PELÍCULAS NOMINADAS A LOS PREMIOS OSCAR Y GLOBO. II PARTE

 

Esta es la segunda entrega sobre algunas de las películas nominadas en los premios Oscar y las destacadas en los globos de oro.

EL BRUTALISTA

Director: Brady Corbet

País: Estados Unidos

Año: 2024

Reparto: Adrien Brody, Felicity Jones, Guy Pearce, Joe Alwyn, Raffey Cassidy

Esta película está basada en la vida de Laszlo Toth, un personaje ficticio pero cuyas experiencias se reconstruyen a partir de hechos sucedidos durante la Segunda Guerra Mundial. En efecto Laszlo, un arquitecto judío de nacionalidad húngara, fue víctima de la persecución Nazi y tuvo que huir a los Estados Unidos para salvar su vida.

Aunque era arquitecto, le tocó ejercer varios oficios, incluso como obrero en las minas a su llegada al país americano. Inicialmente fue acogido por un primo quien tenía una fábrica de muebles, pero pronto fue desalojado pues la esposa de este último lo acusó falsamente de pretender seducirla. Estuvo en varios hospicios y finalmente fue rescatado por un millonario quien lo involucró en un megaproyecto urbanístico en Pensilvania.

La mayor parte de la película se centra en esta parte de la vida de Laszlo, dedicado a sacar adelante el proyecto de construcción en Pensilvania que abarcaba un gran teatro con iglesia y varias salas culturales. Esta propuesta la basó en un concepto arquitectónico innovador que tuvo mucha resistencia pues consistía en una gran mole de hormigón, de amplias paredes, muy pocos ventanales, pero cuya grandiosidad estaba por dentro con las entradas de luz y los espacios de altos techos.

La construcción exigía mármol para lo cual Laszlo y su jefe viajaron a Carrara, donde se pueden apreciar las escenas más bellas de la película en las montañas y las cuevas de mármol. Los hechos posteriores nos muestran la culminación de la obra, interrumpida varias veces por unos presupuestos excedidos. En el entretanto llegan    su esposa y su sobrina, después de 5 años de no verlas y continúan los conflictos tanto con su jefe como con sus fantasmas internos que atenúa con su adicción a la heroína.

El final de la cinta es un homenaje a la obra del arquitecto, pero en realidad tiene como propósito destacar las contribuciones del estilo llamado brutalista, surgido en los años 50 y que se caracterizó por construcciones con mucha simplicidad, bloques grandes de concreto, de apariencia pesada y exposición de los materiales.

La película dura 3 horas y media y está dividida en varios capítulos, lo que a mi modo de ver resulta excesivo. Cuenta con una actuación excelente de Adrien Brody, quien se hizo merecedor al Oscar por este papel. Hay escenas muy bien filmadas relativas al avance del proyecto, destacando la monumentalidad de la obra que se construye. Igualmente se resaltan los efectos psicológicos de la persecución y de la guerra en las actuaciones de personajes como Laszlo, su esposa y su sobrina.

Del director: Brady Corbet es un actor y director de cine estadounidense, nacido en Arizona en 1988. Empezó su carrera actoral a los 11años y ha participado en varias series de TV. Otras películas dirigidas por él son: “la infancia de un líder”, “Vox Lux”. “El brutalista” ganó el León de plata en el Festival de Venecia 2024 y Corbet se llevó el globo de oro como mejor director 2025.

QUEER

Director: Luca Guadagnino

País: Italia

Año: 2024

Reparto: Daniel Craig, Drew Starkey, Jason Schwartzman, Henry Zaga, Leslie Manville

William Lee, interpretado por Daniel Craig en un rol poco convencional pues estamos acostumbrados a verlo personificando papeles en películas de acción, es un estadounidense gay que vive en ciudad de México disfrutando del ocio, del vicio y del placer.

Con un grupo de amigos se divierte en los bares y en las fiestas, en relaciones pasajeras que olvida a la mañana siguiente, hasta que conoce un día a Eugene Allerton, un estudiante joven con el cual se obsesiona. Este hombre desconcierta a Lee por su temperamento huidizo, reservado y por la distancia que mantiene en la relación que ambos inician al punto de ponerlo a dudar si es realmente gay.

Lee planifica un viaje a Ecuador para probar el yagé con el propósito de experimentar la telepatía, que suponía se lograba al consumir esta bebida. Acude junto con Eugene a la selva al encuentro con una científica conocedora de los secretos de la planta de ayahuasca y allí se desarrollan unas escenas psicodélicas que reflejan los efectos de la yerba, las cuales están muy bien logradas. De la selva regresa Lee solo y nunca vuelve a saber de Eugene.

La película está basada en la novela “Queer”, que parece ser autobiográfica, de William Burroughs autor estadounidense quien exploró en sus escritos los temas de la adicción y la marginalidad. Fue miembro de la generación Beat, movimiento transgresor que surgió en los años 50 y 60 en Estados Unidos que propendía por la libertad sexual y las adicciones, rechazando la moralidad existente de la época. Sus miembros eran anticapitalistas, anti materialistas y anti autoritarios, muy inclinados hacia las filosofías del taoísmo y el budismo. Todo ello lo expresaban en obras de poesía, en ensayos y en novelas.

La película refleja ese mundo de sexualidad, libertad y vicio a través de escenas de sexo explícito, fiestas con drogas y relaciones abiertas. Sin embargo, cae en la monotonía que propicia un ambiente que se circunscribe a estos escenarios y que solo rompe con el mencionado viaje a la selva. De todos modos, el papel de Daniel Craig es destacable pues asume con total naturalidad la condición de gay y de hedonista.

Del director: Luca Guadagnino es director, guionista y productor italiano, nacido en Palermo en 1971. Pasó su infancia en Etiopía y se graduó en la universidad de la Sapiensa en Roma. Otras películas dirigidas por el son: “Llámame por tu nombre”, “Suspiria”, “Melissa P”,”Hasta los huesos”, “Soy el amor”.

UN COMPLETO DESCONOCIDO

Director: James Mangold

País: Estados Unidos

Año: 2024

Reparto: Timothee Chalamet, Edward Norton, Elle Fanning, Monica Barbaro

Sobre un período muy concreto en la vida del cantante Bob Dylan, esta película se enfoca en sus inicios en Nueva York una vez llega proveniente de su ciudad natal, Minnesota. Con esta decisión su carrera empieza a ser reconocida y a conquistar el éxito. Posteriormente, él rompe con la música de sus orígenes en búsqueda de su propio estilo.

Dylan llegó a Nueva York en 1961, con 20 años de edad. Era un profundo admirador de la música Folk, lo que le llevó a conocer al cantautor Woody Guthrie, de quien fue su fan. Gracias a la oportunidad que le dio un amigo de éste, el también músico Pete Seeger, mentor en sus inicios, empezó a tocar en bares y a promocionar sus propias composiciones.

Aunque al principio se acogió al estilo del Folk, muy pronto Bob Dylan empezó a evolucionar combinándolo con el rock, involucrando además temas sociales en sus composiciones. La ruptura con este estilo inicial por parte del artista se cristalizó en el Newport Folk Festival a donde fue invitado para que interpretara las canciones tradicionales, pero donde tomó la decisión de introducir rock eléctrico en lugar de los instrumentos de cuerda tradicionales.

El final de la película donde se muestra su actitud rebelde frente al tipo de música convencional que todos esperaban, es el inicio de una carrera con un sello muy personal reflejado en sus letras, su guitarra, su armónica y la combinación de estilos.

La película muestra esa personalidad hermética y conflictiva de Dylan, pero no agota su biografía. Los años entre 1961 y 1965 en los que se centra la cinta, muestran su relación inicial con Sylvie Russo, una activista social y también con la cantante Joan Báez con quien compartía escenario, en una época donde ella generaba gran admiración y atraía mucho público.

La película brinda un espacio importante a los temas musicales compuestos durante esta época por Bob Dylan con interpretaciones realizadas por el propio Timothee Chalamet, su protagonista, quien además toca la guitarra y la armónica. Para ello, como lo confesó en varias entrevistas, tuvo un entrenamiento para este papel durante 5 años, a través de videos y entrevistas del artista. Mónica Barbaro en el papel de Joan Báez también interpreta sus canciones directamente, así como Edward Norton actuando como Pete Seeger. Muy buena la actuación de este trío, pero muy destacable la de Chalamet.

El filme está basado en el libro “Dylan goes electric” de Elijah Wald y el título se debe a la canción “Like a Rolling Stone”. Hay que recordar que Bob Dylan recibió el Premio Nobel de literatura en 2016 por sus composiciones musicales y su poesía.

Del director: James Mangold es un director y guionista estadounidense nacido en New York en 1963. Estudió en la escuela de artes de la universidad de Columbia y en el instituto de artes de California. Otras películas por él dirigidas son: “Inocencia interrumpida”, “En la cuerda floja”, “Identidad”, “Logan”, “Ford vs. Ferrari”.

 

 

 

 

 

 

 

PELÍCULAS NOMINADAS A LOS PREMIOS OSCAR Y A LOS PREMIOS GLOBO.

PARTE I.  EMILIA PEREZ -  CONCLAVE -  ANORA

Resumo a continuación algunas de las películas nominadas a los premios Oscar a llevarse a cabo el 2 de marzo del 2025 y aquellas destacadas o ganadoras en los globos de oro realizados el 5 de enero en Los Ángeles, California. Esta es la primera de dos entregas.

EMILIA PÉREZ

Director: Jacques Audiard

País: Francia

Año: 2024

Reparto: Karla Sofía Gascón, Zoe Saldaña, Selena Gómez

Es una película con formato de musical en algunas escenas, cuyo argumento se centra en un narcotraficante mexicano que decide cambiar de sexo. “Manitas del monte”, así apodado, se apoya en una abogada para hacerse una operación de cambio de sexo en el exterior, simular su muerte y desaparecer. Cuando años después quiere volver a su país para reencontrarse con sus hijos, la película adopta un giro, la verdad poco creíble cuando “Emilia Pérez”, el otrora mafioso ahora convertido en mujer, busca su redención contribuyendo en la búsqueda de desaparecidos de estos grupos criminales.

Aunque tiene aspectos interesantes, el tema de la violencia producto del narcotráfico que azota a un pueblo como el mexicano involucrando asesinatos y desaparecidos, se trivializa. El solo hecho de convertir casi en héroe a quien fue un narco despiadado, una vez se transforma en mujer, es un aspecto que le quita veracidad al guión. Como lo sostiene la misma cinta al inicio, el hecho de cambiar solo físicamente no va a significar cambios dramáticos en la esencia de una persona, por lo que esta transformación se ve como una traición al perfil del personaje. Es como si hubiéramos visto en “El padrino” a un Vito Corleone que se vuelve bueno y compasivo al final, por el hecho de haber envejecido.

Ocurre algo similar con la trama forzada en el remate de la cinta, donde concurren hechos que se atropellan con un resurgimiento de la violencia, para demostrarnos que el crimen tiene su castigo. En resumen, hay actuaciones buenas, escenas interesantes pero un argumento que, aunque audaz resulta forzado.

Debe destacarse la actuación de Zoe Saldaña, quien con naturalidad canta, baila y desarrolla un magnífico papel, en principio como una abogada subvalorada y luego como una mujer empoderada y decidida.

Esta película estuvo en el ojo del huracán por dos razones. Primero, por su pobre acogida en México donde consideraron que la realidad que se reflejaba en el film no se correspondía con la situación padecida por sus habitantes y especialmente por las víctimas del narcotráfico y la corrupción. Segundo, por las expresiones en redes de su protagonista, la española Karla Sofía Gascón, una actriz trans quien antes de hacerse popular usó términos xenófobos contra los árabes musulmanes, los cuales salieron a relucir y la hicieron objeto de cancelación al punto que no volvió a asistir a los festivales y eventos de premiación.

Esta película se puede ver en salas de cine y a partir del 28 de marzo en Movistar plus y filmin.

Del director: Jacques Audiard, nacido en Francia en 1952, ha sido ganador del premio César, el Bafta y en el festival de Cannes. Otras de sus películas: “Un profeta”, “De latir, mi corazón ha parado”, “Dheepan”.

 

CÓNCLAVE

Director: Edward Berger

País: Reino Unido

Año: 2024

Reparto: Ralph Fiennes, Stanley Tucci, John Lithgow, Sergio Castellito, Isabella Rossellini, Lucian Msamati.

Esta película trata sobre las intrigas alrededor de la elección de un nuevo pontífice ante la muerte de quien ejerce el papado, lo cual obliga a la reunión de cardenales provenientes de diferentes países para realizar el correspondiente cónclave.

Las confabulaciones para acceder a ese primer cargo de la iglesia católica, muestra que ellas son intrínsecas en la búsqueda de cualquier dignidad que signifique poder e influencia. Las corrientes sobre posiciones al interior de la iglesia se hacen evidentes en la cinta: una liberal que propende por dar énfasis a los aspectos sociales, con más acercamiento a las necesidades de la gente; otra conservadora que busca poner a la iglesia como una institución distante, que más bien genere adoración y respeto y donde no caben posiciones de apertura respecto a las mujeres o a cuestiones de género.

Precisamente para conseguir el número de votos necesarios que permitan un ganador, el film nos muestra cómo se van armando bandos y se sacan a relucir los aspectos que pueden eliminar potenciales candidatos con escándalos que puedan perjudicarlos, o mediante ofrecimientos a cambio de votos o por revelaciones de maltratos y vicios del pasado. En ese sentido, el guión es coherente con la realidad de la naturaleza humana, pues, aunque se trate de cardenales ellos no son ajenos a las vanidades y como cualquier mortal pueden ser víctimas de algunos de los “pecados capitales” como la lujuria, la envidia, la ira o la soberbia.

Esta trama, que busca sacar a flote las maquinaciones detrás de cualquier elección incluyendo en este caso la del papa, es lo más interesante de la película, así como las poderosas actuaciones de Ralph Fiennes en el papel de Lawrence y las de otros conocidos actores como Stanley Tucci y Sergio Castellito. Isabella Rossellini tiene un papel mínimo, bien interpretado sí, pero no para ser nominada como mejor actriz secundaria.

Hay que decir sin embargo que después de un argumento bien desarrollado, el final de la cinta decepciona pues resulta bastante forzado e impredecible. Es una lástima porque hay diálogos muy bien logrados y un ritmo que se mantiene durante casi toda la película.

Del director: Edward Berger es un guionista y director alemán nacido en 1970, educado en la universidad de Nueva York. Ha dirigido varias series y películas para televisión. Otra de sus películas es “Sin novedad en el frente” (2022).

 

ANORA

Director: Sean Baker

País: Estados Unidos

Año: 2024

Reparto: Mikey Madison, Mark Eydelshteyn, Yuriy Borisov, Karen Karagulian

Esta reciente película del gran director Estadounidense Sean Baker, sigue siendo fiel a su temática al abordar situaciones a las cuales se enfrentan personas marginales o que no encajan del todo en la sociedad. Así lo hizo en cintas como “Proyecto Florida”, “Red Rocket” y “Tangerine”. Es un director con gran fuerza que nunca nos deja indiferentes con sus propuestas cinematográficas.

“Anora” tiene como protagonista a una trabajadora sexual de un club nocturno en Nueva York y que gracias a su conocimiento del idioma ruso es puesta en contacto con un joven oligarca extranjero, Vanya, quien acude allí en busca de juerga y diversión. Después de pasar una noche con ella, él paga por tener exclusividad para que puedan estar juntos durante una semana.

La conexión entre Anora y Vanya es evidente y en esta primera parte de la película hay un ritmo trepidante de sexo, fiestas y derroche. Con el deseo de continuar con la celebración, los jóvenes junto con unos amigos se dirigen a las Vegas y allí en medio de la euforia del momento, Vanya le propone matrimonio a Anora y dada la facilidad con la cual puede legalizarse la unión en esa ciudad, el hecho queda consumado. Ella, ilusionada con su nueva condición y asumiendo lo que cree será la nueva realidad, hace planes para cambiar su vida: dejar su trabajo, vivir en una mansión, olvidarse de las afugias económicas. Es el cuento de la cenicienta que ha encontrado a su príncipe azul.

Cuando vuelven de regreso a Nueva York, la película tiene un quiebre, pues pasa del ímpetu y la efervescencia de la fiesta al aterrizaje forzoso en la realidad. Los padres del joven vuelan desde Rusia para buscar la anulación del matrimonio. Vanya desaparece y se desarrolla una búsqueda que involucra a los hombres que cuidan los intereses de los padres millonarios para que los asuntos recuperen el rumbo deseado.

En medio de esta confrontación sólo una persona tiene entendimiento de la situación de Anora y juega un rol compasivo frente a la fractura de una ilusión que poco duró.

La actuación de Mikey Madison como Anora es excelente. La película tiene un ritmo fabuloso por la velocidad con la cual se desenvuelven los hechos durante un día y porque es capaz de diferenciar los dos momentos, uno de furor y otro de decepción, manteniendo la coherencia del guion.

Del director: Sean Baker nació en Nueva Jersey en 1971. Estudio en la universidad de Nueva York. Baker escribe sus propios guiones. Una de sus películas “tangerine” fue filmada utilizando 3 teléfonos inteligentes. Anora ganó la palma de oro en el festival de Cannes en 2024.

Dardo del recuerdo: los premios de la academia, luego llamados premios Oscar, se fundaron en 1927 y la constituyeron 36 personas, Hoy son 7000 miembros los que votan. Los personajes más nominados: Walt Disney, La actriz Meryl Streep (ganó en 3 ocasiones), el actor Jack Nicholson (ganó en 3 ocasiones), el compositor John Williams (ganó en 5 ocasiones). Las películas más nominadas: Titanic, La La Land y Eva al desnudo. Solo 3 mujeres han ganado el Oscar a mejor director: Kathryn Bigelow, Chloe Zhao, Jane Campion. Los premios sólo se cancelaron una vez, en 2002. Por su parte los globos de oro celebran los logros del cine y la televisión. Se iniciaron en 1944, solo se suspendieron en 2008 por la huelga de guionistas. Se les considera la antesala de los premios Oscar.

Crossing y Bluebird, BlackBerry. Dos películas con origen en Georgia

 “Creo que las imágenes, los libros, el cine, nos dan ideas y con ello nos dan otras posibles vías o caminos que recorrer en la vida”

Levan Akin

Estas dos películas tienen varios aspectos en común, sus directores están relacionados con Georgia, la ex República de la URSS, el uno porque sus padres provienen de allí y después emigraron y la otra porque allí nació; hoy los dos realizadores viven en Europa. Además, las cintas tienen como protagonistas a mujeres de edad madura, las cuales viven en zonas rurales bastante conservadoras. Son películas reflexivas y contemplativas, muestras del cine que se está produciendo en Georgia, posterior a sus dos guerras y después de la crisis económica que trajo consigo la disolución de la URSS y la independencia del país.

CROSSING (Caminos cruzados)

Director: Levan Akin

País: Suecia

Año: 2024

Reparto: Mzia Arámbula, Denis Dumanli, Lucas Kankava

En la búsqueda de su sobrina Tekla y para dar cumplimiento a la promesa que le hizo a su hermana, Lía una mujer de 70 años que vive en Batumi, Georgia, decide emprender un viaje de búsqueda a Estambul, Turquía, hacia donde ella se dirigió varios años atrás.

Antes de iniciar el recorrido, Lía indaga con los habitantes del barrio donde Tekla estuvo viviendo y encuentra que Achi, un joven vecino que la conoció, tiene su dirección y se ofrece a acompañarla, más que nada porque su propósito es abandonar el pueblo y a su familia en busca de nuevas oportunidades.

Lía vende las pocas joyas que tiene de valor e inicia junto con Achi el trayecto, en un barco que navega por el mar negro hasta llegar a Estambul; una vez allí, buscan la dirección que tiene Achi la cual conduce al barrio trans de la principal ciudad de Turquía.

Aquí la película nos lleva de la mano de estos dos personajes para visitar las residencias donde convive la población trans, permitiéndonos apreciar ese otro Estambul marginal, alejado de los centros históricos, las mezquitas, el turismo y el comercio, que obliga a una lucha diaria por la supervivencia, pero donde también se puede disfrutar de la música, de la comida y sobre todo de la solidaridad que crea una minoría excluida para apoyarse mutuamente y seguir adelante.

Con la ayuda de Evrim, una abogada trans que defiende las causas de sus compañeras, Lía y Achi pueden acceder a varias viviendas y en una de ellas dan razón sobre Tekla quien estuvo allí y cualquier día desapareció. Paralelamente se desarrolla una historia de romance de Evrim con un taxista y una posibilidad para Achi de conseguir trabajo y de entablar amistad con la administradora del hotel donde pernocta con Lía. En uno y otro caso se nos permite apreciar que la vida busca salidas en cualquier espacio así sea limitado y se puede hallar lugar para el amor y el esparcimiento.

Poco a poco en los diálogos sostenidos en las jornadas de averiguación, entendemos las razones por las cuales Tekla fue repudiada por su familia y tuvo que huir en medio del ambiente machista y cerrado de su pueblo, que no le dió chance para entenderla. Cuando Lía le pregunta a la abogada como fue que su sobrina eligió esta vida, ella solo responde “dudo que hubiera tenido elección”. Achi, a su vez interroga a Lía sobre aquello que le gustaría decirle a Tekla en caso de encontrarla y ella le contesta: le diría que nosotras le fallamos…no hicimos nada para ayudarla…solo importaba lo que los otros dirían de nosotras.

El final, bastante sugestivo, cuando Lía decide volver sola a su pueblo, nos lleva a través de su imaginación al escenario que hubiera querido que fuera real en compañía de su sobrina.

Una película que trata el tema de la exclusión de género con respeto y delicadeza y nos lleva a abrir la mente sobre otras realidades existentes más allá de las convencionales que hemos aceptado por cultura, por religión o por costumbre. La actuación de Mzia Arabuli es excelente, por su sobriedad y por la elocuencia de sus silencios.

Del director: Levan Akin nació en Estocolmo en 1979. Sus padres son de origen georgiano, pero se mudaron a Suecia en 1960 cuando Georgia hacía parte de la URSS. Ha dirigido varías series para televisión. Otras de sus películas son: “Solo nos queda bailar”, “Katinkas Kalas”.

La película se puede ver en MUBI

BLACK BIRD, BLACKBERRY

Directora: Elene Naveriani

País: Georgia

Año: 2023

Reparto: Eka Chavleishvili, Temiko Chichinadze

La vida de Etero se desarrolla en medio de la monotonía de un pequeño pueblo de Georgia donde, como es común dentro de estas pequeñas comunidades, se espera de sus habitantes el cumplimiento de ciertos patrones sociales. Más aún, tratándose de un país caracterizadamente patriarcal y conservador donde el papel de la mujer sigue relegado y condicionado a roles definidos.

Etero no se ha casado ni ha tenido hijos por lo que es mirada con recelo por las otras mujeres de su comunidad. Ella maneja una tienda de productos de aseo y vive una vida apacible y solitaria, sin familia conocida por razones que solo descubriremos después. La hace feliz ir a recoger moras y a disfrutar de los paisajes en la ribera del río, donde precisamente casi muere en una ocasión al rodar por un barranco cuando estaba apreciando a un mirlo trinar (de allí el título de la película). Este último hecho la expone ante la fragilidad de la vida.

Un día la rutina de Etero se rompe y empieza a descubrir el amor hacia Murman, uno de los repartidores que lleva su pedido de mercancías y con quien debe mantener oculto su romance pues el forastero es casado y en su cerrado círculo, no se aceptaría que tuviera un amante.

Para ella el descubrimiento del sexo y del amor a sus casi 50 años se vuelve en una razón de vida y en una motivación que no había vislumbrado por estar a la sombra de un padre y de un hermano opresores, los cuales la obligaban a atenderlos y a servirlos en reemplazo de la madre del hogar quien murió siendo Etero una niña. Sus viajes a la ciudad más cercana son aprovechados por Etero para los encuentros furtivos con su amante sin que ninguna de sus amigas se entere de su relación.

En una de las visitas Murman le manifiesta a Etero que se irá a trabajar como transportador a Turquía donde puede recibir un mejor salario y que por esa razón no volverá a verla. Esta triste noticia coincide con síntomas de deterioro que empieza a manifestar Etero en su salud y que la hacen pensar en una enfermedad grave.

Poco antes de la cita que ha solicitado con un médico de la ciudad para realizarse los exámenes, pues teme por un cáncer que evite su retorno al pueblo, vuelve a aparecer Murman a proponerle que se vayan juntos a Turquía porque ya tiene un trabajo estable. Etero se niega porque por ningún motivo quiere renunciar a su independencia y teme así mismo por su salud. Ella visualiza y así lo manifiesta, que el futuro ofrecido la convertirá en la ama de casa que nunca ha querido ser y asumir un papel del cual se liberó.

El final de la película con Etero visitando el médico de la ciudad (después de una serie de mentiras a sus amigas para salir del pueblo con tranquilidad), para recibir su diagnóstico es bastante sorprendente, para ella y para el espectador.

Una película con un ritmo lento, pero que nos permite acercarnos a la cultura rural en un país machista y patriarcal. Como lo manifestó en una entrevista Elene Naveriani, quien dirige esta cinta, “cuanto más te alejes de la ciudad, la sociedad se vuelve más rígida, más cerrada”. Etero representa en esta película ese deseo de libertad y de autonomía en comunidades donde la mujer aún tiene frenos para desenvolverse en papeles distintos a los del  hogar y de los hijos. Como sostiene la misma directora “En este tipo de sociedad en la que se ambienta la historia, la sexualidad de las mujeres de cierta edad parece que ya no existe”.

La película se puede ver en Prime video y en MUBI.

De la directora: Elene Naveriani, nació en Tiflis, Georgia, en 1985. Reside actualmente en Suiza. Otra película suya: “Soy un rayo de sol en la tierra”

 

PEDRO PÁRAMO

 

“Yo creía que aquella mujer estaba loca. Luego ya no creí nada. Me sentí en un mundo lejano y me dejé arrastrar”.

Frase de la novela

“Pedro Páramo”, novela del mexicano Juan Rulfo publicada en 1955, es uno de los libros representativos de la literatura latinoamericana del siglo XX y ha sido adaptada en un largometraje de Netflix de 2 horas de duración y con producción mexicana.

Llevar a la pantalla una obra literaria de gran complejidad como ésta genera profundas discusiones, especialmente por la dificultad para reflejar la calidad del texto literario. En este caso, un escritor como Juan Rulfo combina la realidad y la ficción, con una imaginación desbordada, en un libro donde los vivos hablan con los muertos y donde los recuerdos reviven y se materializan. El mismo Rulfo decía que su novela había que leerla al menos tres veces.

La cinta es fiel al argumento del libro y en ese sentido plasma los acontecimientos narrados en ella, así que más que una adaptación libre del director busca conservar el espíritu que quiso imprimir el escritor. Todo ocurre en Comala, el pueblo en donde nació y vivió Doloritas, la mamá de Juan Preciado uno de sus coprotagonistas, y al cual acude éste en busca de su padre, Pedro Páramo, a quien nunca conoció. “No vayas a pedirle nada, exígele lo nuestro”, fue la recomendación de la madre a Juan Preciado antes de morir. Después de lo que padece Juan en su visita al pueblo en el encuentro con muchos de los fantasmas, se narra la historia del segundo coprotagonista, Pedro Páramo quien da nombre al libro, y de los hechos acontecidos en Comala. Este último tuvo gran relevancia e influencia en la vida y muerte de muchos de sus pobladores.

En el libro de Rulfo, el escritor nos obliga a armar los acontecimientos como en una especie de rompecabezas. Basta decir que del personaje Juan sólo nos enteramos de su nombre cuando ha transcurrido la tercera parte de la novela. Además, la relación entre los seres vivos y los muertos es difusa y solo al final entendemos quienes son los unos o los otros. Los hechos históricos de la revolución mexicana, así como la guerra cristera (conflicto que enfrentó al gobierno mexicano con milicias católicas entre los años 1926 y 1929), sirven de marco al relato, al igual que las denuncias sobre la situación de desigualdad y atropello de unos terratenientes, aliados con las autoridades y la iglesia, frente a unos campesinos desamparados que a nadie importan. El tema que aborda mantiene su vigencia por el abuso de poder y los conflictos por la tierra, especialmente en América Latina.

La película mantiene con acierto el juego de los personajes en el tiempo, mezclando diferentes momentos lo cual resulta entendible para quien haya leído el libro, pero difícil para quienes no lo hubiesen abordado, sin embargo, la voz en off ayuda a mantener el hilo del argumento. Están bien concebidas las escenas con las almas que deambulan en Comala y la interpretación de los personajes, especialmente la de Juan Preciado y la de Damiana así como las locaciones escogidas para la filmación, llevadas a cabo en San Luis Potosí. Para destacar, las escenas del baile de los personajes desnudos en el cielo y la fiesta nocturna que presencia Juan Preciado en la plaza del pueblo, de gran factura artística y acompañadas con bella música.

El resultado final es una película que resulta bastante entretenida e invita a la lectura de la novela, muy recomendable además porque es un texto desafiante y muy bien escrito, caracterizado por una narración fragmentada y una historia que salta entre diferentes tiempos.

Como pasa con muchas de las novelas o cuentos que son llevadas a la pantalla, en Pedro Páramo el filme toma su propio impulso y hay que aprender a verlo y disfrutarlo de esta manera. El esfuerzo que están haciendo las plataformas de streaming de llevar al cine obras de gran reconocimiento debe celebrarse porque independientemente de que guste o no su adaptación, están logrando difusión de la literatura y despertando la curiosidad acerca de grandes escritores que, a pesar de su fama, muchas veces no son leídos.

Del director: Rodrigo Prieto nació en México en 1965. Ha trabajado como director de fotografía con personajes de la talla de Ang Lee, Spike Lee, Oliver Stone, Alejandro González Iñarruti, Almodóvar, Martín Scorsesse. Por su trabajo como fotógrafo ha ganado 5 veces el premio Ariel de México y ha sido nominado a los premios Oscar. Pedro Páramo es su primera experiencia como director de largometrajes.

Esta película se puede ver en Netflix.

Dardo del recuerdo: Una de las adaptaciones de novela al cine fue “El gran Gatsby”, del escritor norteamericano Scott Fitzgerald. Las más famosas fueron las de 1974 la cual contó con la participación de Mía Farrow y Robert Redford, con guión de Francis Ford Coppola y la del año 2013 en la cual actuaron Leonardo Dicaprio, Tobey Maguire y Carey Mulligan. Esta última con un gran despliegue de lujo y con un ritmo que retrata la locura de la época que describe la novela.

 

 

LA SOMBRA DE CARAVAGGIO

Director: Michel Placido

País: Italia

Año: 2022

Reparto: Ricardo Scamarcio, Isabelle Huppert, Louis Garrel, Micaela Ramazzotti

A través de la figura de un inquisidor, autodenominado “La sombra”, el director de esta película nos lleva por los lugares y las personas que marcaron la vida del famoso pintor conocido como Caravaggio. Este recurso permite que, en la medida que “La sombra” va indagando por hechos claves en la existencia del artista, se vaya desentrañando su compleja personalidad y el genio que hubo detrás, el cual dejó huella en el arte universal.

Michelangelo Merisi, más conocido como Caravaggio, nació en Milán, Italia, en 1571, su padre era trabajador al servicio de una familia de la nobleza. Sus cualidades como pintor fueron descubiertas muy temprano y fue esta familia quien lo apoyó para que estudiara en el taller de un artista local, de donde muy pronto desertó para dirigirse a Roma. Consideraba que en la academia los pintores no hacían sino elogiarse mutuamente y que se mantenían alejados de la realidad aplaudiendo lo que es obvio a cambio de una retribución.

La película se centra en los años que siguieron a su llegada a Roma y concretamente en un hecho que cambió la vida del pintor: el asesinato que cometió en una reyerta en la persona de Ranuccio Tomasino. Caravaggio se vió obligado a exiliarse en Nápoles (era en ese momento un reino independiente) pues fue condenado a muerte en Roma como consecuencia de este crimen.

“La sombra”, personificada en un hombre de la iglesia, empieza a hacer las averiguaciones que le permitirán ahondar en la personalidad del pintor, famoso por la maestría de sus obras y por las polémicas que éstas generaban, además de controvertido por su vida disoluta, su condición bisexual y su carácter pendenciero, el cual le había generado numerosos enemigos.

El aporte más valioso de la película es enfocarse en el trabajo artístico de Caravaggio, haciendo énfasis en la producción de algunos de sus cuadros más célebres y tratando de reconstruir el ambiente que le sirvió de inspiración y los personajes que se prestaron como sus modelos.

En efecto, aunque la mayoría de sus obras eran religiosas ya que Caravaggio fue un gran conocedor y admirador de los evangelios decidió recurrir a prostitutas, mendigos y personajes de la calle para representar a los santos, a Jesucristo y a la virgen. La iglesia de la Vallicella fue el lugar para encontrar a muchos de ellos, pues allí un monje daba de comer a los hambrientos.

La reproducción de estos personajes del bajo mundo en los cuadros del artista fue cuestionada por los jerarcas de la iglesia, sin embargo, él siempre sostuvo que le gustaba pintar la realidad, el dolor humano y a los miserables del mundo, “el evangelio está aquí”, sostenía.

Vale la pena resaltar las puestas en escena de algunas sus más reconocidas pinturas, muy bien logradas. En “La muerte de la virgen” su modelo fue una prostituta que se había suicidado en el río y a quien llevó a su estudio junto con otros de sus amigos de la calle y la pintó con todo realismo. Este cuadro fue rechazado por la iglesia porque esperaban ver en él a una Virgen celestial (en su asunción acompañada de ángeles) y no a una Virgen terrenal. Este cuadro pudo salvarse gracias a que el pintor Rubens lo compró a los frailes por encargo de los Gonzaga de Mantua.

En “David con la cabeza de Goliat”, el mismo pintor sirvió de modelo para Goliat después de que su cara fue desfigurada en un intento que hicieron para matarlo. En “El triunfo del amor” pinta a un ángel que ríe y se alza sobre las guerras, el hambre y las artes. En “la conversión de San Pablo”, este santo yace bajo las patas de un caballo alzando sus brazos al cielo. En “Magdalena penitente” una prostituta sirvió de modelo y la pintó cuando adormecía. En “Cabeza de medusa” el propio pintor plasmó su rostro, coronado por serpientes y en “La crucifixión de San Pedro”, un borracho fue su modelo junto a sus amigos.

Debido a su producción artística Caravaggio fue convocado por el santo oficio quien le impidió reproducir imágenes de hombres o mujeres de la vida real, especialmente si eran malhechores o cortesanos. Paradójicamente los jerarcas de la iglesia lo criticaban en público, pero eran admiradores y coleccionistas de su obra y fueron partícipes en muchas de sus juergas.

Caravaggio siempre contó con el apoyo de la familia Colonna. De hecho, tuvo amores con Costanza y fue amigo de su hijo Fabricio ambos miembros de esa familia. El cardenal Francesco María del Monte fue otro de sus patrocinadores pues era un gran admirador de su obra, así como Scipione Borghese, cardenal sobrino del papa.

Como dato curioso, mostrado en la cinta, el pintor coincidió con Giordano Bruno cuando ambos compartían prisión, lo que resulta particular tratándose de dos hombres contemporáneos que fueron revolucionarios en sus campos y cuestionados por la iglesia.

Caravaggio estuvo esperando en Nápoles su indulto por parte del papa y una vez lo consiguió (en la cinta se presenta como una simple patraña para obligarlo a regresar a Roma) desembarcó en Porto Ercole y no se volvió a tener noticias de él. Hay muchas especulaciones sobre las causas de su muerte. Su cuerpo desapareció. Tenía 39 años.

Esta película le hace honor a uno de los grandes pintores de la historia universal, mostrando las debilidades del hombre, pero rescatando al artista que revolucionó el uso del claroscuro y la forma de representar escenas religiosas. Sus pinturas tuvieron influencia en maestros como Rubens, Rembrandt, Diego Velásquez. Su obra fue olvidada por siglos y resurgió en el siglo XX con André Berne-Joffroy un historiador de arte quien realizó una exposición de Caravaggio en 1951 en el palacio real de Milán con la cual rescató al “inventor de la forma de las sombras”.

El papel de Caravaggio está representado en la cinta por Ricardo Scamarcio, actor italiano de gran reconocimiento en su país y quien desempeña muy buen papel. Se destaca así mismo Isabelle Huppert interpretando a Costanza.

Del director: Michele Placido (nació 1946) es un actor, guionista y director de cine italiano. Otras de sus películas: “Del amor perdido”, “El gran sueño”, ”7 minutos”, “Rejas de cristal”.

Esta película se puede ver en Prime, Filmin, Movistar Plus, Apple TV+

 

 

DOS ESCRITORES. DOS PELÍCULAS

 

KAFKA: “LA GRANDEZA DE LA VIDA” Y BECKETT: “DANCE FIRST”.

Franz Kafka y Samuel Beckett dos reconocidos escritores europeos del siglo XX, uno nacido en Praga (cuando hacía parte del imperio Austrohúngaro) y el otro en Irlanda, son representados en sendas películas las cuales destacan sus aspectos personales antes que su brillo como autores. “La grandeza de la vida” se enfoca en la etapa en la vida de Kafka poco antes de morir, cuando convivió con su última amante. “Dance first” se centra en hechos relevantes de la larga vida del dramaturgo Beckett (murió a los 83 años) a partir de una severa autorreflexión.

LA GRANDEZA DE LA VIDA

Directores: Georg Maas y Judith Kaufmann

País: Alemania

Año: 2024

Reparto: Sabin Tambrea, Henriette Confurius, Manuel Rubey, Luise Aschenbrenner

Franz Kafka decide tomar unas vacaciones en Rostock, Alemania, a orillas del mar báltico luego de ser diagnosticado con tuberculosis y pensionado de manera anticipada por esa razón. Desde allí le escribe a su amigo Max Brod sobre lo acertado de haber escogido el mar y el saludable clima para su reposo. Durante su permanencia en ese lugar conoce a Dora Diamant, judía como él pero de ascendencia polaca, con quien pasaría los últimos meses de su vida.

La película recrea la relación entre Franz y Dora, en medio de la enfermedad del primero y de las presiones que surgían de parte del padre y de la hermana dada su débil salud y su precaria situación económica. Franz sigue a Dora hasta Berlín y allí viven en un cuarto en medio de grandes limitaciones, pero sin que decline el firme propósito del autor de continuar con sus escritos y con su correspondencia, bastante prolífica por cierto. A esa altura ya había publicado su libro más famoso “La metamorfosis” (1915).

La película destaca a dos personajes definitivos en la vida de Kafka: su padre y su editor. Hermann Kafka, su progenitor, no aparece personificado pero se muestra como una permanente sombra que ronda sobre sus decisiones y en general en el curso de su existencia: es él quien aprueba a sus amantes, quien decide sobre su internación en el sanatorio, quien le ayuda económicamente. De hecho, en la película se hace referencia a la “Carta al padre”, en la cual Kafka le escribe haciéndole el reclamo sobre el comportamiento que éste tuvo con él, el temor que le producía y el haberlo hecho sentir siempre como un ser débil e inferior.

Max Brod, su más cercano amigo, también fue clave en la vida de Kafka siendo su compañero desde la universidad, encargado de promocionar sus escritos y encontrar quien publicara sus libros.

Estando en Berlín viviendo con Dora, Max llega por Franz Kafka por instrucciones del padre, para llevarlo a Praga. Posteriormente es internado en un sanatorio a donde aparece Dora para acompañarlo en sus días finales. Antes de morir le expresa su voluntad a Max Brod de quemar su obra, lo que por fortuna él no cumple.

La obra literaria de Kafka introduce elementos fantásticos y tuvo una gran influencia en la corriente existencialista que surgió en la postguerra. Ella refleja la angustia existencial, la burocracia de la que hizo parte, la sociedad y la familia.

La película tiene la virtud de presentar las angustias del escritor en sus últimos días, sin pretender ser una biografía completa. Muestra, eso sí, la influencia de personajes como su padre, la de Max Brod y la de una de sus varias amantes, definitivos todos ellos para moldear su personalidad y lograr una visión del mundo que reflejó en su obra.

De los directores: George Maas es un guionista y director y Judith Kaufmann es una directora de fotografía. Ambos son alemanes y juntos hicieron otra película en 2012, “Dos vidas”.

DANCE FIRST

Director: James Marsh

País: Reino Unido

Año: 2023

Reparto: Gabriel Byrne, Aidan Guillen, Sandrine Bonnaire, Maxine Peake.

A manera de representación teatral, la película empieza y finaliza con la entrega del Nobel de literatura a Samuel Beckett, en 1969. En el momento en que sale a recibir el premio, muestra como el galardonado desaparece detrás del telón y empieza una conversación con su conciencia, representada en un doble suyo, para realizar un “viaje a través de tu vergüenza” como ésta le denomina. Beckett donó el dinero del premio al Trinity College de Dublín y siempre consideró que no lo merecía, de ahí que la cinta lo presenta incómodo en la ceremonia y escondido tras bambalinas.

A través de varios flash back, la película nos conduce por un recorrido en la vida del autor a través de 5 actos titulados: Madre, Lucia, Alfie y Suzanne, Suzanne y Barbara, el Final. Con su madre, Beckett tuvo una relación tensa pues era estricta, distante y muy religiosa. La muerte de su padre estando aun joven fue un duro golpe y se constituyó en el impulso para dejar su casa y viajar a París a codearse con los grandes escritores de la época. Allí conoce a James Joyce, por quien siente profunda admiración y afanosamente lo persigue buscando ser su secretario y traductor. “No soy el James Joyce de Ulises…soy el de la gloria que se desvanece y el de la decadencia que invade” le contesta el escritor, pero al final lo contrata. Lucía es la hija de Joyce, a quien Beckett empieza a acompañar en sus salidas nocturnas, dado el gusto de la joven por el baile. Los padres de ésta pretenden casarla con Beckett a pesar de sus reconocidos problemas mentales, razón para que él se retire de esa casa. Esto nunca se lo perdonó Joyce.

Alfie fue un compañero y amigo de Beckett, juntos hicieron parte de la resistencia durante la segunda guerra mundial y fue posteriormente arrestado por la Gestapo por su condición de judío desapareciendo para siempre. Los temores sobre el destino de Alfie inspiraron a Beckett para su conocida obra “Esperando a Godot” en la cual como lo manifiesta el mismo escritor “dos veces no pasa nada”. En ese mismo período, Beckett conoció a Suzanne e iniciaron una relación que se consolidó en la zona rural a donde escaparon juntos para evitar la muerte y que prevaleció hasta el fallecimiento de ella. “Incluso en ese lugar no pudieron apagar las estrellas”.

En una elipsis, la cinta nos lleva años más tarde, a una entrevista de Beckett para la BBC, en donde conoce a la reportera Barbara, se hacen amantes y se traslada a París cuando ella lo hace. Permanece allí hasta la muerte de Suzanne, de quien nunca se separó y fue la responsable de las relaciones comerciales que permitieron la difusión y publicación de las obras de Beckett. “Te debo todo a ti” le confiesa.

Al final, Beckett se muda de nuevo a Londres y termina su vida en una institución geriátrica. Murió en 1989. El consejo que da el escritor a un estudiante de “Baila primero, piensa después”, da nombre a esta cinta. Gabriel Byrne, en el papel del protagonista, es un reconocido actor irlandés y trabajó varios años en teatro, muy apropiado para el formato que utiliza esta cinta.

Beckett fue figura clave en el teatro del absurdo o anti teatro “se trata de un teatro estático, sin acción ni trucos escénicos, con decorados desnudos, de carácter simbólico y diálogos apenas esbozados”. Beckett es considerado uno de los grandes autores teatrales del siglo XX por su ruptura con las técnicas tradicionales dramáticas. Produjo obras como “Final de partida”, “Los días felices”, “Molloy”, “Malone muere”, “El innombrable”, en las que remarca el carácter angustioso de la condición humana. Publicó en inglés y en francés. Fue también ensayista y poeta.

Del director: James Marsh es un cineasta y documentalista británico, con reconocimientos entre otros al Oscar a mejor documental por “Man no Wire” (2008) y fue nominado a los premios Oscar en 2015 por “La teoría del todo”.

LA VIUDA DE CLICQUOT

Director: Thomas Napper

País: Estados Unidos

Año: 2023

Reparto: Haley Bennet, Tom Sturridge, Sam Riley, Ben Miles

Esta película presenta una etapa en la vida de Barbe-Nicole Ponsardin desde que contrajo matrimonio con Francoise, hijo de Philipe Clicquot, este último comerciante de textiles y dueño además de un pequeño viñedo en Reims, Francia, el cual gracias al empuje de su nuera se hizo grande y famoso no sin antes atravesar por varios fracasos.

De manera fragmentada la cinta nos presenta la unión de la joven pareja mediante escenas que van combinando el presente con los recuerdos de ella. Al inicio de su relación ellos tuvieron una convivencia idílica, muy pronto afectada por la enfermedad mental de su esposo. En efecto, Francoise era un soñador y experimentó sin éxito nuevas maneras de cultivar uva y combinar diferentes cepas, en momentos complicados para Francia pues enfrentaba las guerras napoleónicas, lo cual hacía difícil sacar adelante los negocios. Estos hechos sumados al consumo de opio afectaron la salud de Francoise y su muerte se produjo de manera temprana.

Barbe-Nicole, viuda a los 27 años y con una hija de 3, decide enfrentar a su suegro ante la solicitud de éste de vender los terrenos a la familia Möet, grandes propietarios de viñedos en la misma región, pues no se aceptaba que una mujer se pusiera al frente de los negocios. La persistencia de ella buscando nuevas formas de producir un vino burbujeante de manera más eficiente junto con el apoyo de sus trabajadores y el empuje comercial de Louis Bohne, le dieron el impulso para enfrentar los obstáculos.

La película en la segunda parte se centra en las dificultades que tuvo Barbe-Nicole especialmente en sus exploraciones para lograr una eficiente producción. Resulta que los residuos de la levadura y el azúcar, necesarios para obtener las burbujas del vino, se sedimentaban y fueron precisamente los estudios de esta mujer los que permitieron desarrollar una técnica. Esta consistió en colocar las botellas de forma invertida en mesas especiales que facilitaran girarlas diariamente, evitando los cambios de botella que era lo usual y logrando la limpieza de los sedimentos en la boca del envase para aclarar el líquido y ahorrar tiempo. Esta contribución, fundamental para la industria en el futuro, se insinúa, pero no queda suficientemente ilustrada en la cinta.

Otra de las complicaciones que debió solventar esta mujer fue la comercialización del vino burbujeante. Francia, a principios del siglo XIX, estaba atravesando por una época de guerras, entre ellas con Rusia, y las fronteras se cerraron evitando cualquier intercambio comercial con ese país. Luis Bohne fue el apoyo de Barbe-Nicole para incursionar en el mercado ruso y dar a conocer su vino en la corte del zar, pero además tuvo la audacia de buscar nuevas rutas para enviar su producto fuera de Francia rompiendo las prohibiciones vigentes y adelantándose a sus competidores. Cuando las guerras cesaron, ya se valoraba en San Petersburgo el vino producido por Barbe-Nicole.

En la última parte de la película, la viuda de Clicquot, como se le conocía, fue llevada a juicio pues sus competidores querían sacarla del mercado y argumentaron que una mujer no podía manejar un negocio y que además tenía amores secretos con Luis Bohne. En un final abrupto este le propone matrimonio a Barbe-Nicole para salvar el negocio y ella se niega. La película finaliza en este punto sin que sepamos qué pasó posteriormente. Lo que sucedió después en la vida real es que ella pudo seguir al frente de su empresa, nunca se casó e incrementó las tierras para sus cultivos.

La película es un homenaje a una mujer pionera pues fue la primera en dirigir un negocio de vitivinicultura. “La gran dama del champán” se le denominaría y aunque no se aborda en la cinta, estuvo dirigiendo su empresa hasta muy avanzada edad falleciendo a los 89 años. Actualmente viuda de Clicquot es una de las mayores casas de champán del mundo produciendo alrededor de 20 millones de botellas por año.

La interpretación de Barbe-Nicole a cargo de la actriz estadounidense Haley Bennet, es impecable pues asume totalmente el perfil de la época a lo cual ayuda la buena ambientación y los hermosos paisajes. La filmación se realizó en Chablis y Reims, en Francia. La música estuvo a cargo de Bryce Dessner compositor y guitarrista, radicado en Paris, miembro de la banda de rock The National.

Esta película se puede ver en Apple TV, Prime Video o Fandango at home.

Del director: Thomas Napper nació en Londres en 1970. Otras de sus películas: “El último asalto”, “Las nueve vidas de Tomas Kate”.