DOS ACTRICES EN SU MADUREZ: DOS PELÍCULAS INTIMISTAS

Dos películas, protagonizadas por Charlotte Rampling una y por Emma Thompson la otra, nos muestran la madurez en la actuación de dos bellas mujeres, mayores de 60 años, y la pasión por su oficio. Ambas representaciones nos hacen valorar el talento actoral, en una profesión donde hay adoración por la juventud y por la belleza. Muy intimistas ambas, resaltando a través de los silencios y los gestos, aquello que no se dice.

HANNAH

Director: Andrea Pallaoro

Año: 2017

País: Italia

Protagonistas: Charlotte Rampling, Andre Wilms, Stephanie Van Vyve, Simon Bisschop             

La película gira alrededor de su protagonista, Charlotte Rampling, una mujer que desde el inicio sabemos que se verá enfrentada a una gran soledad, mayor a la que, de hecho, ya tenía en la convivencia con su esposo. 

El encarcelamiento de su marido por causa de un delito que solo se insinúa, pero que acabamos por comprender a través de los desplantes que sufre Hannah, la enfrentan con un profundo vacío y con una vida sin propósito. Como lo expresó el director "puedes excitar la imaginación del que mira, escondiendo en lugar de mostrando".  

Hannah asume con dignidad, pero con dolor silencioso los portazos de su hijo, del escaso entorno social y de los vecinos que la insultan detrás de la puerta. En los silencios frente a estas situaciones, la actriz es capaz de transmitir toda su angustia interior. No hay palabras, pues los diálogos escasean, allí está lo que muestran sus miradas y el mínimo intercambio con su entorno. 

La vida de la protagonista transcurre entre la casa donde trabaja en oficios domésticos, en el metro y en su pequeño apartamento. Marginalmente, en este recorrido, podemos ver los contrastes: Las diferencias entre clases sociales, la situación de los migrantes y marginados, la soledad en medio de la multitud. Situaciones frente a las cuales esta mujer parece solo un espectador pasivo.

Hannah empieza a perder los pocos contactos con el mundo exterior. Las visitas a su marido en la cárcel tienen como propósito aplacar la angustia de éste, así que, solo en su relación con el niño autista (hijo de la señora con quien trabaja) y cuando acude a sus clases de actuación, y asume otros roles, puede mantener un acercamiento personal. 

Cuando Hannah ve comprometido su propósito de vida, empieza su derrumbamiento, el cual llega a su clímax cuando comprueba que son ciertos los hechos por los cuales fue acusado su esposo. El temor de que pueda acabar con su vida empieza a ser latente en varias escenas, que nos mantienen en suspenso. 

En esta película Charlotte Rampling es la reina de los silencios, aquellos que no hacen sentir mal al espectador, sino que lo conectan con el sentimiento interior del personaje, haciendo eco de sus emociones. 

Una película que vale la pena ver por la protagonista, por el entorno de soledad y por los conflictos latentes en las grandes urbes. 

Sobre la actriz

Charlotte Rampling, es una actriz británica, nacida en 1946. Se hizo famosa por la película "portero de noche". Ganadora de varios premios internacionales, entre ellos el oso de plata en 2015 por la película "45 años”. Mejor actriz en el festival de cine de Venecia por "Hannah". 

Sobre el director

Andrea Pallaoro es un joven director italiano, nacido en 1982. Otra película del Director es "Medeas". 

EL VEREDICTO (LA LEY DEL MENOR)

Director: Richard Eyre

Año: 2017

País:  Gran Bretaña

Protagonistas: Emma Thompson, Stanley Tucci, Fionn Whitehead

Uno de los casos al cual se enfrenta la juez Fiona Maye, protagonizada por Emma Thomson, la confrontan con su vida y con la crisis de su matrimonio.

Acostumbrada a lidiar con asuntos críticos, mucho de los cuales se vuelven mediáticos, la juez tiene que decidir sobre el tratamiento que deberá seguir Adam, un joven con leucemia. El hospital exige una transfusión de sangre a la cual se opone tanto la familia como el joven, por razones religiosas. 

Fiona sostiene una conversación en el hospital con Adam que la sensibiliza, especialmente por su situación personal. El hecho de haberle puesto un rostro a esa decisión, la diferencia de muchas otras que tiene que tomar cada día. 

El fallo que produce la juez antepone la vida a los principios religiosos, con lo cual salva a Adam. Lo que se sigue, es la idealización de la juez por parte del joven y la búsqueda de su mundo a través de la poesía, que fue el punto en común de ambos. Todo ello crea para Adam un conflicto con sus padres y sus creencias. 

La actuación de Emma Thomson transmite las implicaciones de sus decisiones puesto que se acostumbró a pronunciarse en derecho con argumentos jurídicos abstractos y esta situación en particular, la acerca a un mundo más real. 

Buena parte de la cinta sólo muestra a la juez en reflexión respecto a su vida privada, tan concentrada en su trabajo al punto que ha dejado de lado la relación con su pareja. La confrontación con la muerte la obligan a hacer un pare y a reaccionar sobre otros intereses.

Muy bien la protagonista en las escenas del juzgado cuando decide con rapidez, con frialdad y su contraste con la situación del muchacho que toca sus fibras más profundas. Estos encuadres de Emma Thompson en las situaciones descritas constituyen la parte más interesante de la película.  

De la actriz

Emma Thompson es una actriz británica, nacida en 1959, ganadora de varios premios incluido el Oscar por "Howards end". Otras películas en las que actuó fueron "En el nombre del padre", "Lo que queda del día".

Sobre el Director: 

Richard Eyre, director, escritor, director de ópera británico, nacido en 1943. Otras películas suyas son: "Escandalo", "Iris". también ha dirigido para televisión. 

TEHRAN TABOO

Director: Ali Soozandeh

Año: 2017

País:  Austria

Protagonistas: Zahra Amir Ebrahimi, Elmira Rafizadeh, Arash Marandi, Jasmina Ali, Alireza Bayram, Adem Karaduman

El Irán actual visto con ojos de mujer es el tema que nos presenta esta película; mujeres que se resisten al estado de cosas existente y que crean lazos de solidaridad frente a un ambiente de menosprecio y opresión. Desde 1979 con el derrocamiento de la monarquía y la salida del Sha, se estableció en este país de Oriente medio “la República Islámica”, liderada por el líder Chiita Ayatola Jomeini. Con el nuevo sistema de gobierno que se instauró, las mujeres se convirtieron en ciudadanas de segunda clase: requieren la aprobación de su tutor para contraer matrimonio, el permiso de su esposo para viajar fuera del país, así como su visto bueno para acceder a trabajos laborales. La asistencia a ciertos eventos deportivos está restringida. De hecho, para efectos de cualquier reparación civil, el valor en que se tasa una mujer corresponde a la mitad del valor de un hombre.

Es en este contexto en el cual se desarrollan las 3 historias que nos presenta el Director, denunciando la situación de mujeres obligadas no solo a someterse a la autoridad de los hombres (olvidándose de sí mismas), sino también a soportar el maltrato y los oprobios de una sociedad que desconoce sus derechos. La película es también la radiografía de una Teherán llena de prejuicios y limitaciones, en donde reinan la hipocresía y la corrupción.

La historia central hace referencia a una mujer a quien su esposo preso niega el divorcio, acudiendo a la prostitución para sobrevivir y para mantener a su hijo mudo. El camino que emprende con los jueces para tratar de revertir su situación es tortuoso y lleno de obstáculos. Los jueces y los líderes espirituales, exigen comportamientos ejemplares que ellos no aplican y ponen freno a cualquier petición que provenga de una mujer. 

Otra es la historia de la joven profesional a quien su marido confina en su casa al cuidado de sus suegros y para que, igualmente, cumpla el papel de futura madre. Es infeliz porque su verdadero deseo es trabajar y no tener hijos, por ello cuando queda embarazada recurre al aborto clandestino y no en una, sino en tres ocasiones. 

La tercera historia es la de una mujer joven de provincia, recién llegada a la capital, y quien enfrentada a la pérdida de su virginidad (la cual iba a vender en Arabia), busca de manera desesperada que el joven con quien se acostó pueda financiarle una cirugía de reconstrucción del himen. 

El mundo aparente, lleno de reglas, restricciones y de exigencias es el de la superficie, el cual se confronta con un universo subterráneo, donde todo lo que es prohibido se hace posible gracias a la corrupción, al poder y al dinero.

Los hombres no tienen redención en esta cinta; ellos están representados en la hipocresía de los religiosos, el desprecio de los hombres casados hacia sus parejas y la búsqueda de mujeres por sexo pago, así como en el oportunismo de los jóvenes. Las mujeres por su parte, buscan refugio a su situación en las compañeras de género reclamando su solidaridad y acompañamiento, tan ausentes en sus vidas. 

Es interesante como logra el autor que las 3 historias se crucen; si bien en los ambientes convencionales las mujeres apenas si se hablan, su encuentro en el mundo encubierto las une y las fortalece, al compartir sus angustias y soledades. Una de las historias termina con ese deseo, el cual busca hacerse realidad, de conseguir "alas para volar". Una metáfora del sentimiento oculto de todas ellas. 

Una película muy recomendable para entender la infame situación de las mujeres en un país tan distante como Irán, pero sobretodo, para evidenciar las salidas que se construyen por parte de quienes se sienten arrinconados, cuando la represión pone freno a la libre expresión. Muy actual, además, si se consideran las luchas permanentes en los países occidentales por la equidad de género, donde se ha venido ganando terreno, en contraste con un país donde lo que se presenta es un retroceso.

Sobre la técnica. La película es rodada con la técnica de la rotoscopia que consiste en rodar con verdaderos actores, pero calcando e interviniendo los fotogramas, ello hace que se vea como una película animada, con muy bien ritmo y en la cual la crudeza de ciertas situaciones se perciba menos evidente.

Sobre el Director. Ali Soozandeh nació en Irán en 1970. En 1995 emigró a Alemania. Esta es su ópera prima. Otra creación suya es el documental, también en animación, "The green wave" (2010). 

EL INSULTO

Director: Ziad Doueiri

Año: 2017

País: Líbano

Protagonistas: Adel Karam, Kamel El Basha, Diamond Bou Abboud, Camille Salameh, Rita Hayek

Las heridas morales que causa una guerra tardan mucho en recuperarse pues quedan grabadas en la mente y en el corazón de quienes las padecieron. Esto es lo que quiere transmitir la película "el insulto", que toca no sólo el tema de los refugiados Palestinos sino también el de los refugiados internos, en este caso los del Líbano.

Un hecho circunstancial, el arreglo de las fachadas de una casa en un barrio del Líbano, crea un conflicto entre el constructor Palestino y el residente libanés, el cual empieza a crecer con la entrada de los abogados que los representan y quienes se vuelven voceros de sus respectivas comunidades.

Solo basta una chispa para encender los resentimientos guardados. De un lado, esta Yasser, el constructor, un Palestino que trabaja casi de manera clandestina. De otro lado, esta Toni, ciudadano libanés, defensor del tema nacionalista, quien siente que los Palestinos son intrusos y desplazan puestos de trabajo a sus connacionales. En las discusiones salen a relucir todos los estereotipos: el del palestino como "el que no pierde la oportunidad de tener una oportunidad", " los negros del mundo árabe", el del libanés como el opresor y el invasor. 

La disputa que no pueden resolver los dos hombres, pues uno no quiere pedir disculpas y el otro se resiste a aceptarlas, pasa a los estrados judiciales y cada uno empieza a ser respaldado por prestantes abogados que convierten el tema en un asunto político, con el propósito de hacer visible o bien la causa Palestina o bien las guerras internas del Líbano, pues sienten que quieren ser escondidas. Las posiciones, bien argumentadas, ponen en evidencia que, al margen de la situación puntual, ambos hombres son víctimas del conflicto y del desplazamiento.

El alegato de los abogados deja ver que aquellos países que han padecido violencias y donde las heridas no se han curado, entre otras cosas porque no se ha dicho la verdad, dejan mucho resentimiento y dolor en sus víctimas. Ellas esperan que se les reconozca el daño y que se les pida perdón. Además, como también se plantea en la cinta, conflictos tan visibles como el Palestino, no dejan ver otras violencias al interior de los países, que también produjeron traumas igualmente graves. "Nadie tiene el monopolio del sufrimiento", como dice uno de los abogados. 

Las guerras del Líbano están en el trasfondo del argumento; un país que ganó su independencia en 1943 y que enfrentó una guerra civil entre 1975 y 1990, entre las comunidades cristiana y musulmana. Las matanzas fueron por lo tanto, significativas en ambos bandos (palestinas en Karantina y Za'atar; cristianas en Darmour) así como los choques entre fuerzas israelíes y milicias libanesas. 

Los personajes de Yasser, Toni y los dos abogados, padre e hija, tienen una magnífica representación. Los dos primeros esperan un resarcimiento personal, mediante un reconocimiento del error y una disculpa y aparecen un poco desconcertados cuando todo empieza a tomar otro rumbo. Los abogados, porque genuinamente defienden la causa de unos pueblos que tuvieron desplazamientos forzados o padecieron masacres como la de Darmour, y pretenden que se revele la verdad y se evite que esas situaciones se repitan. "La guerra terminó, pero no tuvimos una reconciliación".

En el fondo, lo que aspiran las personas comunes y corrientes como Yasser y como Toni, de facciones distintas, es poder trabajar y vivir en paz con sus familias para disfrutar de las cosas simples. Nada más, tampoco nada menos. ¿Pero quién no?

Sobre el Director. Ziad Doueiri nació en el Líbano (1963). Estudió cinematografía en Estados Unidos, fue primer ayudante de cámara de Quentin Tarantino. Fue educado en una familia de izquierdas pro-palestina. El insulto es su cuarta película, las otras son “West Beirut”, “El atentado” y “Lila dice”. 

AFTERIMAGE

Director: Andrzej Wajda

Año: 2016

País: Polonia

Protagonistas: Boguslaw Linda, Bronislawa Zamachowska, Zofia Wichlacz

Esta película se refiere a los últimos 4 años en la vida del pintor polaco, Wladyslaw Strzeminski, (1893-1952), durante la época de la invasión de Rusia a Polonia, y la confrontación que el artista tuvo con el régimen de Stalin, por sus convicciones sobre el arte. Paradójicamente, él había comulgado con las ideas socialistas pues vivió en Rusia, cuando se casó con la también artista Katarzyna Kobro.

Los invasores rusos se propusieron difundir, a través de todas las manifestaciones, incluidas las artísticas, la ideología socialista. En la pintura específicamente, se buscó volver hacia el arte figurativo mediante la representación de la clase trabajadora en sus labores cotidianas o de las grandes reproducciones de los líderes e ideólogos del partido comunista. Ello entró en contradicción con un pintor que, como Strzeminski, fue un vanguardista, quien incursiono en el arte abstracto, en un momento en que muy pocos lo estaban haciendo. "Los que cuentan son los que abren camino a las nuevas formas", expresa. 

Además de pintor, la cinta nos muestra la faceta de Strzeminski como instructor de artes plásticas en la ciudad de Lodz, en la escuela donde fue cofundador, y la buena relación que mantuvo con sus alumnos. Strzeminski también fue escritor. Aunque es menos visible en la película, desarrollo la teoría de la visión que se refiere a los efectos que quedan en la retina del espectador después de apreciar una pintura. El título de la película se refiere precisamente a este aspecto de la post-imagen que él desarrollo. 

Mantener una posición radical respecto a la libertad que debe tener un pintor, le significo a Strzeminski que su obra fuera perseguida, así como su expulsión como docente y el veto para conseguir cualquier empleo, sin lograr siquiera el acceso a la libreta de alimentación. Como se expresa en una de las escenas "se ha desvanecido la frontera entre el arte y la política". Esta situación finalmente le costó la vida pues en la búsqueda de su supervivencia tuvo que dedicarse a otros oficios, descuidando su salud. Una neumonía fue la causa de su deceso.

El director Andrzej Wajda manifestó en una entrevista, sobre ésta, su última película, que su objetivo fue mostrar el conflicto del pintor con el estado socialista, lo cual se cumple a cabalidad. La defensa de la libertad en el arte se confronta con un régimen obstinado en imponer pautas sobre lo que debía pintarse. El costo de defender una posición honesta y de no bajar la cabeza a un régimen opresivo es el mensaje más claro y dramático "no estoy en contra de usted. Solo tengo opiniones distintas", expresa el pintor. 

El drama que significó para un pintor que alcanzó a tener un reconocimiento en Polonia y al cual se condena a la pobreza y al olvido, lo representa muy bien Boguslaw Linda, quien asume el rol protagónico. El actor es el eje central y sobre quién recae el peso de la cinta. No renunciar a sus principios, mantener su dignidad, la dificultad de convivir con otros que no tuvieran relación con el mundo del arte, incluyendo su propia hija, reflejan el carácter y la personalidad neurótica del pintor. 

Quedan muchos vacíos, que no se resuelven en la cinta, por ejemplo, que al pintor le faltaban una mano y un pie, pero no sabemos las razones. O el de la relación que tuvo con su esposa, en los años finales, pues solo hay una referencia a la muerte de ella, en un hospital público. Así mismo la relación distante con su hija, que solo tiene unas semanas de convivencia con él, después de la muerte de Katarzyna. 

Aunque mucha de la producción de Strzeminski fue destruida, en la película solo podemos apreciar marginalmente su obra, que además de la pintura tuvo trascendencia en el diseño industrial y gráfico lo cual se queda corto en la cinta. 

Sobre el Director. Andrzej Wajda fue un director polaco ampliamente reconocido. Algunas de sus películas: el hombre de hierro, el hombre de mármol, la tierra prometida, Katyn. Fue testigo de muchos de los acontecimientos históricos de su país, como la guerra, la invasión rusa, la masacre de Katyn donde murió su padre, el surgimiento del sindicato solidaridad y de su líder Lech Walesa y ello fue lo que quiso reflejar en sus trabajos. Recibió un Óscar Honorífico y un Oso de Oro honorífico por su contribución al cine. Murió a los 90 años. 

DESPUES DE LA TORMENTA

Director: Hirokazu Kore-eda

Año: 2016

País: Japón

Protagonistas: Hiroshi Abe, Yoko Maki, Kirin Kiki, Satomi Kobayashi

Esta película es una larga conversación que tiene lugar entre 3 personajes, una pareja, ya divorciada, y la madre del protagonista. Lo que ocurre más allá de ellos, ya sea en sus relaciones con su trabajo, con la hermana o con los amigos, resulta marginal.

El centro de los diálogos se desarrolla en la casa materna de Ryota, el personaje principal, en el momento en que todos, en compañía del hijo de la pareja, buscan refugio durante la noche, esperando que pase un tifón.  A través de sus recuerdos, cada uno va develando las frustraciones, porque no se consiguió lo soñado o porque no resultó como se imaginaron. 

La abuela añoraba una vida distinta, la cual no pudo tener pues lucho contra el vicio de su esposo, quien era un jugador y siguió viviendo por 40 años en el mismo apartamento. 

Ryota escribió un libro de éxito, pero después de 15 años no ha creado nada nuevo; la cotidianidad lo tiene agobiado y busca en el juego, al igual que su padre, un escape en un trabajo como detective, que tampoco disfruta.  El peso que arrastra de su niñez por su relación con el padre, sale a flote, pues parece estar repitiendo la historia y esto lo confronta con su pequeño hijo. 

Su ex-esposa siente que la felicidad no llego con el matrimonio y ahora renuncia al amor por una relación de conveniencia, que a su vez permita seguir cubriendo sus gastos. Las mujeres, dice ella, pueden dejar más fácil el pasado, pues "pintan al óleo, no con acuarela". 

Los sueños de todos van quedando de lado y el tiempo va pasando. Es como si todos se resignaran a una situación con la cual no están satisfechos dejando de lado lo que realmente quieren. Una frase se repite a lo largo de la cinta "¿Cómo ha podido mi vida llegar a esto?". ¡Interesante reflexión!

A pesar de todo, no hay lugar a la desesperanza. La abuela busca alargar los momentos de reunión con su familia y maximizar las horas de tranquilidad, esforzándose por la comodidad de todos, con la preparación de sus camas, de una buena cena, y buscando que puedan tener una conversación sin reclamos. Se Trata de aprovechar el momento. 

La complicidad entre las mujeres es manifiesta: ellas aguantan las actitudes infantiles de los hombres, se preocupan por el bienestar de los hijos y por el futuro de la familia. 

La noche termina y la rueda de la vida empieza a girar nuevamente, sin dar tregua, en una inercia que consume los días. 

El momento más especial de la cinta se da en la conversación entre la abuela y su hijo cuando este añora la presencia de su padre y ella le contesta "echarle de menos ahora no va a hacerle volver...hay que hablar con la gente cuando está viva".

La abuela sigue reflexionando sobre la insatisfacción permanente que ve en su entorno y se pregunta:  " Por qué los hombres son incapaces de vivir en el presente? Si no se pierden en algo que creen haber perdido, se pierden en sueños inalcanzables. No se puede disfrutar la vida así."  "No se encuentra la felicidad hasta que se es capaz de desprenderse de ciertas cosas ". 

Unas actuaciones con un ritmo tranquilo, ya que la película se concentra en los diálogos. Para destacar, a Kirin Kiki, en el papel de la abuela, quien transmite gran credibilidad por su bondad y su simpleza. Esta actriz es la misma de la película "una pastelería en Tokio". Así mismo, la del protagonista, Hiroshi Abe, quien no consigue nuestra malquerencia, a pesar de su errático comportamiento. 

Sobre el director. Hirokasu Kore-eda nació en Tokio en 1962. Quiso ser novelista, pero se dedicó al cine. Tiene una amplia filmografía tanto de documentales como de películas, en las que debutó en 1995. En su país destacan la influencia que tuvo de otro gran director, Yasujiro Ozu. Es reconocido por reflejar la vida del Japón contemporáneo. Su estilo combina el drama y la comedia. "Siempre he pensado que en los guiones es importante compensar el drama con risas", manifestó en una entrevista. 

EN LA PENUMBRA Y PROYECTO FLORIDA: DOS DIRECTORES INDEPENDIENTES

EN LA PENUMBRA (IN THE FADE).

Director: Fatih Akin

Año: 2017

País: Alemania

Protagonistas: Diane Kruger, Numan Acar, Samia Chancrin, Denis Moschito

El atentado del cual es víctima su esposo y que causa su muerte y la del pequeño hijo de ambos, trastoca por completo la vida de Katja. A partir de ese momento solo tiene una motivación: que se haga justicia. 

En la investigación que se sigue por los crímenes, hay un sesgo para hacer aparecer a su esposo, Nuri, como culpable, en lugar de víctima. El reúne todos los elementos para que se presuma su culpabilidad: Es Kurdo, musulmán, y estuvo en la cárcel por traficar con droga. Coctel peligroso en momentos como los actuales, donde es sospechoso el solo hecho de ser inmigrante. Aunque la conducta de Nuri cambió desde su salida de prisión, todos lo señalan y no quieren ver otros culpables, menos dentro de sus propios conciudadanos. Solo Katja y su abogado, amigo de él, creen y luchan por su inocencia y porque se juzgue a los verdaderos responsables.

En el juicio, cuando por circunstancias excepcionales se detiene a los asesinos, se pone en tela de juicio el comportamiento de Katja y el de su marido, más que el de los victimarios, y por falta de pruebas contundentes los culpables quedan libres. Este hecho es demoledor para la protagonista, quien se obsesiona con perseguirlos y ello conduce a un dramático final. 

Esta película destaca la xenofobia, que está presente aún en el espacio cerrado del círculo familiar. Ser extranjero involucra, de entrada, una carga de responsabilidad. La madre de Katja reprocha la conducta del yerno pues cree que provocó que atentaran contra su vida. La justicia también es cuestionada (¡estamos hablando de Alemania!!), pues impide que los culpables sean juzgados, cuando los abogados apelan a meros tecnicismos.

Al margen de todo lo que devela la cinta respecto de la situación de los inmigrantes, el prejuicio de quienes los reciben, los nacionalismos presentes y en crecimiento, la justicia que cojea, la película nos lleva por el dolor desgarrador de Katja ante la muerte de los seres queridos. Diane Kruger, quien la personifica, nos hace cómplices en la búsqueda de un camino de redención, que finaliza de la manera menos esperada.  

Fatih Akin, el director de la película, es un cineasta alemán, de ascendencia turca. Esta película fue seleccionada a la Palma de Oro en el festival de Cannes, así como para representar a Alemania en los premios Oscar 2018.

PROYECTO FLORIDA

Director: Sean Baker

Año: 2017

País: Estados Unidos

Protagonistas: Brooklynn Prince, Willem Dafoe, Bria Vinaite

Sin desarrollar una historia convencional, esta cinta nos lleva de la mano de sus personajes por un mundo de contrastes. El de la inocencia de la niñez frente a los resentimientos y prevenciones de la adultez. El mundo mágico de los parques de diversiones de Orlando, frente al mundo marginal de quienes viven en sus alrededores. la precariedad económica de quienes residen en un motel frente al bolsillo roto de los turistas. El de la amistad auténtica que surge en la niñez frente a la amistad interesada de la madurez. 

Eso es lo que captamos en la relación que Moonee, una pequeña de 6 años, tiene con sus pequeños amigos, en los juegos que se inventan para pasar el día y en las trampas a la pobreza para conseguir algunos gustos. Los niños pueden estar ajenos a los problemas mientras puedan soñar, disfrutar y no tener conciencia del mundo adulto. 

En paralelo, la vida de los mayores como Halley, la madre de Moonee, transcurre con las angustias propias de quienes tienen limitaciones para enfrentar sus obligaciones; viviendo en habitaciones de moteles baratos, junto con sus hijos, al lado de condominios abandonados, producto de la crisis hipotecaria de Estados Unidos. La magia del dinero y del lujo americano no es para todos y la vida de carencias no es exclusiva de los inmigrantes. Es el Estados Unidos lejos del sueño americano,  fuera de las posibilidades de muchos de sus ciudadanos, quienes terminan tan marginados y excluidos como muchos extranjeros. 

No obstante, el entorno, la película es esperanzadora porque con los ojos de Moonee disfrutamos de las pequeñas aventuras de la niñez que se pierden cuando, ya de adultos, se deben asumir responsabilidades y obligaciones. Es el caso de Halley, la madre de la pequeña, quien debe rebuscar su sustento y termina involucrándose en la prostitución, poniendo en peligro la custodia de su hija, pues ya había estado en prisión.

La hermosa y espontánea actuación de Brooklynn Prince, quien interpreta a Moonee, es lo más refrescante de la película; el personaje de William Dafoe es tan natural y compasivo, lejos de los personajes de carácter que ha interpretado en otras películas. La escena más impactante, la final, cuando la niña busca el consuelo de su amiguita y por primera vez la vemos llorar cuando toma conciencia de la dura realidad. Una escena memorable. 

Una película que nos muestra que no se necesitan grandes historias, es más, ni siquiera una historia, para entender esos submundos, a través de los actos del día a día. 

El director Sean Baker, cineasta estadunidense independiente, escribe dirige y produce muchas de sus películas. Otras de ellas son “Contra la pared”, “Al otro lado”.

Dos películas extranjeras en los Oscar:una mujer fantástica y the Square

THE SQUARE

Esta película, que no es fácil de digerir, nos muestra a través de contrastes temas como los de la libertad de expresión, el arte versus el mercadeo de éste, el mundo de la élite frente al de los marginados. El espectador se siente confrontado con situaciones que no se resuelven, sino que, por el contrario, quedan a su libre interpretación.

El protagonista, Cristian, es el curador de un museo en Suecia, y a través de las exposiciones que organiza, nos deja ver algunas obras controversiales. En una de ellas, un performance, un hombre imita a un orangután y asume de tal manera su rol que olvida que es humano. Otra, una instalación de pequeñas montañas de piedra, es alterada por el aseador cuando realiza su oficio y simplemente se reconstruye sobre una foto anterior. La otra instalación es The Square (el cuadrado), que da el título a la película; de acuerdo con palabras de la artista, es "un santuario de confianza y solidaridad. Dentro de sus límites todos tenemos los mismos derechos y obligaciones". 

A partir de las obras se derivan inquietudes sobre lo que puede considerarse o no arte, si esta debe transmitir o no un mensaje, que tanto tiene que ver el reconocimiento de una obra con la promoción que se haga de ella.

Así mismo, a través de Cristian, una persona con mente abierta y liberal, se muestran los límites a la tolerancia, cuando los acontecimientos involucran su situación personal. El caos generado por el robo del cual fue víctima, confronta sus convicciones y muestra su fragilidad.  El círculo en el cual se mueve el protagonista, en una sociedad como la sueca, con altos estándares de respeto, mantiene distancia con quienes "no son como nosotros”. Esta es una paradoja frente al mensaje de la obra "Square", que en teoría es impecable. 

Los límites a la libertad de expresión, son cuestionados. Un vídeo que se realiza para promover una obra de arte, sobre una niña indigente que estalla a consecuencia de una bomba, ¿debería vetarse, o en aras de la libertad de expresión permitirse? ¿Qué hay de mercadeo y que hay de verdad en explotar los sentimientos de culpabilidad de los ciudadanos, frente a las adversidades de otros, especialmente en países desarrollados? 

Una cinta con más preguntas que respuestas pero que invita a la reflexión y al cuestionamiento. 

UNA MUJER FANTÁSTICA 

A partir de la muerte de la pareja de una joven transexual, que trabaja como mesera de día y cantante en la noche, esta película refleja la intolerancia y el machismo de la sociedad, que aún se resiste a aceptar otros géneros. 

El maltrato y abuso del cual es víctima Marina Vidal, la protagonista, después de la muerte de su pareja, Orlando, quien estuvo casado y tuvo un hijo, es mostrado con gran acierto. El director no incurre en exageraciones, más bien apela a la tristeza y a la soledad que embarga por igual a cualquiera que pierda su compañero de vida.

La Familia de Orlando se niega a aceptar que Marina, dada su condición sexual, pueda tener sentimientos auténticos respecto de éste y que haya tenido un choque con su muerte. Ello se muestra en escenas como la del apartamento donde ambos convivían y que rápidamente le piden desocupar o en las escenas donde le piden no   asistir a su entierro.

En ese sentido la cinta nos muestra los prejuicios que se generan en una sociedad que ha avanzado en la aceptación de los gays pero muy poco en la de los trans: el acoso y maltrato de las autoridades, quienes dudan de las causas de la muerte de Orlando, el desprecio de la ex-esposa y del hijo, los golpes que recibe cuando reclama su derecho a estar en la misa y en el entierro. 

Muy buena actuación la de Daniela Vega, quien ha cosechado varios premios internacionales. Su papel lo desempeña con mucha desenvoltura, y no sólo por su condición trans, sino por la credibilidad que da a su personaje quien no niega su condición, sino que la reafirma buscando su lugar.

A pesar de la dureza en el trato a la protagonista, hay un ánimo y una frescura del personaje para superar con entereza su situación, que nos permite vislumbrar con optimismo el futuro de quienes reclaman lo que merecen. En ese sentido la escena de Marina regresando a sus clases de canto lírico y la escena final dando un recital son un mensaje de esperanza y de fe. 

La música acompaña muy bien las escenas. La canción de despedida, cuando Marina  acompaña el cuerpo de Orlando antes de ser incinerado, es muy elocuente. “Time”, de Alan Parsons, dice “adiós mi amor, tal vez sea para siempre. Quien sabe cuándo nos volveremos a ver”.

El Director Sebastián Lelio, quien caracteriza muy bien a sus personajes, tal como lo hizo en la cinta “Gloria”, resumió en una entrevista lo que pudo ser el éxito de su película “Yo creo que el gran problema es el tono, el tono es el secreto. Y lo otro es la estética, porque bueno, la estética es la ética.”

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