación de estos dos hombres, que fue entrañable mientras duró, en un momento trascendental en la historia de las artes en Francia, con el surgimiento de nuevos movimientos pictóricos, el impresionismo y el posimpresionismo y un movimiento literario, el naturalismo, y de los cuales, tal vez sin proponérselo, cada uno en su respectivo campo, fue fiel representante.

A partir de una de las visitas de Paul Cezanne a Emilio Zola, a París, la película nos hace un recorrido por las historias, particulares y también compartidas, de estos personajes y de las vicisitudes que cada uno tuvo que enfrentar en su oficio.

Cezannne provenía de una familia acomodada, en tanto que Zola, huérfano muy joven, tuvo que enfrentar junto con su madre, muchas dificultades para sobrevivir. Estos inicios, cambian radicalmente en la adultez, pues el escritor triunfa relativamente joven y logra una situación económica solvente, mientras que el pintor rompe con su familia, enfrenta por muchos años la pobreza y solo tiene reconocimiento en sus últimos años de vida.

Desde el punto de vista estético hay mucho que disfrutar pues la cinta es rica en paisajes y personajes que nos remiten a estampas de los pintores impresionistas plasmadas en sus obras: los paisajes de AIX en Provence, el pueblo en el que ambos artistas crecieron, con sus ríos, lagos; los bañistas que tanto Renoir como Cezanne pintaron; los paseos con jóvenes en el prado almorzando típicos de Renoir; las mujeres con sombrillas en los campos pintadas por Monet; la montaña  Sainte-victorie, que fue objeto de muchas de las obras de Cezanne.

Los diálogos de los protagonistas son muy profundos. Se destaca la discusión que ambas tuvieron cuando Zola escribió “la obra”, sobre un artista fracasado, que para Cezannne reflejaba su propia historia a través del personaje principal Claude Lantier, y que se constituyó en el motivo de disputa de los artistas quienes no vuelven a relacionarse.

La decisión de Cezannne de separarse de su padre, quien esperaba que su hijo fuera banquero como él, fue una importante razón para convertir al pintor en un anacoreta, que lo llevó a vivir aislado muchos años, a tener problemas de convivencia con otros y a resentir el éxito de su amigo.  Zola, quien muchas veces ayudó económicamente a Cezanne y a su esposa, reclama el egocentrismo del pintor y su poca consideración con los problemas que él enfrenta como escritor, pues, aunque para la época uno de sus libros fue ampliamente reconocido, “el germinal”, sintió que su producción posterior se estancó.

Es quizás en el énfasis de los rasgos más característicos del pintor y del escritor donde reside el mayor logro de la película: la persistencia de Cezanne y su capacidad de aguantar la frustración pues, aunque fue criticado, rechazado varias veces por los salones de artistas (única vitrina de la época para exhibir la obra), no abandonó su camino. Al mismo tiempo nos muestra una personalidad huraña, aislada e insegura. En el caso de Zola, la disciplina en su oficio, en el que se empeñó desde muy joven y en el que persistió a pesar de las angustias económicas, sin ninguna   garantía de éxito.

Aunque la película también presenta las relaciones de estos artistas con sus parejas, no tienen mucha relevancia. Cezannne se nos muestra como un misógino, con poca estima por las mujeres, tanto en su relación con Alexandrine (quien posteriormente sería la primera esposa de Zola) y después con Hortense. En una de las escenas Hortense le reclama la obsesión de Cezanne por una de sus obras, en la que sirvió como modelo, y a la que demuestra más consideración que a ella como esposa y como mujer. Zola por su parte, además de Alexandrine, tuvo una relación con Jeanne con quien tuvo dos hijos.

Como la película termina cuando la relación entre estos dos artistas finaliza, no alcanzamos a vislumbrar el éxito alcanzado por el pintor al final de su vida, y esto se resiente.

En el caso de Zola y también por el mismo hecho de centrar la película en la relación con su amigo Cezannne, no apreciamos la dimensión social que alcanzó a tener su obra más allá de Francia, pues al igual que Balzac, retrató con gran veracidad los hechos de su época a través de la novela.

De todas formas, lo que podemos constatar durante los años de la relación de estos dos genios franceses, narrada en la cinta, nos llena de entusiasmo por conocer sus vidas, pero especialmente sus obras.

¡Vidas extraordinarias, película extraordinaria!

LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL: CHURCHILL Y DUNKERQUE

CHURCHILL

Director: Jonathan Teplitzky

Año: 2017

País: Estados Unidos y Gran Bretaña

Protagonistas: Brian Cox, Miranda Richardson, Jhon Slattery

Estamos en 1944, un año antes del fin de la Segunda Guerra Mundial. Estados Unidos se ha unido a los países aliados para combatir a Hitler, en tanto que Francia se encuentra invadida. Se prepara entonces un desembarco en las costas de Normandía que obligue a retroceder a los alemanes, impida su llegada a Inglaterra y permita la liberación de Francia. La estrategia es preparada por Eisenhower (Estados Unidos), Montgomery (Inglaterra) y la participación del primer Ministro Inglés Winston Churchill.

En este contexto histórico, la película se centra en la dimensión personal del líder Ingles, enfocado en un momento muy concreto: los días que transcurren entre el diseño de la estrategia del desembarco y el día de inicio del mismo. Este hecho será determinante para el futuro de la guerra.

Más que mostrar lo que significó esta decisión, vemos, a lo largo de 111 minutos, a un Churchill en sus diferentes dimensiones. Su desgaste como estratega de guerra, al cotejarse con nuevas figuras como las de “Ike” y “Monty”, comandantes de Estados Unidos y de Inglaterra respectivamente. El temperamento de confrontación de Churchill, quien, por su participación en guerras inglesas anteriores, se sentía con derecho a opinar al mismo nivel que los militares. Sus discusiones con Eisenhower, que reflejan su testarudez y sobre todo, la dificultad para quedar al margen de las decisiones.

Se da espacio en la cinta a las relaciones de Churchill con su esposa, Clementine, la persona que no temía exponer su criterio para enfrentarlo y mostrarle sus limitaciones, en momentos en que una nueva generación de líderes se estaba abriendo paso; así mismo, para atemperar un personaje que avasallaba a las personas que trabajaban con él y para que se sobrepusiera a la depresión y a los cambios de temperamento por su adicción al alcohol.

Igualmente, se nos presenta relación con Stugg, su edecán y tal vez otra de las pocas personas en quien Churchill confiaba, pero con quien continuamente discutía.

Hay dos escenas que más parecen de teatro que de cine y que por sus diálogos deben destacarse. Una, es la conversación con el rey Jorge VI de Inglaterra, quien intercede para que Churchill deje actuar a Eisenhower, donde se nos muestra a un primer ministro respetuoso de la corona y de lo que ella representa. La segunda, es el rezo en su habitación pidiendo que llueva, antes del día D, para evitar el desembarco y que se produzca una masacre contra los soldados ingleses, pues su temor es que se repita el fracaso de la batalla de los Dardanelos, en la que él participó y que en 1915 (I guerra mundial) llevó a la muerte de un número importante de sus compatriotas.

La película retrata más que al líder, al hombre, quien también tiene dudas y temores, pero que siente la responsabilidad de garantizar un futuro no solo para su país, sino para buena parte de Europa, evitando que gran parte del mundo quede subyugado a un personaje como Hitler.

La personificación que de Churchill hace Brian Cox es magnífica, pues refleja la fuerza de su carácter y la responsabilidad del líder que debe conducir a su pueblo.

Igualmente, Miranda Richardson, en el papel de Clementine, personifica con total credibilidad la carga que representa ser la esposa de un personaje recio, enseñado a hacer su voluntad, pero que ve en ella la persona capaz de cuestionarlo.

Una película introspectiva que nos muestra una dimensión de Churchill más humana pero menos difundida.

DUNKERQUE

Director: Cristopher Nolan

Año: 2017

País: Estados Unidos

Protagonistas: Fionn Whitehead, Mark Rylance, Tom Hardy

Esta película trata sobre la evacuación de soldados ingleses y de las fuerzas aliadas, del puerto de Dunkerque, en Francia, durante la segunda guerra mundial, en el año de 1940. Soldados británicos, franceses y belgas se encontraban rodeados por los alemanes quienes habían invadido Bélgica, los países bajos y Francia. Los Nazis esperaban una rendición gracias a la “tenaza” con que lograron arrinconar a las tropas aliadas, en las mayores playas de Europa.

Los días descritos en la película son aquellos de finales de mayo y principios de junio, en los cuales se buscaba, por parte del mando Ingles, que los soldados estacionados en las playas de Dunkerque, sin comida y sin manera de retroceder, alcanzaran territorio británico, a través del mar que era su única salida.

Es una cinta con pocos diálogos, pero mucho sonido: el de las bombas, el de los aviones, el de las balas. De hecho, ninguno de sus protagonistas sobresale o tiene una recordación especial. Su objetivo, es mostrar la envergadura de una operación que logró la evacuación de aproximadamente 300.000 soldados, en pocos días, en medio de los bombardeos alemanes, en un hecho que fue contundente para evitar que se capturaran o diezmaran las tropas.

La evacuación de los soldados pudo hacerse porque se generó una especie de tregua por parte de los alemanes que permitió que además de los barcos ingleses, muchas embarcaciones civiles zarparan de Inglaterra, cruzaran el canal de la mancha hasta el puerto de Dunkerque y llegaran de nuevo a su destino. Por ello, se da mérito en la película a todos aquellos ciudadanos que, arriesgando sus vidas, se embarcaron para rescatar a sus compatriotas.

A través de historias puntuales, la película refleja el drama de la operación “dinamo”, como se conoció esta evacuación: La lucha contra la aviación alemana, se nos muestra en las poderosas tomas aéreas del piloto Inglés contra sus enemigos; la colaboración que tuvo la flota inglesa, con el apoyo de cientos de embarcaciones privadas, se nos enseña con la travesía de un pequeño barco pesquero y el rescate de algunos soldados; así mismo, el hundimiento de barcos que tocaron la playa pero que no pudieron salir, mediante el periplo del soldado que tiene que hacer varios trasbordos para sobrevivir.

Estas historias, sin embargo, terminan siendo secundarias y no opacan el verdadero propósito de mostrar la magnitud de la guerra y el valor de la operación que permitió salvar tantas vidas. Escenas tan portentosas como las de la playa, con un gran número de extras (6.000), exhiben la angustia frente a la muerte y la esperanza de miles de soldados de sobrevivir. La confrontación aérea entre pilotos ingleses y alemanes muestra que la destrucción de ciudades o puertos es considerada de valor estratégico para vencer. Los hundimientos de los barcos por los bombardeos, muestran la poca importancia de la vida humana en el campo de batalla, pues hasta un barco de heridos de la cruz roja es atacado.

El manejo de estas grandes tomas y la banda sonora, a cargo de Hans Zimmer, son lo más valioso de esta película.

DOS PELICULAS SOBRE FRAUDES FINANCIEROS

GOLD – EL PODER DE LA AMBICION

Director: Stephen Gaghan

Año: 2016

Protagonistas: Matthew McConaughey, Edgar Ramírez, Bryce Dallas Howard

El afán de salir de la quiebra, lleva a Kenny Wells, el heredero de Washoe Mining, una empresa de exploración de minerales y búsqueda de fondos para su explotación, a buscar oro en Indonesia. En esta aventura, consigue que Mike Acosta, geólogo conocido, se haga su socio y juntos arrancan el trabajo en plena selva de Indonesia. Después de varios meses y de que Kenny se hubo recuperado de una malaria que por poco lo mata, las pruebas de laboratorio confirman que hay oro.

Empieza, a partir de esta información, el boom para impulsar la mayor empresa de oro del mundo. Un fondo de inversión de Wall Street se encarga de garantizar su cotización en bolsa y de conseguir los recursos para la explotación, a través de la emisión de acciones. Con el éxito de esta operación, una minera, New Port, ofrece la compra por US$ 300 millones, propuesta que Kenny rechaza.

Con la negativa a la venta viene el cierre de la mina, por la presión de New Port, con la colaboración de un expresidente de Estados Unidos, sobre Suharto, Presidente de Indonesia. Cuando, en una acción desesperada, los socios iniciales logran que el proyecto arranque nuevamente, surge la noticia del fraude que hacía Mike con las pruebas de laboratorio: No hay oro, no hay mina, no hay empresa.

Al final, con sus declaraciones al FBI, Kenny manifiesta unas frases contundentes alrededor del mundo de los negocios: “Cuando todos se están forrando, a nadie le importa la verdad”, “nadie quería saber la verdad porque estaban ganando una fortuna¨.

Muy buena la actuación de Matthew McConaughey, quien una vez más nos sorprende con su metamorfosis. La Banda sonora acompaña muy bien los momentos, de euforia o desesperación. Se destaca especialmente, la canción de Iggy Pop, al final.

La película estuvo inspirada en Bre-X, firma canadiense que protagonizó uno de los mayores fraudes de materias primas a finales de los años 90. Un caso típico de especulación de una acción, basada en expectativas, que nunca pasaron del papel. Nadie quiso verificar la verdadera existencia de oro. Una lección sobre el tema de las especulaciones de acciones, la manipulación que se hace de los compradores y la codicia, tanto de estos como de los financieros, que pone un velo para esconder la realidad.

EL MAGO DE LAS MENTIRAS

Director: Barry Levinson

Año: 2017

Protagonistas: Robert de Niro, Michelle Pfiffer, Kristen Connolly

Basada en la historia de Bernard Madoff, Presidente y dueño de una de las firmas de inversión más importantes de Wall Street, la película nos sitúa en plena crisis financiera del año 2008, en Nueva York, y cómo se devela el mayor fraude financiero con el esquema Ponzi. (nombre debido a un emigrante italiano que en 1920 estafó a ahorradores americanos, en un esquema piramidal).

“Bernie" como era llamado, enfrenta el retiro de fondos de sus clientes, quienes por años se habían beneficiado de altos intereses (11% anual). En un lapso de 20 años, la empresa de Madoff garantizó el pago de los rendimientos y el ciclo de retiros con la entrada de nuevos inversores. Cuando las salidas empezaron a ser mayores que las entradas, salió al descubierto que no había inversiones de respaldo y que los ahorros de miles se habían esfumado. Sus clientes habían financiado una vida de lujo y de derroche e incluso de apoyo para causas filantrópicas.

La cinta nos revela varios hechos. Los controles nulos de la SEC[1] a la firma de Madoff, a causa de la satisfacción de sus clientes con sus "inversiones", las buenas relaciones de éste, con bancos y altas personalidades y el hecho de haber sido uno de los fundadores del Nasdaq[2], lo cual intimidó cualquier investigación.

Una denuncia realizada por Harry Markopolos, quien era un reconocido analista de fondos de cobertura, demostraba que rendimientos como los ofrecidos por Madoff eran insostenibles: no se cobraban comisiones; mientras el mercado subía y bajaba, los fondos de Madoff siempre iban para arriba. Esta denuncia se hizo 9 años antes de la crisis y no pasó nada.

El eje argumental de la película, sin embargo, es la familia de B Madoff y la destrucción que viene con el escándalo: su esposa por 50 años, Ruth, queda abandonada y en la miseria, su hijo mayor se suicida 2 años después de que condenan a su padre a 150 años de cárcel. Su segundo hijo enferma de cáncer y muere en 2014. Respecto a los cientos de víctimas que dejo la quiebra, la cinta nos muestra algunos casos, solo marginalmente y a manera de un rápido documental con la foto del afectado y su historia.

La película es atropellada y peca al querer abarcar muchos aspectos, tanto familiares como del negocio; al tiempo que nos presenta la velocidad de los momentos previos a la caída del protagonista, nos muestra los días de esplendor y despilfarro, mediante flash back. Hay una escena bastante diciente por el contraste, en la que el grupo familiar está bailando con la canción Sweet Caroline (Neil Diamond), y que refleja los días de gloria que ya ninguno volverá a tener, pues como dice su letra "los buenos tiempos nunca parecieron tan buenos". 

La historia que se lleva al cine, se reconstruye a partir de la entrevista de una periodista del New York magazine y en ella Madoff parece no tener grandes remordimientos respecto a su conducta, pues también hace culpables a sus clientes por su afán de codicia. 

En efecto, Madoff, en la Institución Correccional Federal de Mediana Seguridad Butner, en entrevista concedida en junio de 2010, declaró:

... que no se arrepiente ni siente los daños causados a sus estafados [...] que se jodan mis víctimas [...] eran -sus clientes- avaros y estúpidos [...] fue una pesadilla para mí [...] le habría gustado que le hubieran cogido hace seis u ocho años [...] la prisión es para él una liberación. New York Magazine 06/06/2010.

La actuación de Robert de Niro en el papel principal es impecable, muy creíble. Michelle Pfeiffer hace el papel de Ruth, su esposa, y es presentada como una mujer que se benefició muchos años de la comodidad y el lujo sin hacerse muchas preguntas. 

Una película desordenada al querer abordar muchos temas, pero con lecciones interesantes porque saca a la luz la ceguera de todos los involucrados, incluyendo las autoridades, cuando rueda la plata y todos se sienten beneficiados.

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[1] Securities and Exchange Commission. Comisión de mercados y valores de Estados Unidos. Un organismo regulador y supervisor de los mercados financieros que tiene la responsabilidad de hacer cumplir las leyes federales.

[2] National Association of securities dealers automated quotated. Mercado global que compra y vende acciones de compañías a través de internet, es decir, sin intermediarios.

3 PELICULAS DE MUJERES

EL CLIENTE. (The Salesman)

Director: Asghar Farhadi

Año: 2016

Protagonistas: Shanab Hosseini, Taraneh Alidoosti

Película dirigida por el Irani Asghar Farhadi, el mismo de “una separación” (ganadora de un Oscar a mejor película extranjera en el 2012) y quien por esta cinta vuelve a hacerse acreedor al premio Oscar 2017, causando revuelo por su inasistencia a la ceremonia, en protesta por el veto de Trump a los musulmanes. 

La trama es muy simple: una joven pareja iraní, Emad y Rana, se ve obligada a trasladarse de apartamento pues el edificio en el que viven se está agrietando; una vez instalados en el nuevo, se presenta la irrupción de un extraño en el momento en que Rana toma una ducha. Este hecho rompe la tranquilidad de la pareja.

Emad tiene un trabajo diurno como profesor de secundaria y otro nocturno, como actor de teatro, éste último compartido con Rana. En dos planos podemos ver, por un lado, la cotidianidad de los esposos afectada por la intromisión de un tercero, y por el otro, escenas de la obra teatral de Arthur Miller “la muerte de un viajante”, que ambos representan.

La obsesión de Emad por encontrar al culpable del suceso contra Rana, junto con el trauma que ha representado para ella, lo lleva a situaciones límite, que, a mi modo de ver, no se compadecen con la responsabilidad del personaje, una vez que éste es descubierto y oímos su versión de lo sucedido. De hecho, sabemos muy poco de lo que realmente le ocurrió a Rana, aparte del golpe en su cabeza.

Que motiva realmente a Emad:  su afán de venganza?, ¿su rechazo a la situación que vivió su esposa?, su temor a las habladurías de los vecinos? El sufrimiento silencioso de su esposa contrasta con la actitud furiosa de su marido, y esto crea una brecha entre ambos.

El drama que refleja la obra de Miller, por otro lado, nos muestra a una pareja desgastada, que ha vivido una relación de años, pero con distancia, y el cansancio del protagonista, quien ha mantenido otra vida a través de sus continuos viajes. No es gratuita la obra escogida como telón de fondo, tanto por la distancia que se crea entre Rana y Emad, como por la vida paralela que lleva el victimario de Rana.

En ambas películas, “una separación” y “el cliente”, el mayor mérito del Director es que nos permite acercarnos a valores y códigos culturales arraigados, que no tienen la misma dimensión en la cultura occidental pero que se vuelven trascendentales para la cultura de medio oriente. Como lo manifestó el director en entrevista para el diario el Tiempo “Desde que era niño aprendí esa dicotomía entre hombre y mujer que allá [Irán] es muy marcada”[1]

“el cliente”, tiene un ritmo continuo de zozobra y el espectador se hace partícipe del suspenso durante todo el tiempo, especialmente porque la resolución solo llega al final, cuando descubrimos quien fue el culpable.

CAMINO A ESTAMBUL (Road to Istambul)

Director: Rachid Bouchareb

Año: 2016

Protagonistas: Astrid Whettnall, Pauline Burlet, Patricia Ide

Esta película muestra la situación personal ante la tragedia de la guerra. Aunque el telón de fondo es el conflicto de Siria, la cinta se concentra en el drama de una madre cuya hija abraza el islamismo y la causa de la Yihad. La trama plasma la búsqueda por parte de Elizabeth de su hija Elodia, en Turquía, de su intento para llegar a Siria, y el sinsentido que la mujer manifiesta de manera permanente, por verla involucrada en una guerra que resulta ajena para un país como Bélgica, del cual son oriundas.

Hay 2 frases que marcan la película; en una de ellas, a través del diálogo con un sirio en la frontera con Turquía, éste le manifiesta a Elizabeth, que el único interés para ella es su hija y que, en cambio, los sirios, son quienes están perdiendo vidas. En el otro, al final, cuando la protagonista encuentra a su hija en un Hospital de Estambul, mutilada, Elodia pide a su madre que la acompañe en el camino de vida que escogió con sus hermanos y hermanas musulmanes, a lo que su madre, paradójicamente, contesta de inmediato que sí, pues nada justifica para ella la zozobra de su pérdida y el temor de hallarla muerta. La película concluye con el llanto de la madre, ante el absurdo de esta situación. 

La actuación de su protagonista es magistral y casi todo el desarrollo de la cinta recae sobre ella. La forma en la cual está presentado el caso personal, sin involucrar expresamente el drama en Siria, pero haciendo visible el absurdo de la guerra y del terrorismo, es el mayor logro de la cinta.

EFFIE GRAY

Director: Richard Laxton

Año: 2014

Protagonistas: Dakota Fanning, Greg Wise, Tom Sturridge, Emma Thomson     

        

Estamos a mediados del siglo XIX y una joven mujer, residente en Escocia, atraviesa, junto con su familia, dificultades económicas, por lo cual ven en un matrimonio convenido para ella, la oportunidad para que abandone su casa familiar y alivie su situación. La ilusión de la llegada con su esposo, un distinguido Ingles, al nuevo hogar en las afueras de Londres, pronto se verá desvanecida cuando inician su vida conyugal en la casa de sus suegros. Allí Effie, la frustrada protagonista de esta historia, encuentra un ambiente asfixiante, donde el hijo es idolatrado por su madre, a cargo de todos sus cuidados y manipulado por su padre, quien dirige su trabajo. No hay entonces espacio para una advenediza pobre, que debiera estar agradecida por haber sido rescatada por gente rica y honorable, y casada con un personaje reconocido por su oficio de crítico de arte. Para sumar a las desgracias de Effie, las relaciones con su esposo son inexistentes, aún en el campo sexual, pues Jhon Ruskin es impotente y aunque duerme con ella, no ha intentado siquiera tocarla.

Los silencios cotidianos en una casa donde se obvia la presencia de la joven mujer, la indiferencia del esposo y el desprecio de sus suegros, la llevan a la enfermedad, que como bien lo expresa su médico, es la manifestación de sus angustias por falta de cariño. Solo el viaje que emprende con su esposo a Venecia, le da un corto periodo de felicidad y despierta las inquietudes de Effie por una vida distinta.

Los resentimientos que empiezan a generarse en la pareja, alimentan el odio mutuo. Por parte de él, por su animadversión a las mujeres y su incapacidad de relacionarse con ellas; por parte de ella, por el sentimiento de frustración y humillación permanente al ver lesionada su autoestima. La salida previsible para Effie, además de buscar el amor en otro hombre, es aliarse con una amiga, liberal y sensible, para que juntas puedan buscar fin a ese matrimonio.

Al final, nos solidarizamos con la protagonista y nos alegra la ofensa y la vergüenza que puede provocar en Jhon, quien tanto la maltrató. La presión sicológica que se percibe en los personajes a lo largo de toda la película, es el sello más característico, pues, aunque parece sutil (no hay atropellos físicos, ni siquiera gritos), la tensión termina contagiando todas las situaciones y llenando todos los espacios.

Una buena realización, con un argumento que evidencia el machismo y el atropello a la mujer, con el frio toque de la flema inglesa.

P.D. : La película está basada en hechos reales y es una historia que se ha llevado al cine y al teatro varias veces. Effie (Euphemia Chalmers) nació en 1828 y murió en 1897 y su matrimonio y separación con el pintor Jhon Ruskins fue un acontecimiento que tuvo mucho eco en la época, por la condición social e intelectual de ambos personajes.

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[1] Diario el Tiempo, enero 4 de 2017

TRES PELÍCULAS NO AMERICANAS

PAULA

Año: 2016

País: Alemania

Director:  Cristian Schwochow

Protagonistas:  Carla Juri, Albrecht Schuch, Roxane Duran

Esta película alemana cuenta la historia de la pintora Paula Becker, a partir de sus 24 años y hasta su muerte a los 31. A principios del siglo XX, en Alemania, en un pueblo llamado Worpswede, Paula solo quiere ejercer su oficio artístico y tanto por el hecho de ser mujer como por la época, no se acepta que ella tome con autonomía tal decisión, que pretenda vivir de la pintura y mucho menos, que se rebele contra los cánones artísticos respetados y acogidos en el pueblo. 

La artista, desde sus inicios, se niega a reflejar la "perfección y la exactitud" como se lo exigen su maestros y lucha por identificar su propio estilo. En la búsqueda de su propósito, viaja a París, ciudad que le brindará mayor libertad para su vida personal y para su pintura.

En estos años, la película nos muestra su relación con el también pintor Otto Modersohn, viudo, con quien mantiene una relación de 5 años antes de emprender su viaje a Francia. Su vínculo es tortuoso pero profundo. 

En contraste con escenas de mucha lentitud, especialmente durante sus inicios en Alemania, la cinta tiene otro ritmo cuando transcurre en París donde podemos apreciar el mundo artístico en el que Paula interactuó. Apreciamos el taller de Rodin, donde la amiga de Paula, Clara, alemana y también con aspiraciones artísticas, tiene que limitarse a preparar el yeso para las esculturas del maestro. Observamos también a Camille Claudel, la amante de Rodin, con sus angustias económicas y su poco reconocimiento como artista, opacada por el escultor. Aparece igualmente el ex-esposo de Clara, el poeta Rainer Maria Rilke, la persona que impulsa a Paula a emigrar de su pueblo y se resiste a que vuelva, a pesar de las mezquindades personales que él tiene con su familia. 

Muy destacable la presentación del entorno con el cual tuvo que luchar la artista: el machismo, los prejuicios sobre sobre el trabajo de la mujer por fuera de su casa, las dificultades para quienes se atreven a hacer rupturas frente a lo convencional.

Dada la magnitud de la obra que legó Paula Becker, 700 pinturas y 1000 dibujos, en la película podemos apreciar muy pocas, pues se da un espacio mayor a su relación amorosa con Otto, en menoscabo de las inquietudes y dilemas que enfrentó como artista. 

Los paisajes de Alemania están muy bien ambientados y contrastan con los de París que se reducen a salones.

Muy buenas las actuaciones de los protagonistas en los papeles de Paula y de Otto así como el de la pequeña que desempeña el rol de la hija de Otto.

Al final queda la sensación de las luchas que dan quienes persisten, muchas veces por encima de las presiones familiares y sociales y de los esfuerzos monumentales de quienes rompen con lo establecido. Un homenaje a una artista muy representativa de Alemania y de la cual muchos desconocíamos.

UN HOMBRE LLAMADO OVE

Año: 2015

País: Suecia

Director: Hannes Holm 

Protagonistas: Rolf Lassgard, Bahar Pars

Ove, es un viudo de 59 años, huraño y solitario, quien ha trabajado en la misma empresa desde hace 43 y de la cual es despedido sin miramientos. La muerte de su esposa marca un quiebre en su vida y es alrededor de las ausencias, tanto de ella como la de su propio padre, que se construye el argumento de la película. En el afán de "reunirse con su esposa", Ove intenta suicidarse de varias maneras, pero, para su infortunio, falla reiteradamente al surgir cada vez una interrupción en el momento preciso. 

La llegada a su conjunto residencial de una pareja con 2 hijos, lo confronta con situaciones de las que ha querido huir como las conversaciones casuales, la convivencia con niños o mascotas o con cualquier manifestación de desorden.

Es precisamente la esposa del vecino, Parvaneh, una emigrante iraní, quien, gracias a su actitud abierta y desprevenida, logra romper la máscara de hielo que ha puesto Ove. 

A la par con las escenas que muestran la soledad actual de Ove, que pretende llenar con su actitud querellante con todo y con todos, la película nos lleva a sus recuerdos de niñez y de convivencia matrimonial, para justificar su actitud intolerante actual.

Surge, a mi parecer, una incoherencia entre los buenos recuerdos que se nos presentan tanto de su padre como de su esposa, con su drama presente. Su esposa solo murió hace 6 meses y su matrimonio con esa extraordinaria mujer, fue muy poco después de la muerte de su padre.

Sí, hay en la cinta, un buen encadenamiento entre las angustias de Ove con las que empieza a percibir en las personas que lo rodean y que lo llevan a pensar que no son exclusivas suyas pues cada uno, a su manera, arrastra las propias. Su único amigo quedó cuadripléjico, el alumno de su esposa destapa su homosexualidad ante un padre que no la soporta. Estos eventos, se presentan con dosis de humor, pero también de demasiada coincidencia por lo que, inevitablemente, lucen   como clichés.

A pesar del final predecible de un Ove comprensivo y abierto, más cercano a las angustias de los otros, la película resulta entretenida, la actuación de Rolf Lassgard como Otto es muy buena y la relación con su vecina resulta divertida.

Después de todo, no deja de ser cierto que las personas se amargan cuando las penas se esconden, o cuando los dolores no se lloran y en contraste, el lado más amable sale a relucir cuando se recibe comprensión y amor.

NO SE METAN CON MI VACA 

Año: 2016

País: Francia

Director: Mohamed Hamidi

Protagonistas:  Fatsah Bouyamed, Jamel Debouza, Lambert Wilson

Esta comedia francesa tiene dos protagonistas, Fatah, agricultor que vive en un pueblo de Argelia y Jackeline, su inseparable vaca.

Su obsesión por participar en la feria agrícola en París, convoca a todo su pueblo, quien financia el viaje en barco hasta Marsella, para posteriormente continuar su recorrido a pie. 

Este periplo por carretera lleva a su protagonista a involucrarse con quienes se encuentra en el camino y nos presenta la óptica del campesino en situaciones simples y al mismo tiempo risibles: Emborracharse con vino de pera, participar sin saberlo de un mitin contra la feria a la cual va a asistir, convivir con un conde francés venido a menos, pedir posada en la casa de una viuda llamada Jackeline. 

La euforia que crea su viaje a pie con una vaca, con los campos franceses como telón de fondo, se vuelve motivo de seguimiento en las redes sociales, aclamando a estos peculiares personajes como si fueran estrellas. Los eventos, a veces sin ninguna trascendencia, de los que hacen eco los seguidores virtuales, son presentados con mucha gracia al punto que la borrachera de Fatah es tendencia con la frase "la culpa fue de la pera". 

Una película sin pretensiones, pero llena de situaciones simpáticas, unas veces por la ingenuidad del protagonista, otras por su testarudez y algunas por la omnipresencia de las redes sociales que crean héroes a partir de los hechos más inocuos.

Para reír un rato.