MATAR A JESUS

Directora: Laura Mora Ortega

Año: 2017

País: Colombia

Protagonistas: Natasha Jaramillo, Giovanny Rodríguez

Desde la estrategia del caracol, no me había conmovido tanto una película colombiana como esta de "Matar a Jesús".  Haber vivido en Medellín permite conocer la dualidad de una ciudad que se comporta como el personaje del libro “El Dr. Jekyll y Míster Hyde”, que muy bien refleja la cinta.

A partir de una historia personal, el asesinato del padre de Paula la protagonista, en el año 2002, se nos muestra la realidad de Medellín. José María, que así se llamaba, estaba vinculado con la universidad pública, en una época de enfrentamiento y connivencia entre distintos bandos: guerrilla, mafia y paramilitares que impedían clarificar los motivos de muchos de los crímenes cometidos.

A partir de la muerte del profesor y la búsqueda de venganza por parte de Paula, la directora logra capturar esa otra urbe más allá del mundo sicarial, aunque el protagonista, Jesús, es un sicario; más allá de los estereotipos de la mafia y de los paramilitares, que, aunque no evidentes, están presentes. Esa perspectiva, con una mirada de realidad, pero también de compasión, es el mayor logro.  

Los giros que surgen cuando Paula hace contacto con Jesús, le imprimen un ritmo muy dinámico a la película. El temor de que lo peor puede suceder en cualquier momento, mantiene la tensión. El escenario que sirve de fondo es el de una ciudad que limita las oportunidades para muchos jóvenes; donde matar se puede convertir en un trabajo como cualquier otro; donde las diversiones se reducen a beber, fumar marihuana y ver fútbol; donde la mamá es el único lazo afectivo serio.

Mantener la película al límite, sin estereotipos y sin caer en el camino fácil del romance o de la violencia explícita, lo logra la directora explorando los sentimientos de sus protagonistas. Hace visible el amor a la familia de un hombre que aparentemente es un monstruo, no para justificarlo sino para entender su historia. La escena en el cuarto de Jesús, cuando este le ofrece una tasa de agua panela a Paula, como muestra de apoyo, después de que ella fue robada y golpeada, es un ejemplo. 

Las situaciones dependen en buena parte de las circunstancias, y la película invita al espectador a evitar los juicios sobre los personajes. Para el sicario un asesinato es un trabajo y morir asesinados es su destino, para Paula la búsqueda de la verdad por su cuenta, ante la inoperancia de la justicia, es un compromiso con ella y con su padre. 

La sed de venganza que empieza siendo el leitmotiv, termina cediendo paso a la compasión y el perdón para frenar la violencia, pues cuando Paula tiene la ocasión de ejecutarla, renuncia a ella. De hecho, la escena final, cuando Paula bota el arma, es un símbolo para abrir espacios diferentes a la venganza. Como lo dijo su directora en una entrevista "esta es una película sobre resistirse a la violencia”.

La historia hace recordar a un escritor como Fernando Vallejo, quien describe a una Medellín capaz de grandes sacrificios, que genera ternura, pero que al mismo tiempo es foco de violencia y de venganza, en medio de la desigualdad. 

Hay unas imágenes muy bellas, cuando los protagonistas aprecian la ciudad desde una planicie o las tomas nocturnas que, a través de las luces, nos muestran un territorio densamente poblado. Igualmente, hechos muy propios de la cotidianidad paisa como las motos y bicicletas descendiendo de las lomas, los bailes en las calles en diciembre o el rezo de la novena en las casas. En contraposición, hay escenas muy oscuras que se vuelven pesadas como la de los bailes en los bares.

Alrededor de Paula y de Jesús, ambos actores naturales, gira toda la película. La actuación de Jesús, un joven sin educación, que a pesar de su oficio es capaz de tener sentimientos nobles, luce muy auténtica. La de Paula se destaca en su dolor a través de los silencios.

La música se acompaña muy bien en momentos clave cuando se apagan las voces de los personajes y solo se oye la música de fondo; en la muerte del profesor, por ejemplo, cuando madre e hija lloran, o en el recorrido en taxi en medio de las risas, cuando Paula y sus amigos van a bailar. 

En resumen, una historia muy bien contada, a partir de la cual se describe una Medellín donde a pesar de la violencia, queda espacio para el amor y la belleza. 

Vietnam y Watergate: Dos escándalos de película

La guerra de Vietnam y el escándalo Watergate, dos acontecimientos que marcaron la historia de los Estados Unidos, se cuentan en dos películas recientes: “The post” y “El informante”. La perspectiva de una de ellas es la del Director adjunto del FBI; la otra, es desde la redacción del periódico Washington Post. Ambas recrean hechos de los primeros años de la década del 70 y cuentan con reconocidos actores que, en la pantalla, le dan credibilidad a lo sucedido. 

THE POST

Director: Steven Spielberg

Año: 2017

País: Estados Unidos

Protagonistas: Meryl Streep, Tom Hanks, Bob Oderkirk, Sarah Paulson

Desde finales de los 60's, el pueblo americano tiene dudas sobre la validez de la participación de Estados Unidos en la guerra de Vietnam, hay cansancio, desesperanza y poca confianza sobre su éxito. 

Un funcionario del Pentágono, de manera clandestina, entrega al New York Times -NYT- documentos clasificados “Relaciones entre Estados Unidos y Vietnam 1945-1967: un estudio del Departamento de Estado", donde lo que se evidencia es que la guerra se pierde, que hay manipulación de las elecciones en Vietnam y que el ejército se encuentra desmotivado y asustado, a diferencia de lo que dicen los funcionarios oficiales.

El NYT toma la decisión de publicar estas verdades y se enfrenta al presidente Nixon, quien los demanda, alegando que se atenta contra la seguridad nacional. Posteriormente la información llega al Washington Post y su Presidente, la Sra. Graham, tiene que decidir si publica la información que recibe. 

Paralela a esta historia, y muy bien desarrollada, se nos presenta en la cinta la situación por la cual atraviesa el periódico Washington Post, quien salió a emitir acciones en bolsa para capitalizar la empresa, encontrándose en un momento económico decisivo.

Los momentos previos a la decisión de publicar o no la información de los documentos secretos, teniendo en cuenta las circunstancias que los rodean, se vuelve el foco de la película. El competidor de noticias, el NYT, enfrenta el poder presidencial y una posible censura, al interior del Washington Post se vive una pugna entre la posición de los directores y la del editor y sus reporteros, la Sra. Graham tiene que mantener la confianza de sus potenciales inversionistas y de su Junta. 

La lucha que enfrenta la Sra. Graham, reivindica el rol que jugó esta mujer para mantener la empresa que compro su padre, dirigió su marido y que, después de su suicidio, ella tuvo que liderar en condiciones económicas difíciles. Una mujer que trabajó con una Junta conformada solo por hombres que poco confiaban en su competencia. En una entrevista, a propósito de la película, la actriz Meryl Streep

quien la caracteriza, definió muy bien la situación que afrontaba "no sólo dudaban de ella sus oponentes, también sus amigos ...es algo que implica una gran soledad”. El papel de la Streep es ponderado, calmado, pero de gran firmeza frente a las decisiones claves. 

Tom Hanks hace el papel de Benjamín Bradlee, el editor jefe de WP, quien debe luchar contra el tiempo y las presiones políticas y jurídicas para difundir sus investigaciones y defender la libertad de prensa sin restricciones.

Resalto en ambos actores que dejan ver más la historia que los personajes que representan, es decir, a pesar de sus buenas actuaciones no opacan lo que la película quiere mostrar: la importancia de la libertad de prensa, el hacer causa común frente a los atropellos, la defensa de la primera enmienda en Estados Unidos.

Una película muy oportuna para el momento actual, en la lucha que mantiene el Presidente Trump con la prensa y que da esperanza sobre la fortaleza de las instituciones, la cuales deben prevalecer sobre los individuos, incluso si se trata del primer mandatario.

Aunque el tema de la intervención de la guerra en Vietnam no se resuelve en la película, queda en evidencia el principio del fin, una vez se destapan los escándalos.

La película termina con la insinuación de un robo en el edificio Watergate...

EL INFORMANTE

Director: Peter Landesman

Año: 2017

País: Estados Unidos

Protagonistas: Liam Neeson, Diane Lane, Tony Goldwyn, Josh Lucas

Se narran en esta película los hechos previos a la dimisión del Presidente Richard Nixon y que configuraron el llamado escándalo Watergate, en 1972. Esta vez y a diferencia de la cinta” los hombres del presidente", que relató el escándalo desde la óptica del periodismo, la historia se cuenta con la mirada del Director adjunto del FBI para la época: Mark Felt. El guion está basado en el libro que él mismo escribió junto con John O ‘Connor,” A G Man's life".

Todo inicia con un robo a las oficinas del partido demócrata, poco antes de las elecciones en Estados Unidos, en las cuales se presenta Richard Nixon para su reelección. Un aparente delito menor empieza a ahondarse y salen a relucir las grabaciones, por parte de los Republicanos, a la campaña Demócrata. La difusión de los hechos a la opinión pública contó, entre otras, con la colaboración de un informante, al que los periodistas del Washington Post apodaron "garganta profunda". (La película con ese mismo nombre rompía récords de taquilla por esos días). 

Este momento coincide con la muerte del Director J Edgar Hoover, quien por 45 años estuvo al frente del FBI. La llegada de su reemplazo, un hombre de las entrañas del Presidente, Patrick Gray, dispuesto a servir a los intereses de la administración Nixon y sin conocimiento interno de la entidad, crea choque e insatisfacción dentro de los demás funcionarios.

El afán de Nixon y sus asesores de enterrar el caso Watergate ante evidencias contundentes, y el enojo de Mark Felt por no haber sido nombrado Director en el FBI después de 30 años, lo llevan a entregar a escondidas información a la prensa, convirtiéndolo en informante estrella. Vale la pena mencionar que solo en el 2005 y gracias a una entrevista que concedió a Vanity Fair, se vino a saber que Felt era "garganta profunda". 

Paralelo al escándalo, la cinta nos presenta la situación personal del Director Felt con su hija desaparecida y la relación con su esposa, que resultan inocuas y fuera de contexto. 

La actuación de Liam Neeson como el protagonista de la historia, es muy acorde al perfil del personaje: introvertido, riguroso, frio. Lo que sí resulta forzado es vender a Felt como un hombre sin tacha, ajeno a los métodos de una administración tan cuestionada como la de Hoover, la cual, presumiblemente, recurrió a torturas, persecuciones y chantajes, y en la que trabajo por tantos años. 

Interesante la presentación de la agencia de investigaciones como un ente que debe enfrentar presiones hasta del mismo Presidente, y muy actual por lo que ha pasado con el Mandatario Trump y el escándalo respecto a las elecciones, con la intromisión de Rusia, que también se ha tratado de ocultar.

¿Será que surge otra garganta profunda?

LA FORMA DEL AGUA

Director: Guillermo del Toro

Año: 2017

País: Estados Unidos

Protagonistas: Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Richard Jenkins, Octavia Spencer, Michael Stuhlbarg.

¿Qué decir de una película como la forma del agua, ganadora de premios en varios festivales y nominada para los premios Óscar de 2018, en varias categorías?

Primero, que genera una expectativa mayúscula la cual predispone a encontrar una cinta especial. Segundo, un director como Guillermo del Toro con películas como el laberinto del fauno, ha dejado su sello personal, por el tema, la belleza de sus imágenes y la honestidad para abordar los argumentos. Tercero, que, tal como es promocionada, se espera ver en "la forma del agua", una relación de una mujer con un ser "inusual", por decir lo menos, que despierta curiosidad e interés. El resultado, sin embargo, después de ver la película, es agridulce y considero, no se compadece con el apoyo y reconocimiento alcanzados. 

Está ambientada en la década de los 60's en plena guerra fría entre Estados Unidos y Rusia y logra un clima de la época en muchos de los recursos: la luz, la música, la ciudad. El ritmo, no obstante, es tan irregular que solo se rescatan buenos momentos a través de escenas muy bellas. En efecto, aquella del baño de la protagonista, Elisa, quien es muda, con el animal anfibio en el baño de su casa o la escena final, cuando la bestia huye con Elisa mar adentro, quedan en nuestra mente. Igualmente, es significativo el homenaje a películas musicales, en blanco y negro, a través de los extractos mostrados.

El desorden que surge en el interregno, al querer abarcar elementos interesantes y que siguen siendo de actualidad como el machismo (en la relación de su amiga Zelda con su esposo), el acoso laboral (del cual es objeto Elisa con el jefe de seguridad), la discriminación gay (en el aislamiento de su vecino y mejor amigo), no alcanza el logro de otras películas del Director que, aunque mezclan la realidad y la fantasía, no pierden su propósito.

El tema parece repetir historias como la de la bella y la bestia o la de King Kong, por la relación que surge entre una mujer y un animal (¿un animal?) a quien se  le despiertan sus sentimientos, visto eso sí, con la mirada personal del Director quien, sin duda, no tiene temor a arriesgarse con todos los aspectos de fábula y ficción.

La relación de dos seres relegados, la una por el abandono cuando era niña y por su sordera y el otro por su naturaleza especial, de hombre-animal, considerada objeto de adoración en los ríos de Suramérica, permite acercarse a dos soledades que encuentran un espacio para compartir, pero que no acaba por desarrollarse en la cinta. 

Al final, nos quedan en la mente momentos memorables, pero sin convencimiento sobre la forma en la cual se desenvuelve el argumento. 

EGON SCHIELE

Director: Dieter Berner

Año: 2016

País: Austria

Protagonistas: Noah Saavedra, Maresi Riegner, Valerie Pachner, Marie Jung

Biopic (película biográfica), sobre el pintor austriaco, de primeros años del siglo XX, exponente del expresionismo austriaco, nacido en 1890 y muerto prematuramente a la edad de 28 años.

La película nos presenta, a partir de los eventos más importantes, los últimos 10 años del artista. Enfatiza en la relación con su hermana, con su amante, con su esposa, con Augusto Klimt (pintor Austriaco de gran renombre, 1862 -1918, destacado por la ornamentación de sus pinturas); y enmarca dos acontecimientos claves en su vida: la primera guerra mundial y el encarcelamiento del que fue víctima. Este último hecho, por la acusación de secuestro y de revelar “pornografía” a menores.

El inicio en su oficio fue a temprana edad; a los 16 años se vinculó con la academia de bellas artes de Viena, de la cual fue expulsado porque poco se adaptaba a los cánones establecidos. Su hermana, Gertrude, 4 años menor que él, fue su modelo para las pinturas de desnudos y sobre esta relación hubo muchas especulaciones, en el sentido de que fueran más allá de lo filial, lo que apenas se insinúa en la cinta. Muy jóvenes quedaron huérfanos de padre, cuando Egon tenía 15 años. Su padre enloqueció por la sífilis y este hecho siempre lo recordaría.

A Klimt lo consideró su maestro y sus primeras obras fueron marcadas por este artista. La modelo que trabajaba para Klimt, Wally, fue la amante de Egon y también sirvió como su modelo. Esta relación se nos muestra como la más profunda que tuvo el pintor, terminada por su decisión de contraer matrimonio por conveniencia con Edith Harms, su vecina burguesa. Precisamente, la despedida de Wally da el título a una de sus obras, con la cual se subtitula la película, “la muerte y la doncella”. Egon y Wally no vuelven a encontrarse y ella muere poco después sirviendo para la cruz roja en la I guerra mundial.

Tanto la guerra, a la cual fue incorporado, no en el frente sino dentro del personal administrativo, y la cárcel, en la cual estuvo confinado por 1 mes, marcaron profundamente a Schiele, en especial porque lo mantenían alejado de su pasión por pintar. Este perfil, de un hombre dedicado a su arte, se muestra con mucha claridad a lo largo de la película, pintar como una obsesión, como una razón para vivir. Las innumerables obras que alcanzó a realizar en un periodo de tiempo tan corto: 340 pinturas y 2800 acuarelas y dibujos, dan fe de esta labor.

Egon Schiele generó un estilo propio, poco entendido por la audacia de sus desnudos explícitos, tanto de mujeres como en sus propios autorretratos. En la película se resalta el reconocimiento que le hizo un artista como Klimt a su obra, el apoyo que le dio y el que, siendo tan joven, tuvo oportunidad de exponer su trabajo de manera individual y alcanzar reconocimiento.

Después de su casamiento, Egon sólo sobrevivió 3 años. Su relación con Edith estuvo marcada por las ausencias pues él fue enviado a Praga y su esposa era quien lo visitaba. Víctima de la epidemia de gripa que azotó a Europa en estos años (20 millones de personas murieron en el año 1918 por esta causa), muere Edith y a los 3 días Egon, sin que su hermana, siempre leal y presente, pudiera hacer nada para evitarlo. El atraso de la medicina convirtió esta enfermedad en mortal.

La película retrata bastante bien el oficio del pintor, muy bien caracterizado por Noah Saavedra, para quien, incluso por encima de sus relaciones familiares y sentimentales, estaba su arte. Las mujeres que rodearon su vida, su hermana, su amante, su esposa, jugaron un papel secundario frente a la pintura: El arte por encima de los sentimientos.

Más que cualquier interés comercial, o el afán de ser comprendido, buscó su propio camino, y en él se empeñó con toda dedicación y convencimiento. A pesar de ser tratado de pornográfico, a pesar de que su arte se alejaba de lo que se consideraba bello, a pesar de lo difícil de la venta de sus cuadros (solo al final de sus días, en la exposición de 1918 se vendieron la mayoría de sus cuadros), Egon Schiele persistió. Y es el reflejo de esta búsqueda personal, el mayor logro de la película.

LOVING VINCENT

Directores: Dorota Kobiela, Hugh Welchman

Año: 2017

País: Polonia, Reino Unido

Protagonistas: Douglas Booth, Jerome Flynn, Helen McCrory, Saoirse Ronan, Aidan Turner, Eleanor Tomlinson, Cris O´Dowd

Esta película, ampliamente promocionada, pues fue realizada a partir de fotogramas pintados a mano, por un equipo de más de 100 artistas, quienes simularon los trazos el colorido y los personajes de las pinturas de Vincent Van Gogh, resulta inferior al trabajo que supuso y en esa medida es decepcionante.

De manera positiva hay que rescatar que los colores, los rasgos de los personajes y las pinceladas, son fieles a la obra realizada por este artista del postimpresionismo y un acertado reflejo de sus cuadros. La cinta se desarrolla en escenas a color, para marcar los acontecimientos que ocurrieron los días posteriores a la muerte del pintor holandés, y en blanco y negro, mediante un flash back sobre su vida.

Esta admiración por la magnitud y la precisión del trabajo realizado, se va desvaneciendo a medida que transcurre la cinta, en especial, por la pobreza de su guión. El argumento gira en torno a la muerte de Vincent, y a la inquietud que se siembra sobre si la causa de su muerte fue un suicidio o un asesinato. Esta hipótesis, sobre la cual gira la película, se había planteado en una biografía escrita por Steven Naifeh y Gregory White Smith, en el año 2001.

Van Gogh pintó más de 900 cuadros, en un periodo de 9 años, pues su oficio lo inició a los 28 años, después de haber probado infructuosamente convertirse en pastor protestante, al igual que su padre y de haber trabajado en una galería. Su vida estuvo marcada por la pobreza, la soledad y la depresión.

Los personajes que empiezan a desfilar en la cinta, son los protagonistas de las pinturas que hizo Van Gogh en los años que vivió en Arles y en Auvers, y presentan sus testimonios y especulaciones sobre las decisiones que pudieron llevar a su muerte. Aparece Roulin, el cartero, encargado de entregar la correspondencia que Vincent escribió prolíficamente a su hermano Theo; su hijo, Armand Roulin, quien en la película se encarga de llevar el hilo conductor; la hija del posadero donde murió el pintor; el Dr. Gachet, su médico y amigo; la esposa de éste y su hija Margarita; algunos de los personajes del pueblo.

Así mismo, aparecen los cuadros de mayor colorido de Van Gogh, que sirven de escenario para la trama: El sembrador a la puesta del sol, la noche estrellada, campo de trigo con cuervos, el café de Arlés, el dormitorio en Arlés, campo de trigo con cipreses. Todo ello, impecable desde el punto de vista de la técnica pictórica, pero que resulta repetitivo frente a un argumento que se agota desde sus inicios.

Un esfuerzo de tantas personas que participaron en la construcción de esta cinta, sin duda innovadora si tenemos en cuenta que fue grabada con actores reales y luego pintada cuadro a cuadro, merecía un mejor resultado. La sensación que queda, es que el afán de difundir y hacer pedagogía sobre la obra de un artista como Van Gogh, que sin duda lo merece, no se tradujo en un producto integral que permitiera acercarse a la vida del artista. Tal vez, hubiera resultado mejor un cortometraje como se planteó en un principio por parte de la directora.

LA DONCELLA

Director: Park Chan-Wook

Año: 2016

País: Corea del Sur

Protagonistas: Kim Min-Hee, Kim Tae-Ri, Ha Jung-Woo, Cho Jin-Woong

Película Coreana ambientada en la década de los 30, cuando Corea ha sido invadida por Japón; este hecho, marginalmente tratado, sirve para entender la situación de la mujer en estos años y para apreciar las diferenciaciones de clase entre ambos países en este período, pues el tema central de la cinta podría ocurrir en cualquier lugar, en cualquier momento. De hecho, su argumento está basado en el libro de la escritora británica, Sara Waters, “falsa identidad”.

El ritmo, propio de las películas orientales, lento y sutil, nos presenta una situación aparentemente convencional, sobre la niña rica, de origen japonés, quien vive en una bella mansión rodeada de jardines, y los servicios que recibe de la niña pobre, coreana, obligada a trabajar desde joven en diversos oficios para sobrevivir; su narrativa, sin embargo, tiene el cuidado de mostrar el punto de vista de sus protagonistas, desarrollando la cinta en 3 secciones, manteniendo vivo nuestro interés.

El primero de los segmentos narra los hechos desde la óptica de la doncella, Sookee, huérfana dedicada en sus inicios a los hurtos pequeños, quien es enviada a trabajar en casa de una rica heredera a la que debe engañar para que, junto con su cómplice, un estafador, puedan hacerse a su herencia. Se evidencia la ambición y la envidia que produce ver el contraste entre la opulencia y la pobreza. ¿Cómo puede mirarse sin rencor y sin deseo una vida donde no hay limitaciones por parte de quien ha carecido de todo? Interesante en esta primera parte el contraste entre la riqueza, pero con límites a la libertad, y la pobreza, que crea barreras de todo tipo. La escenografía esta ricamente representada en la mansión, los vestidos, las joyas.

El segundo segmento nos presenta la versión de la heredera, la joven rica cuyo tutor, su tío, la ha explotado y la entrena para que pueda deleitar a sus amigos a través de lecturas públicas, de carácter erótico. Muy bella la escena donde aparece Hideko, la hermosa sobrina, lujosamente vestida con el kimono, el peinado típico japonés, y su puesta en escena con la entonación y el ambiente para deleitar al público masculino quien le escucha ensimismado.

El tercer segmento muestra la relación que lograron la dama y la doncella, Hideko y Sookee, quienes crean una relación de complicidad, se confabulan para protegerse y logran engañar a los hombres de las cuales son víctimas, huir y darse la libertad de tener un romance entre ellas.

Las escenas de cama entre las dos mujeres son muy eróticas y sensuales. La relación que establecen de comunicación y de amistad resulta muy convincente por la actuación de ambas, con gran naturalidad. El final es un poco fuerte y sobran las escenas de las torturas al estafador, las cuales quedan fuera de contexto especialmente porque la cadencia con la cual se desarrollan los acontecimientos, involucra ingredientes sexuales y eróticos, para nada violentos. Incluso cuando Hideko hace la lectura de libros pornográficos, ante los amigos de su tío, se nos muestra el lado artístico, del gusto por la literatura y la pintura, aunque de por medio este la explotación de una joven.

Una película que se desenvuelve en una época y en un entorno machista, donde los hombres están a cargo y toman todas las decisiones, pero cuyo final queda en manos de dos mujeres que rompen las cadenas y que por su decisión terminan definiendo los acontecimientos. Es este juego en un ambiente misógino el que resulta cómico, pues los hombres, que aparentemente tienen todo controlado, pasan de burladores a burlados. Por esta razón, son las mujeres las verdaderas protagonistas.

Una cinta inteligente, llena de escenas bellas, con un interesante argumento por las dimensiones que resultan de la trama a través de la visión de sus personajes, la sensualidad como factor presente, las actuaciones y sobre todo el ritmo que, aunque lento, nos mantiene absortos

CEZANNE

Directora: Daniele Thompson

Año: 2017

País: Francia

Protagonistas: Guillaume Galliene, Guillaume Canet, Alice Pol, Deborah Francoise

Mucho hemos oído de Cezanne, el gran pintor de la segunda mitad del siglo XIX y también de su contemporáneo Emilio Zola, el escritor francés de reconocimiento mundial. Lo que no todos sabíamos era de la gran amistad, iniciada desde su niñez, que estos dos artistas tuvieron durante buena parte de su vida.

Esta película se centra en la relación de estos dos hombres, que fue entrañable mientras duró, en un momento trascendental en la historia de las artes en Francia, con el surgimiento de nuevos movimientos pictóricos, el impresionismo y el posimpresionismo y un movimiento literario, el naturalismo, y de los cuales, tal vez sin proponérselo, cada uno en su respectivo campo, fue fiel representante.

A partir de una de las visitas de Paul Cezanne a Emilio Zola, a París, la película nos hace un recorrido por las historias, particulares y también compartidas, de estos personajes y de las vicisitudes que cada uno tuvo que enfrentar en su oficio.

Cezannne provenía de una familia acomodada, en tanto que Zola, huérfano muy joven, tuvo que enfrentar junto con su madre, muchas dificultades para sobrevivir. Estos inicios, cambian radicalmente en la adultez, pues el escritor triunfa relativamente joven y logra una situación económica solvente, mientras que el pintor rompe con su familia, enfrenta por muchos años la pobreza y solo tiene reconocimiento en sus últimos años de vida.

Desde el punto de vista estético hay mucho que disfrutar pues la cinta es rica en paisajes y personajes que nos remiten a estampas de los pintores impresionistas plasmadas en sus obras: los paisajes de AIX en Provence, el pueblo en el que ambos artistas crecieron, con sus ríos, lagos; los bañistas que tanto Renoir como Cezanne pintaron; los paseos con jóvenes en el prado almorzando típicos de Renoir; las mujeres con sombrillas en los campos pintadas por Monet; la montaña  Sainte-victorie, que fue objeto de muchas de las obras de Cezanne.

Los diálogos de los protagonistas son muy profundos. Se destaca la discusión que ambas tuvieron cuando Zola escribió “la obra”, sobre un artista fracasado, que para Cezannne reflejaba su propia historia a través del personaje principal Claude Lantier, y que se constituyó en el motivo de disputa de los artistas quienes no vuelven a relacionarse.

La decisión de Cezannne de separarse de su padre, quien esperaba que su hijo fuera banquero como él, fue una importante razón para convertir al pintor en un anacoreta, que lo llevó a vivir aislado muchos años, a tener problemas de convivencia con otros y a resentir el éxito de su amigo.  Zola, quien muchas veces ayudó económicamente a Cezanne y a su esposa, reclama el egocentrismo del pintor y su poca consideración con los problemas que él enfrenta como escritor, pues, aunque para la época uno de sus libros fue ampliamente reconocido, “el germinal”, sintió que su producción posterior se estancó.

Es quizás en el énfasis de los rasgos más característicos del pintor y del escritor donde reside el mayor logro de la película: la persistencia de Cezanne y su capacidad de aguantar la frustración pues, aunque fue criticado, rechazado varias veces por los salones de artistas (única vitrina de la época para exhibir la obra), no abandonó su camino. Al mismo tiempo nos muestra una personalidad huraña, aislada e insegura. En el caso de Zola, la disciplina en su oficio, en el que se empeñó desde muy joven y en el que persistió a pesar de las angustias económicas, sin ninguna   garantía de éxito.

Aunque la película también presenta las relaciones de estos artistas con sus parejas, no tienen mucha relevancia. Cezannne se nos muestra como un misógino, con poca estima por las mujeres, tanto en su relación con Alexandrine (quien posteriormente sería la primera esposa de Zola) y después con Hortense. En una de las escenas Hortense le reclama la obsesión de Cezanne por una de sus obras, en la que sirvió como modelo, y a la que demuestra más consideración que a ella como esposa y como mujer. Zola por su parte, además de Alexandrine, tuvo una relación con Jeanne con quien tuvo dos hijos.

Como la película termina cuando la relación entre estos dos artistas finaliza, no alcanzamos a vislumbrar el éxito alcanzado por el pintor al final de su vida, y esto se resiente.

En el caso de Zola y también por el mismo hecho de centrar la película en la relación con su amigo Cezannne, no apreciamos la dimensión social que alcanzó a tener su obra más allá de Francia, pues al igual que Balzac, retrató con gran veracidad los hechos de su época a través de la novela.

De todas formas, lo que podemos constatar durante los años de la relación de estos dos genios franceses, narrada en la cinta, nos llena de entusiasmo por conocer sus vidas, pero especialmente sus obras.

¡Vidas extraordinarias, película extraordinaria!