lunes, 30 de julio de 2018

DESPUES DE LA TORMENTA




Director: Hirokazu Kore-eda
Año: 2016
País: Japón
Protagonistas: Hiroshi Abe, Yoko Maki, Kirin Kiki, Satomi Kobayashi


Esta película es una larga conversación que tiene lugar entre 3 personajes, una pareja, ya divorciada, y la madre del protagonista. Lo que ocurre más allá de ellos, ya sea en sus relaciones con su trabajo, con la hermana o con los amigos, resulta marginal.
El centro de los diálogos se desarrolla en la casa materna de Ryota, el personaje principal, en el momento en que todos, en compañía del hijo de la pareja, buscan refugio durante la noche, esperando que pase un tifón.  A través de sus recuerdos, cada uno va develando las frustraciones, porque no se consiguió lo soñado o porque no resultó como se imaginaron. 

La abuela añoraba una vida distinta, la cual no pudo tener pues lucho contra el vicio de su esposo, quien era un jugador y siguió viviendo por 40 años en el mismo apartamento. 

Ryota escribió un libro de éxito, pero después de 15 años no ha creado nada nuevo; la cotidianidad lo tiene agobiado y busca en el juego, al igual que su padre, un escape en un trabajo como detective, que tampoco disfruta.  El peso que arrastra de su niñez por su relación con el padre, sale a flote, pues parece estar repitiendo la historia y esto lo confronta con su pequeño hijo. 

Su ex-esposa siente que la felicidad no llego con el matrimonio y ahora renuncia al amor por una relación de conveniencia, que a su vez permita seguir cubriendo sus gastos. Las mujeres, dice ella, pueden dejar más fácil el pasado, pues "pintan al óleo, no con acuarela". 

Los sueños de todos van quedando de lado y el tiempo va pasando. Es como si todos se resignaran a una situación con la cual no están satisfechos dejando de lado lo que realmente quieren. Una frase se repite a lo largo de la cinta "¿Cómo ha podido mi vida llegar a esto?". ¡Interesante reflexión!

A pesar de todo, no hay lugar a la desesperanza. La abuela busca alargar los momentos de reunión con su familia y maximizar las horas de tranquilidad, esforzándose por la comodidad de todos, con la preparación de sus camas, de una buena cena, y buscando que puedan tener una conversación sin reclamos. Se Trata de aprovechar el momento. 

La complicidad entre las mujeres es manifiesta: ellas aguantan las actitudes infantiles de los hombres, se preocupan por el bienestar de los hijos y por el futuro de la familia. 

La noche termina y la rueda de la vida empieza a girar nuevamente, sin dar tregua, en una inercia que consume los días. 

El momento más especial de la cinta se da en la conversación entre la abuela y su hijo cuando este añora la presencia de su padre y ella le contesta "echarle de menos ahora no va a hacerle volver...hay que hablar con la gente cuando está viva".
La abuela sigue reflexionando sobre la insatisfacción permanente que ve en su entorno y se pregunta:  " Por qué los hombres son incapaces de vivir en el presente? Si no se pierden en algo que creen haber perdido, se pierden en sueños inalcanzables. No se puede disfrutar la vida así."  "No se encuentra la felicidad hasta que se es capaz de desprenderse de ciertas cosas ". 

Unas actuaciones con un ritmo tranquilo, ya que la película se concentra en los diálogos. Para destacar, a Kirin Kiki, en el papel de la abuela, quien transmite gran credibilidad por su bondad y su simpleza. Esta actriz es la misma de la película "una pastelería en Tokio". Así mismo, la del protagonista, Hiroshi Abe, quien no consigue nuestra malquerencia, a pesar de su errático comportamiento. 

Sobre el director. Hirokasu Kore-eda nació en Tokio en 1962. Quiso ser novelista, pero se dedicó al cine. Tiene una amplia filmografía tanto de documentales como de películas, en las que debutó en 1995. En su país destacan la influencia que tuvo de otro gran director, Yasujiro Ozu. Es reconocido por reflejar la vida del Japón contemporáneo. Su estilo combina el drama y la comedia. "Siempre he pensado que en los guiones es importante compensar el drama con risas", manifestó en una entrevista. 



jueves, 21 de junio de 2018

EN LA PENUMBRA Y PROYECTO FLORIDA: DOS DIRECTORES INDEPENDIENTES


EN LA PENUMBRA (IN THE FADE).


Director: Fatih Akin
Año: 2017
País: Alemania
Protagonistas: Diane Kruger, Numan Acar, Samia Chancrin, Denis Moschito


El atentado del cual es víctima su esposo y que causa su muerte y la del pequeño hijo de ambos, trastoca por completo la vida de Katja. A partir de ese momento solo tiene una motivación: que se haga justicia. 

En la investigación que se sigue por los crímenes, hay un sesgo para hacer aparecer a su esposo, Nuri, como culpable, en lugar de víctima. El reúne todos los elementos para que se presuma su culpabilidad: Es Kurdo, musulmán, y estuvo en la cárcel por traficar con droga. Coctel peligroso en momentos como los actuales, donde es sospechoso el solo hecho de ser inmigrante. Aunque la conducta de Nuri cambió desde su salida de prisión, todos lo señalan y no quieren ver otros culpables, menos dentro de sus propios conciudadanos. Solo Katja y su abogado, amigo de él, creen y luchan por su inocencia y porque se juzgue a los verdaderos responsables.

En el juicio, cuando por circunstancias excepcionales se detiene a los asesinos, se pone en tela de juicio el comportamiento de Katja y el de su marido, más que el de los victimarios, y por falta de pruebas contundentes los culpables quedan libres. Este hecho es demoledor para la protagonista, quien se obsesiona con perseguirlos y ello conduce a un dramático final. 

Esta película destaca la xenofobia, que está presente aún en el espacio cerrado del círculo familiar. Ser extranjero involucra, de entrada, una carga de responsabilidad. La madre de Katja reprocha la conducta del yerno pues cree que provocó que atentaran contra su vida. La justicia también es cuestionada (¡estamos hablando de Alemania!!), pues impide que los culpables sean juzgados, cuando los abogados apelan a meros tecnicismos.

Al margen de todo lo que devela la cinta respecto de la situación de los inmigrantes, el prejuicio de quienes los reciben, los nacionalismos presentes y en crecimiento, la justicia que cojea, la película nos lleva por el dolor desgarrador de Katja ante la muerte de los seres queridos. Diane Kruger, quien la personifica, nos hace cómplices en la búsqueda de un camino de redención, que finaliza de la manera menos esperada.  

Fatih Akin, el director de la película, es un cineasta alemán, de ascendencia turca. Esta película fue seleccionada a la Palma de Oro en el festival de Cannes, así como para representar a Alemania en los premios Oscar 2018.

PROYECTO FLORIDA


Director: Sean Baker
Año: 2017
País: Estados Unidos
Protagonistas: Brooklynn Prince, Willem Dafoe, Bria Vinaite


Sin desarrollar una historia convencional, esta cinta nos lleva de la mano de sus personajes por un mundo de contrastes. El de la inocencia de la niñez frente a los resentimientos y prevenciones de la adultez. El mundo mágico de los parques de diversiones de Orlando, frente al mundo marginal de quienes viven en sus alrededores. la precariedad económica de quienes residen en un motel frente al bolsillo roto de los turistas. El de la amistad auténtica que surge en la niñez frente a la amistad interesada de la madurez. 

Eso es lo que captamos en la relación que Moonee, una pequeña de 6 años, tiene con sus pequeños amigos, en los juegos que se inventan para pasar el día y en las trampas a la pobreza para conseguir algunos gustos. Los niños pueden estar ajenos a los problemas mientras puedan soñar, disfrutar y no tener conciencia del mundo adulto. 

En paralelo, la vida de los mayores como Halley, la madre de Moonee, transcurre con las angustias propias de quienes tienen limitaciones para enfrentar sus obligaciones; viviendo en habitaciones de moteles baratos, junto con sus hijos, al lado de condominios abandonados, producto de la crisis hipotecaria de Estados Unidos. La magia del dinero y del lujo americano no es para todos y la vida de carencias no es exclusiva de los inmigrantes. Es el Estados Unidos lejos del sueño americano,  fuera de las posibilidades de muchos de sus ciudadanos, quienes terminan tan marginados y excluidos como muchos extranjeros. 

No obstante, el entorno, la película es esperanzadora porque con los ojos de Moonee disfrutamos de las pequeñas aventuras de la niñez que se pierden cuando, ya de adultos, se deben asumir responsabilidades y obligaciones. Es el caso de Halley, la madre de la pequeña, quien debe rebuscar su sustento y termina involucrándose en la prostitución, poniendo en peligro la custodia de su hija, pues ya había estado en prisión.

La hermosa y espontánea actuación de Brooklynn Prince, quien interpreta a Moonee, es lo más refrescante de la película; el personaje de William Dafoe es tan natural y compasivo, lejos de los personajes de carácter que ha interpretado en otras películas. La escena más impactante, la final, cuando la niña busca el consuelo de su amiguita y por primera vez la vemos llorar cuando toma conciencia de la dura realidad. Una escena memorable. 

Una película que nos muestra que no se necesitan grandes historias, es más, ni siquiera una historia, para entender esos submundos, a través de los actos del día a día. 

El director Sean Baker, cineasta estadunidense independiente, escribe dirige y produce muchas de sus películas. Otras de ellas son “Contra la pared”, “Al otro lado”.


domingo, 6 de mayo de 2018

Dos películas extranjeras en los Oscar:una mujer fantástica y the Square



THE SQUARE


Esta película, que no es fácil de digerir, nos muestra a través de contrastes temas como los de la libertad de expresión, el arte versus el mercadeo de éste, el mundo de la élite frente al de los marginados. El espectador se siente confrontado con situaciones que no se resuelven, sino que, por el contrario, quedan a su libre interpretación.

El protagonista, Cristian, es el curador de un museo en Suecia, y a través de las exposiciones que organiza, nos deja ver algunas obras controversiales. En una de ellas, un performance, un hombre imita a un orangután y asume de tal manera su rol que olvida que es humano. Otra, una instalación de pequeñas montañas de piedra, es alterada por el aseador cuando realiza su oficio y simplemente se reconstruye sobre una foto anterior. La otra instalación es The Square (el cuadrado), que da el título a la película; de acuerdo con palabras de la artista, es "un santuario de confianza y solidaridad. Dentro de sus límites todos tenemos los mismos derechos y obligaciones". 

A partir de las obras se derivan inquietudes sobre lo que puede considerarse o no arte, si esta debe transmitir o no un mensaje, que tanto tiene que ver el reconocimiento de una obra con la promoción que se haga de ella.

Así mismo, a través de Cristian, una persona con mente abierta y liberal, se muestran los límites a la tolerancia, cuando los acontecimientos involucran su situación personal. El caos generado por el robo del cual fue víctima, confronta sus convicciones y muestra su fragilidad.  El círculo en el cual se mueve el protagonista, en una sociedad como la sueca, con altos estándares de respeto, mantiene distancia con quienes "no son como nosotros”. Esta es una paradoja frente al mensaje de la obra "Square", que en teoría es impecable. 

Los límites a la libertad de expresión, son cuestionados. Un vídeo que se realiza para promover una obra de arte, sobre una niña indigente que estalla a consecuencia de una bomba, ¿debería vetarse, o en aras de la libertad de expresión permitirse? ¿Qué hay de mercadeo y que hay de verdad en explotar los sentimientos de culpabilidad de los ciudadanos, frente a las adversidades de otros, especialmente en países desarrollados? 

Una cinta con más preguntas que respuestas pero que invita a la reflexión y al cuestionamiento. 


UNA MUJER FANTÁSTICA 

A partir de la muerte de la pareja de una joven transexual, que trabaja como mesera de día y cantante en la noche, esta película refleja la intolerancia y el machismo de la sociedad, que aún se resiste a aceptar otros géneros. 

El maltrato y abuso del cual es víctima Marina Vidal, la protagonista, después de la muerte de su pareja, Orlando, quien estuvo casado y tuvo un hijo, es mostrado con gran acierto. El director no incurre en exageraciones, más bien apela a la tristeza y a la soledad que embarga por igual a cualquiera que pierda su compañero de vida.

La Familia de Orlando se niega a aceptar que Marina, dada su condición sexual, pueda tener sentimientos auténticos respecto de éste y que haya tenido un choque con su muerte. Ello se muestra en escenas como la del apartamento donde ambos convivían y que rápidamente le piden desocupar o en las escenas donde le piden no   asistir a su entierro.

En ese sentido la cinta nos muestra los prejuicios que se generan en una sociedad que ha avanzado en la aceptación de los gays pero muy poco en la de los trans: el acoso y maltrato de las autoridades, quienes dudan de las causas de la muerte de Orlando, el desprecio de la ex-esposa y del hijo, los golpes que recibe cuando reclama su derecho a estar en la misa y en el entierro. 

Muy buena actuación la de Daniela Vega, quien ha cosechado varios premios internacionales. Su papel lo desempeña con mucha desenvoltura, y no sólo por su condición trans, sino por la credibilidad que da a su personaje quien no niega su condición, sino que la reafirma buscando su lugar.

A pesar de la dureza en el trato a la protagonista, hay un ánimo y una frescura del personaje para superar con entereza su situación, que nos permite vislumbrar con optimismo el futuro de quienes reclaman lo que merecen. En ese sentido la escena de Marina regresando a sus clases de canto lírico y la escena final dando un recital son un mensaje de esperanza y de fe. 

La música acompaña muy bien las escenas. La canción de despedida, cuando Marina  acompaña el cuerpo de Orlando antes de ser incinerado, es muy elocuente. “Time”, de Alan Parsons, dice “adiós mi amor, tal vez sea para siempre. Quien sabe cuándo nos volveremos a ver”.

El Director Sebastián Lelio, quien caracteriza muy bien a sus personajes, tal como lo hizo en la cinta “Gloria”, resumió en una entrevista lo que pudo ser el éxito de su película “Yo creo que el gran problema es el tono, el tono es el secreto. Y lo otro es la estética, porque bueno, la estética es la ética.”








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martes, 20 de marzo de 2018

MATAR A JESUS




Directora: Laura Mora Ortega
Año: 2017
País: Colombia
Protagonistas: Natasha Jaramillo, Giovanny Rodríguez

Desde la estrategia del caracol, no me había conmovido tanto una película colombiana como esta de "Matar a Jesús".  Haber vivido en Medellín permite conocer la dualidad de una ciudad que se comporta como el personaje del libro “El Dr. Jekyll y Míster Hyde”, que muy bien refleja la cinta.

A partir de una historia personal, el asesinato del padre de Paula la protagonista, en el año 2002, se nos muestra la realidad de Medellín. José María, que así se llamaba, estaba vinculado con la universidad pública, en una época de enfrentamiento y connivencia entre distintos bandos: guerrilla, mafia y paramilitares que impedían clarificar los motivos de muchos de los crímenes cometidos.

A partir de la muerte del profesor y la búsqueda de venganza por parte de Paula, la directora logra capturar esa otra urbe más allá del mundo sicarial, aunque el protagonista, Jesús, es un sicario; más allá de los estereotipos de la mafia y de los paramilitares, que, aunque no evidentes, están presentes. Esa perspectiva, con una mirada de realidad, pero también de compasión, es el mayor logro.  

Los giros que surgen cuando Paula hace contacto con Jesús, le imprimen un ritmo muy dinámico a la película. El temor de que lo peor puede suceder en cualquier momento, mantiene la tensión. El escenario que sirve de fondo es el de una ciudad que limita las oportunidades para muchos jóvenes; donde matar se puede convertir en un trabajo como cualquier otro; donde las diversiones se reducen a beber, fumar marihuana y ver fútbol; donde la mamá es el único lazo afectivo serio.

Mantener la película al límite, sin estereotipos y sin caer en el camino fácil del romance o de la violencia explícita, lo logra la directora explorando los sentimientos de sus protagonistas. Hace visible el amor a la familia de un hombre que aparentemente es un monstruo, no para justificarlo sino para entender su historia. La escena en el cuarto de Jesús, cuando este le ofrece una tasa de agua panela a Paula, como muestra de apoyo, después de que ella fue robada y golpeada, es un ejemplo. 

Las situaciones dependen en buena parte de las circunstancias, y la película invita al espectador a evitar los juicios sobre los personajes. Para el sicario un asesinato es un trabajo y morir asesinados es su destino, para Paula la búsqueda de la verdad por su cuenta, ante la inoperancia de la justicia, es un compromiso con ella y con su padre. 

La sed de venganza que empieza siendo el leitmotiv, termina cediendo paso a la compasión y el perdón para frenar la violencia, pues cuando Paula tiene la ocasión de ejecutarla, renuncia a ella. De hecho, la escena final, cuando Paula bota el arma, es un símbolo para abrir espacios diferentes a la venganza. Como lo dijo su directora en una entrevista "esta es una película sobre resistirse a la violencia”.

La historia hace recordar a un escritor como Fernando Vallejo, quien describe a una Medellín capaz de grandes sacrificios, que genera ternura, pero que al mismo tiempo es foco de violencia y de venganza, en medio de la desigualdad. 

Hay unas imágenes muy bellas, cuando los protagonistas aprecian la ciudad desde una planicie o las tomas nocturnas que, a través de las luces, nos muestran un territorio densamente poblado. Igualmente, hechos muy propios de la cotidianidad paisa como las motos y bicicletas descendiendo de las lomas, los bailes en las calles en diciembre o el rezo de la novena en las casas. En contraposición, hay escenas muy oscuras que se vuelven pesadas como la de los bailes en los bares.

Alrededor de Paula y de Jesús, ambos actores naturales, gira toda la película. La actuación de Jesús, un joven sin educación, que a pesar de su oficio es capaz de tener sentimientos nobles, luce muy auténtica. La de Paula se destaca en su dolor a través de los silencios.

La música se acompaña muy bien en momentos clave cuando se apagan las voces de los personajes y solo se oye la música de fondo; en la muerte del profesor, por ejemplo, cuando madre e hija lloran, o en el recorrido en taxi en medio de las risas, cuando Paula y sus amigos van a bailar. 

En resumen, una historia muy bien contada, a partir de la cual se describe una Medellín donde a pesar de la violencia, queda espacio para el amor y la belleza. 





lunes, 12 de marzo de 2018

Vietnam y Watergate: Dos escándalos de película



La guerra de Vietnam y el escándalo Watergate, dos acontecimientos que marcaron la historia de los Estados Unidos, se cuentan en dos películas recientes: “The post” y “El informante”. La perspectiva de una de ellas es la del Director adjunto del FBI; la otra, es desde la redacción del periódico Washington Post. Ambas recrean hechos de los primeros años de la década del 70 y cuentan con reconocidos actores que, en la pantalla, le dan credibilidad a lo sucedido. 

THE POST


Director: Steven Spielberg
Año: 2017
País: Estados Unidos
Protagonistas: Meryl Streep, Tom Hanks, Bob Oderkirk, Sarah Paulson

Desde finales de los 60's, el pueblo americano tiene dudas sobre la validez de la participación de Estados Unidos en la guerra de Vietnam, hay cansancio, desesperanza y poca confianza sobre su éxito. 

Un funcionario del Pentágono, de manera clandestina, entrega al New York Times -NYT- documentos clasificados “Relaciones entre Estados Unidos y Vietnam 1945-1967: un estudio del Departamento de Estado", donde lo que se evidencia es que la guerra se pierde, que hay manipulación de las elecciones en Vietnam y que el ejército se encuentra desmotivado y asustado, a diferencia de lo que dicen los funcionarios oficiales.

El NYT toma la decisión de publicar estas verdades y se enfrenta al presidente Nixon, quien los demanda, alegando que se atenta contra la seguridad nacional. Posteriormente la información llega al Washington Post y su Presidente, la Sra. Graham, tiene que decidir si publica la información que recibe. 

Paralela a esta historia, y muy bien desarrollada, se nos presenta en la cinta la situación por la cual atraviesa el periódico Washington Post, quien salió a emitir acciones en bolsa para capitalizar la empresa, encontrándose en un momento económico decisivo.

Los momentos previos a la decisión de publicar o no la información de los documentos secretos, teniendo en cuenta las circunstancias que los rodean, se vuelve el foco de la película. El competidor de noticias, el NYT, enfrenta el poder presidencial y una posible censura, al interior del Washington Post se vive una pugna entre la posición de los directores y la del editor y sus reporteros, la Sra. Graham tiene que mantener la confianza de sus potenciales inversionistas y de su Junta. 

La lucha que enfrenta la Sra. Graham, reivindica el rol que jugó esta mujer para mantener la empresa que compro su padre, dirigió su marido y que, después de su suicidio, ella tuvo que liderar en condiciones económicas difíciles. Una mujer que trabajó con una Junta conformada solo por hombres que poco confiaban en su competencia. En una entrevista, a propósito de la película, la actriz Meryl Streep
quien la caracteriza, definió muy bien la situación que afrontaba "no sólo dudaban de ella sus oponentes, también sus amigos ...es algo que implica una gran soledad”. El papel de la Streep es ponderado, calmado, pero de gran firmeza frente a las decisiones claves. 

Tom Hanks hace el papel de Benjamín Bradlee, el editor jefe de WP, quien debe luchar contra el tiempo y las presiones políticas y jurídicas para difundir sus investigaciones y defender la libertad de prensa sin restricciones.

Resalto en ambos actores que dejan ver más la historia que los personajes que representan, es decir, a pesar de sus buenas actuaciones no opacan lo que la película quiere mostrar: la importancia de la libertad de prensa, el hacer causa común frente a los atropellos, la defensa de la primera enmienda en Estados Unidos.

Una película muy oportuna para el momento actual, en la lucha que mantiene el Presidente Trump con la prensa y que da esperanza sobre la fortaleza de las instituciones, la cuales deben prevalecer sobre los individuos, incluso si se trata del primer mandatario.

Aunque el tema de la intervención de la guerra en Vietnam no se resuelve en la película, queda en evidencia el principio del fin, una vez se destapan los escándalos.

La película termina con la insinuación de un robo en el edificio Watergate...

EL INFORMANTE


Director: Peter Landesman
Año: 2017
País: Estados Unidos
Protagonistas: Liam Neeson, Diane Lane, Tony Goldwyn, Josh Lucas

Se narran en esta película los hechos previos a la dimisión del Presidente Richard Nixon y que configuraron el llamado escándalo Watergate, en 1972. Esta vez y a diferencia de la cinta” los hombres del presidente", que relató el escándalo desde la óptica del periodismo, la historia se cuenta con la mirada del Director adjunto del FBI para la época: Mark Felt. El guion está basado en el libro que él mismo escribió junto con John O ‘Connor,” A G Man's life".

Todo inicia con un robo a las oficinas del partido demócrata, poco antes de las elecciones en Estados Unidos, en las cuales se presenta Richard Nixon para su reelección. Un aparente delito menor empieza a ahondarse y salen a relucir las grabaciones, por parte de los Republicanos, a la campaña Demócrata. La difusión de los hechos a la opinión pública contó, entre otras, con la colaboración de un informante, al que los periodistas del Washington Post apodaron "garganta profunda". (La película con ese mismo nombre rompía récords de taquilla por esos días). 

Este momento coincide con la muerte del Director J Edgar Hoover, quien por 45 años estuvo al frente del FBI. La llegada de su reemplazo, un hombre de las entrañas del Presidente, Patrick Gray, dispuesto a servir a los intereses de la administración Nixon y sin conocimiento interno de la entidad, crea choque e insatisfacción dentro de los demás funcionarios.

El afán de Nixon y sus asesores de enterrar el caso Watergate ante evidencias contundentes, y el enojo de Mark Felt por no haber sido nombrado Director en el FBI después de 30 años, lo llevan a entregar a escondidas información a la prensa, convirtiéndolo en informante estrella. Vale la pena mencionar que solo en el 2005 y gracias a una entrevista que concedió a Vanity Fair, se vino a saber que Felt era "garganta profunda". 

Paralelo al escándalo, la cinta nos presenta la situación personal del Director Felt con su hija desaparecida y la relación con su esposa, que resultan inocuas y fuera de contexto. 

La actuación de Liam Neeson como el protagonista de la historia, es muy acorde al perfil del personaje: introvertido, riguroso, frio. Lo que sí resulta forzado es vender a Felt como un hombre sin tacha, ajeno a los métodos de una administración tan cuestionada como la de Hoover, la cual, presumiblemente, recurrió a torturas, persecuciones y chantajes, y en la que trabajo por tantos años. 

Interesante la presentación de la agencia de investigaciones como un ente que debe enfrentar presiones hasta del mismo Presidente, y muy actual por lo que ha pasado con el Mandatario Trump y el escándalo respecto a las elecciones, con la intromisión de Rusia, que también se ha tratado de ocultar.

¿Será que surge otra garganta profunda?






viernes, 26 de enero de 2018

LA FORMA DEL AGUA


Director: Guillermo del Toro
Año: 2017
País: Estados Unidos
Protagonistas: Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Richard Jenkins, Octavia Spencer, Michael Stuhlbarg.


¿Qué decir de una película como la forma del agua, ganadora de premios en varios festivales y nominada para los premios Óscar de 2018, en varias categorías?

Primero, que genera una expectativa mayúscula la cual predispone a encontrar una cinta especial. Segundo, un director como Guillermo del Toro con películas como el laberinto del fauno, ha dejado su sello personal, por el tema, la belleza de sus imágenes y la honestidad para abordar los argumentos. Tercero, que, tal como es promocionada, se espera ver en "la forma del agua", una relación de una mujer con un ser "inusual", por decir lo menos, que despierta curiosidad e interés. El resultado, sin embargo, después de ver la película, es agridulce y considero, no se compadece con el apoyo y reconocimiento alcanzados. 

Está ambientada en la década de los 60's en plena guerra fría entre Estados Unidos y Rusia y logra un clima de la época en muchos de los recursos: la luz, la música, la ciudad. El ritmo, no obstante, es tan irregular que solo se rescatan buenos momentos a través de escenas muy bellas. En efecto, aquella del baño de la protagonista, Elisa, quien es muda, con el animal anfibio en el baño de su casa o la escena final, cuando la bestia huye con Elisa mar adentro, quedan en nuestra mente. Igualmente, es significativo el homenaje a películas musicales, en blanco y negro, a través de los extractos mostrados.

El desorden que surge en el interregno, al querer abarcar elementos interesantes y que siguen siendo de actualidad como el machismo (en la relación de su amiga Zelda con su esposo), el acoso laboral (del cual es objeto Elisa con el jefe de seguridad), la discriminación gay (en el aislamiento de su vecino y mejor amigo), no alcanza el logro de otras películas del Director que, aunque mezclan la realidad y la fantasía, no pierden su propósito.

El tema parece repetir historias como la de la bella y la bestia o la de King Kong, por la relación que surge entre una mujer y un animal (¿un animal?) a quien se  le despiertan sus sentimientos, visto eso sí, con la mirada personal del Director quien, sin duda, no tiene temor a arriesgarse con todos los aspectos de fábula y ficción.

La relación de dos seres relegados, la una por el abandono cuando era niña y por su sordera y el otro por su naturaleza especial, de hombre-animal, considerada objeto de adoración en los ríos de Suramérica, permite acercarse a dos soledades que encuentran un espacio para compartir, pero que no acaba por desarrollarse en la cinta. 

Al final, nos quedan en la mente momentos memorables, pero sin convencimiento sobre la forma en la cual se desenvuelve el argumento. 




viernes, 19 de enero de 2018

EGON SCHIELE


Director: Dieter Berner
Año: 2016
País: Austria
Protagonistas: Noah Saavedra, Maresi Riegner, Valerie Pachner, Marie Jung

Biopic (película biográfica), sobre el pintor austriaco, de primeros años del siglo XX, exponente del expresionismo austriaco, nacido en 1890 y muerto prematuramente a la edad de 28 años.

La película nos presenta, a partir de los eventos más importantes, los últimos 10 años del artista. Enfatiza en la relación con su hermana, con su amante, con su esposa, con Augusto Klimt (pintor Austriaco de gran renombre, 1862 -1918, destacado por la ornamentación de sus pinturas); y enmarca dos acontecimientos claves en su vida: la primera guerra mundial y el encarcelamiento del que fue víctima. Este último hecho, por la acusación de secuestro y de revelar “pornografía” a menores.

El inicio en su oficio fue a temprana edad; a los 16 años se vinculó con la academia de bellas artes de Viena, de la cual fue expulsado porque poco se adaptaba a los cánones establecidos. Su hermana, Gertrude, 4 años menor que él, fue su modelo para las pinturas de desnudos y sobre esta relación hubo muchas especulaciones, en el sentido de que fueran más allá de lo filial, lo que apenas se insinúa en la cinta. Muy jóvenes quedaron huérfanos de padre, cuando Egon tenía 15 años. Su padre enloqueció por la sífilis y este hecho siempre lo recordaría.

A Klimt lo consideró su maestro y sus primeras obras fueron marcadas por este artista. La modelo que trabajaba para Klimt, Wally, fue la amante de Egon y también sirvió como su modelo. Esta relación se nos muestra como la más profunda que tuvo el pintor, terminada por su decisión de contraer matrimonio por conveniencia con Edith Harms, su vecina burguesa. Precisamente, la despedida de Wally da el título a una de sus obras, con la cual se subtitula la película, “la muerte y la doncella”. Egon y Wally no vuelven a encontrarse y ella muere poco después sirviendo para la cruz roja en la I guerra mundial.

Tanto la guerra, a la cual fue incorporado, no en el frente sino dentro del personal administrativo, y la cárcel, en la cual estuvo confinado por 1 mes, marcaron profundamente a Schiele, en especial porque lo mantenían alejado de su pasión por pintar. Este perfil, de un hombre dedicado a su arte, se muestra con mucha claridad a lo largo de la película, pintar como una obsesión, como una razón para vivir. Las innumerables obras que alcanzó a realizar en un periodo de tiempo tan corto: 340 pinturas y 2800 acuarelas y dibujos, dan fe de esta labor.

Egon Schiele generó un estilo propio, poco entendido por la audacia de sus desnudos explícitos, tanto de mujeres como en sus propios autorretratos. En la película se resalta el reconocimiento que le hizo un artista como Klimt a su obra, el apoyo que le dio y el que, siendo tan joven, tuvo oportunidad de exponer su trabajo de manera individual y alcanzar reconocimiento.

Después de su casamiento, Egon sólo sobrevivió 3 años. Su relación con Edith estuvo marcada por las ausencias pues él fue enviado a Praga y su esposa era quien lo visitaba. Víctima de la epidemia de gripa que azotó a Europa en estos años (20 millones de personas murieron en el año 1918 por esta causa), muere Edith y a los 3 días Egon, sin que su hermana, siempre leal y presente, pudiera hacer nada para evitarlo. El atraso de la medicina convirtió esta enfermedad en mortal.

La película retrata bastante bien el oficio del pintor, muy bien caracterizado por Noah Saavedra, para quien, incluso por encima de sus relaciones familiares y sentimentales, estaba su arte. Las mujeres que rodearon su vida, su hermana, su amante, su esposa, jugaron un papel secundario frente a la pintura: El arte por encima de los sentimientos.

Más que cualquier interés comercial, o el afán de ser comprendido, buscó su propio camino, y en él se empeñó con toda dedicación y convencimiento. A pesar de ser tratado de pornográfico, a pesar de que su arte se alejaba de lo que se consideraba bello, a pesar de lo difícil de la venta de sus cuadros (solo al final de sus días, en la exposición de 1918 se vendieron la mayoría de sus cuadros), Egon Schiele persistió. Y es el reflejo de esta búsqueda personal, el mayor logro de la película.





LOS DOMINGOS

  Directora: Alauda Ruiz de Azúa País: España Año: 2025 Reparto: Blanca Soria, Patricia López Arnaiz, Nagore Aranburu, Juan Minujin...