LAS ILUSIONES PERDIDAS

Director: Xavier Giannoli

País: Francia

Año: 2021

Reparto: Benjamin Voisin, Xavier Dolan, Cecile de France, Salomé Dewaels, Vincent Lacoste, Gerard Depardieu, Jeanne Balibar

Esta película tuvo 15 nominaciones a los premios Cesar

Para quienes admiramos la obra del gran escritor francés Honorato de Balzac, tener la oportunidad de ver representado una de sus más entrañables novelas como es “Las ilusiones perdidas”, siendo fiel a la esencia de su texto y a sus personajes, es un verdadero tesoro.

La magnífica producción francesa cuenta con una impecable ambientación, excelentes actores y una puesta en escena que, gracias a la voz en off y al énfasis que tienen los diálogos en momentos claves de la obra, la hacen comprensible aún para quienes no hayan leído su texto. El recuento que se va haciendo de los acontecimientos con extractos sobre las reflexiones que hace Balzac en su novela permiten ese acercamiento al espíritu de su obra.

El protagonista de “Las Ilusiones perdidas”, Luciano de Rubempré, es un hombre destacado en la pléyade de personajes de “la comedia humana” -el compendio de los libros de Balzac que retratan con realismo los finales del siglo XVIII y la primera mitad del XIX en Francia-. Se trata de un joven de provincia, idealista, inteligente, sensible, amante de la poesía, que es seducido por París, ciudad en la que prevalece una clase aristocrática y en donde empieza a surgir una burguesía arribista que ambiciona los privilegios de aquella: “la nueva aristocracia era la del dinero”.

Luciano ignora el mundo de las intrigas al cual debe enfrentarse y los caminos que se deben recorrer para acceder a un lugar de reconocimiento en él, pues en un ambiente dominado por las apariencias y la hipocresía solo importan las influencias para ascender y los favores que se puedan otorgar para permanecer. Este círculo social que empieza a descubrir lo embriaga y lo absorbe llevándolo a abandonar su propósito inicial como escritor: “Que era Luciano en este mundo de ambiciones? Un niño que corría tras los placeres de la vanidad sacrificándolo todo a ellos”.

Llegado a Paris de la mano de la condesa Louise de Bargeton, patrocinadora de su primer libro de poemas titulado “Las margaritas” y quien se convierte en su primer amor, muy pronto debe dimensionar sus pretensiones pues no tiene títulos ni riquezas. Gracias a su talento y al apoyo de parte de Lousteau, jefe de redacción de un pequeño periódico liberal, provinciano y con intereses intelectuales como él, accede como redactor. En él se imprimen diariamente en un par de hojas las críticas a las obras de teatro que se presentaban (entretenimiento más popular y rentable de la época), a los libros publicados y así mismo se hacían referencias a personajes de la aristocracia. Al igual que Luciano, Lousteau tuvo en sus inicios ilusiones como escritor, pero terminó aceptando que como jefe de redacción “mi trabajo es enriquecer a los accionistas del periódico y de paso recolectar todo lo que es posible”.

La pluma afilada de Luciano pronto se destaca y rápido también aprende a moverse en ese mundo donde las críticas se negocian, los halagos se pagan y todo escrito es un artículo que se compra o se vende “El propósito no era informar al lector sino halagar sus opiniones o más bien, creárselas”. La escena donde Lousteau y Luciano hablan de aquel entorno y en particular sobre un buen libro de Nathan, novelista de moda, pero sobre el cual deben hacer una crítica demoledora, es de un cinismo total a partir del juego de frases ingeniosas entre ambos: “la polémica es lo más importante, es lo que hace hablar y por lo tanto vender”.

En el mundo del espectáculo Luciano conoce a Coralie, una actriz de bulevar que se convierte en su amante y con la que pretende sostener un mundo de desenfreno y de lujo, donde empieza a malgastar por encima de sus posibilidades.

No satisfecho con su situación de plebeyo, Luciano busca inútilmente la manera de acceder a un título de la nobleza a través del apellido de su madre, y con la aparente ayuda de la condesa de E’spard, prima de La baronesa de Bargeton, quien lo había rechazado en un principio por su condición social y por su falta de roce con la clase aristocrática.

Luciano empieza a hacer lo necesario para conseguir su propósito: asiste a fiestas con los jóvenes de la nobleza, hace parte de sus juergas y de sus derroches, renuncia al diario que lo apoyó y se dedica a trabajar con el diario fundado por la contraparte monárquica, a la que tanto criticó.

Muy pronto se ve acosado por las deudas, embargados sus bienes y en esta lamentable situación es preso de las trampas de aquellos a quienes despreció o que simplemente vieron en él a un “aparecido” que deberían quitar del camino.

En el desenlace final cuando Luciano se encuentra sin alternativas, dos hechos se encargan de hundirlo definitivamente: la obra de teatro del escritor Racine que va a representar su amante Coralie, por la que pagó para que ella fuera elegida como su protagonista y, los textos que le pide escribir su primer jefe en el diario en el cual se inició, prometiéndole publicarlos de manera anónima dadas las revelaciones privadas que hará Luciano sobre personajes conocidos por el público. La preparación de su caída es dispuesta de manera meticulosa por todos aquellos que desean regodearse con su fracaso pues “tuvo la torpeza de mostrar su éxito y peor aún, su felicidad”. En la última escena, que difiere un poco de la del libro, se insinúa el camino que tomará Luciano.

Esta película anima a releer o a introducirse en la lectura de las obras de Honorato de Balzac, las cuales siguen vigentes después de más de siglo y medio de haber sido escritas. Nadie como él, supo describir de manera tan fidedigna la condición humana, con sus oscuridades como la envidia, el odio, la mezquindad, la avaricia, pero también con su inmensidad a través de la generosidad y la capacidad de sacrificio.

Del Director: Xavier Giannoli es director, guionista y productor. Nació en Francia en 1972. Otras de sus películas: “Marguerite”, “La aparición”, “Crónica de una mentira”, “El cantante”, “Superstar”,

 

 

 

 

 

“LUNANA” Y “UN HEROE”

LUNANA (Un yak en el salón de clase)

Director: Pawo Choyning Dorji

País: Bután

Año: 2019

Reparto: Sherab Dorji, Pem Zam, Gurung Ugyen, Tshering Dorji, kelden Lhamo

Esta preciosa película, nominada a los premios Oscar 2022 en la categoría internacional, es el debut de Pawo Choyning Dorji como director. Realizada en Bután, país que representó y del cual la mayoría tenemos pocas referencias, esta cinta nos deleita con sus espectaculares paisajes que van desde llanuras hasta las inmensas cumbres del Himalaya. Bután está localizado entre China e India, con una población que no sobrepasa el millón de habitantes.

La belleza de la naturaleza gana relevancia en este filme frente al guión que, aunque simple, sirve de fondo para destacar la riqueza del medio ambiente en Bután y para valorar la importancia de las cosas simples, que están allí para ser conservadas y apreciadas.

Ugyen, el joven protagonista, vive con su abuela en la capital de Bután, Timbu, donde estudia para graduarse como maestro. Su insistencia para cambiar de oficio y el deseo de viajar a Australia, pues no le satisface su situación actual, llevan a su mentor a tomar la decisión de trasladarlo a la escuela más remota del país con el propósito de cumplir con su práctica. Llegar allí tarda 7 días a pie, escalando grandes alturas y descendiendo peñascos, hasta encontrar la planicie donde se establecen las pocas casas de la comunidad a la cual es remitido.

Una vez instalado en el pequeño pueblo donde viven estas familias, alejados de cualquier centro urbano, carentes de electricidad y de muchas de las facilidades de la modernidad, se da cuenta del interés que “el maestro” despierta en sus habitantes. Para los niños, por su deseo de aprender y para los adultos porque consideran admirable esta profesión, que involucra una enorme responsabilidad y compromiso con quienes encarnan el futuro.

Lo que en un principio no despertó ningún interés para Ugyen, lo confronta con un mundo rural desconocido y con unos personajes que le enseñan a valorar el medio ambiente, y a cuidar especialmente del agua y de un animal que es esencial para la supervivencia en estas alturas: el Yak. Este último es de utilidad para cargar, para arar, como alimento por su carne y por su leche; hasta sus excrementos se utilizan como combustible.

Ugyen aprenderá a apreciar los esfuerzos de sus habitantes ante las difíciles circunstancias y buscará motivar a sus alumnos y no defraudar a los adultos que tan bien lo acogieron.

Este filme muestra la confrontación entre la visión urbana y la vida rural y la importancia de cuidar el entorno cuando la supervivencia depende únicamente de los miembros de la comunidad. Los hermosos paisajes se acompañan con canciones que cuentan en su letra las historias del pueblo y que invitan a compartir el amor por aquellos seres y elementos del entorno.

Dos escenas vale la pena resaltar. La del Yak viejo que regalan al profesor y que mantiene en su salón de clase (de allí el subtítulo de la película) y aquella donde una joven cuenta al maestro la anécdota de la canción sobre el sacrificio al cual fue sometido el Yak más poderoso del pueblo cuando tuvieron necesidad de comida y fue el escogido para morir mediante una selección aleatoria.

Al final, cuando Ugyen deja el pueblo donde se ha ganado el aprecio de sus habitantes y puede viajar a Australia, confronta la paradoja de la vida: lo que creía un castigo cuando lo enviaron a ejercer en ese recóndito lugar, no fue tal y por el contrario aprendió de sus alumnos y de su gente; Australia en cambio, sobre la cual tenía grandes expectativas, no fue el sueño dorado que imaginó.

Una película para salir reconfortado después de verla.

Del director: Pawo Choyning Dorji es un cineasta y fotógrafo, nacido en India en 1983. “Lunana” es su debut como director, como mencionamos.

 

UN HEROE

Director: Asghar Farhadi

País: Irán

Año: 2021

Reparto: Amir Jadidi, Sarina Farhadi, Sahar Goldoost, Mohsen Tanabandeh

Ganadora del Gran Premio del jurado en Cannes 2021

Esta película del reconocido y premiado director iraní Asghar Farhadi, quien ha dirigido películas que llegaron a nuestra cartera comercial como “Una separación” y “El cliente” (reseñada en este blog  http://dardoalinfinito.blogspot.com/2017/07/), aborda situaciones que son recurrentes en su filmografía: hechos aparentemente de fácil resolución pero que se van complicando en la medida en que se involucran personas, interpretaciones distintas y circunstancias que tienen que ver con la cultura o con la religión.

Al desarrollar estos acontecimientos en el contexto de su país, Irán, el director realza con gran acierto las particularidades respecto a la situación de la mujer, a la concepción del matrimonio, al entorno familiar, a la importancia de la tradición y de la palabra.

Esta cinta nos confronta con dilemas éticos a través de los problemas que enfrenta su protagonista, Rahim, quien cumple una condena por una deuda que no pudo pagar a su acreedor después de que el negocio en el cual invirtió el capital se vino a pique. La salida de la cárcel solo se hará efectiva cuando cumpla su tiempo de condena o cuando pague la totalidad de lo debido.

En sus esporádicas salidas del penal, Rahim se reúne con su novia y con el hijo que tuvo con su primera mujer. Su novia le confiesa que ha encontrado un bolso con unas monedas de oro. Este hecho, dispara una serie de consideraciones y de especulaciones por parte de los dos enamorados sobre el destino de ese dinero, entre otras porque permitiría pagar buena parte de la deuda y por fin concretar su casamiento. Cuando finalmente toman la decisión de devolver lo encontrado, no sin antes intentar otras acciones que resultan fallidas, se desencadenan una serie de hechos que van complicando la trama y que van hundiendo a Rahim, a su novia y a su familia en un espiral de mentiras, cada vez mayores para explicar la situación.

Los dilemas que hay en el fondo de la historia tienen que ver, por un lado, con la situación de Rahim quien al devolver lo encontrado es calificado por los medios de comunicación como un héroe y es exaltado y admirado. Detrás, sin embargo, se esconde la manipulación que busca servir a los intereses de los directores de la cárcel, de los miembros de la institución de caridad que pretende ayudarlo, de la persona a la cual le restituyen lo encontrado. Por otro lado, está el drama de Bahram, el acreedor, quien pasa a ser el villano cuando no acepta que Rahim salga de la cárcel hasta que no cancele la totalidad de la deuda y argumenta en su defensa que tuvo que vender la dote de su hija para respaldar el préstamo que hizo y pone en tela de juicio que sea él, y no quien incumplió, la persona cuestionada.

Una muy interesante confrontación entre los argumentos de uno y otro de los protagonistas de la historia que van más allá de los calificativos del bueno o del malo, y que ponen en evidencia la manipulación de los medios y de quienes pueden beneficiarse con una situación, por encima de cualquier escrúpulo.

Del director: Asghar Farhadi es un director de cine y guionista iraní. Nació en 1972. Por sus películas se ha hecho acreedor a varios reconocimientos entre ellos un globo de oro y dos premios Oscar. Otras de sus películas además de las ya mencionadas: “A propósito de Elly”, “El pasado”, “Todos lo saben”.

 

 

 

  

DRIVE MY CAR

Director: Ryusuke Hamaguchi

País: Japón

Año: 2021

Reparto: Hidetoshi Nishijima, Toko Miura, Reika Kirishima, Masaki Okada

Premio Oscar 2022 a la mejor película extranjera

Esta película tiene ingredientes literarios muy destacados pues está basada en un cuento del autor contemporáneo japonés Haruki Murakami e involucra así mismo una obra de teatro del gran escritor ruso de la segunda mitad del siglo XIX, Antón Chejov. He leído con mucho disfrute obras de ambos autores, así que sus referencias en el desarrollo del guión me parecieron del mayor interés.

La historia gira alrededor de Yaseko Kafuku, un actor de teatro, y de su esposa Oto, una escritora de guiones para televisión. En la primera parte, que transcurre durante muy pocas escenas, nos acercamos a una relación de pareja aparentemente equilibrada y feliz, hasta el día en que, abruptamente, cuando el hombre llega a su apartamento, encuentra a su mujer tirada en el suelo inconsciente. A pesar de ser conducida al hospital, la hemorragia cerebral de la cual fue víctima ciega la vida de Oto.

En la segunda parte de la cinta cuando verdaderamente se desenvuelve la trama, Kafuku es invitado a Hiroshima para presidir el festival de teatro que allí se llevará a cabo y para dirigir la obra de teatro “El tío Vania”, de Chejov, con la cual él había obtenido reconocimiento gracias a sus numerosas y destacadas interpretaciones en el papel principal.

En Hiroshima Kafuku se dedica a la selección de actores que harán parte de la obra que pondrá en escena, siendo uno de los escogidos Takatsuki, quien fue amante de su esposa. El nuevo ambiente permite a Kafuku conocer personas dentro de los organizadores del festival y tener contacto con la conductora que le fue asignada para su trasporte. Ella fue rechazada al principio (el director disfruta conducir el mismo mientras va oyendo las grabaciones que con su propia voz le dejó su esposa para que ensayara su papel de Vania), pero muy pronto se convertirá en una interlocutora importante para él.

Las conversaciones con todos ellos y el conocimiento de sus historias le van permitiendo a Kafuku entender y verbalizar la suya propia y le dan un espacio de reflexión para mirar su pasado y la relación que tuvo con Oto.

A partir de la obra “El tío Vania”, admirada por Kafuku entrañablemente y cuyos diálogos oye de manera incesante en sus recorridos en auto hasta la vivienda que le fue asignada en las afueras de la ciudad, somos los espectadores quienes vamos comprendiendo los entretelones de su vida, aún más que los de la obra de teatro.

Así mismo el argumento de una de las historias elaboradas por su esposa, que también comparte con su amante, le permite al protagonista ir llenando los vacíos que surgieron en la convivencia con ella y que él no había comprendido. Solo el amante de Oto supo el fin del guión que ella estaba escribiendo y cuando se lo comparte a Kafuku le aclara muchas incógnitas respecto al comportamiento y al sufrimiento de su esposa.

Tres historias se entretejen entonces: la del presente del director con sus actores, la de la obra de teatro “el tío Vania” y la del argumento que Oto estaba construyendo.

Los apartes escogidos de “el tío Vania” y que nos son presentados en la cinta, hacen referencia al desasosiego del protagonista y a sus interrogantes con la vida: “amor y vida mía, que hago con ustedes?”. Hacen visible el dolor por la infidelidad: “entiendo que la verdad, sea cual fuera, nunca es tan terrible. Lo más temible es la incertidumbre”. Kafuku considera que Chejov es aterrador porque “cuando lees sus líneas sale tu verdadero yo”.

El acercamiento con la conductora y su historia de dolor, así como la aproximación a la vida del traductor del festival y de su esposa, le permiten comprender que hay realidades tan dolorosas como la suya, pero sobre todo le facilitan hacer la catarsis de una culpa y una pena que tenía escondidas. “Cuánto sufro. Que se le va a hacer. Hay que vivir”, dice el tío Vania. “Y si ella sólo quería que la escucharas?” le cuestiona su conductora cuando le comparte las experiencias que él tuvo con su esposa. “Aunque creas que conoces bien a alguien no puedes descifrar por completo su corazón”, piensa él.

Muchos aspectos pretende abarcar la película, y como en las obras de Murakami, a veces hasta extremos que parecen excesivos pues empiezan a jugar con la fantasía, pero los diálogos terminan siendo tan llamativos que se constituyen en el corazón de la cinta. Los hechos exagerados de muchas de las historias allí contadas recogen realidades que nos invitan a reflexionar profundamente sobre la condición humana. El final, lleno de incógnitas, poco importa pues pudimos construir, armando las piezas como en un rompecabezas, lo que era relevante de la vida de sus personajes.

Una interesante compilación de dramas personales, con una actuación de parte de Hidetoshi Nishijima, su protagonista, destacada y unas escenas de recorrido por carretera realmente hermosas. Una película que vale la pena ver sin ninguna duda.

Del Director: Ryusuke Hamaguchi es un guionista y director japonés, nacido en 1978. Otras de sus películas: Documental “voces desde las olas” sobre los supervivientes del tsunami japonés, “Happy Hour”, “Asako I y II”, “la ruleta de la fortuna y la fantasía”.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

CUATRO PELICULAS EN LOS OSCAR 2022

FLEE

Director: Jonas Poher Rasmussen

País: Dinamarca

Año: 2021

Reparto: Animación

FUE SELECCIONADA A MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL

El director de esta película tardó varios años para realizarla pues su historia está basada en la experiencia de un amigo suyo, quien emigró desde Afganistán después de la invasión rusa. La dificultad que tuvo Amín, su protagonista, para narrar sus vivencias obligó a postergar varias veces la filmación. Cuando se le propuso que la película se realizara en formato de animación, accedió a contar su historia. Por años Amín sostuvo que había perdido su familia durante la guerra en Afganistán. Sin embargo, no ocurrió así y la verdad sobre sus padecimientos y la suerte que corrieron los suyos están reflejados en esta cinta.

La primera parada de Amín después de salir de su país fue en Rusia, con sus hermanas y con su madre, desde donde buscaron escapar a Europa, quedando sometidos al arbitrio de los traficantes de emigrantes. Gracias al trabajo de su hermano en Suecia pudieron recibir dinero él y su familia. Siendo menor de edad, llega sin proponérselo a Dinamarca y en la oficina de inmigración manifiesta su supuesta orfandad, manteniendo esta mentira por años para lograr el apoyo del gobierno de este país. Por temor, también encubrió por mucho tiempo su homosexualidad y tuvo la pretensión, siendo adolescente, de “curar esta enfermedad” con medicamentos. Posteriormente se muestran las dificultades con su pareja en el nuevo país, su vida laboral, sus éxitos profesionales, etc.

La película toma imágenes de archivo las cuales intercala con escenas de animación sobre la guerra y sobre la emigración. El guión se construye a partir del diálogo entre Amín y el director de la cinta, quienes dan voces a los personajes animados y van revelando la verdadera historia en su conversación.

 

CODA

Directora: Sian Heder

País: Estados Unidos

Año: 2021

Reparto: Troy Kotsur, Emilia Jones, Marlen Matlin, Daniel Durant

OSCAR A LA MEJOR PELÍCULA Y AL MEJOR ACTOR SECUNDARIO PARA TROY KOTSUR

Sorprende que esta película, un remake de la francesa “La familia Bélier” realizada en 2014, se haya llevado el premio a mejor película. No solo “Coda” es de menor calidad tanto actoral como de dirección, sino que compitió con películas más elaboradas como “El poder del perro” (reseñada en esta dirección http://dardoalinfinito.blogspot.com/2021/12/5-peliculas-de-5-paises-estrenadas.html) que a mi juicio merecía ganar.

Se trata de la historia de una familia de 4 integrantes, 3 de los cuales son sordos. La hija, a quien le gusta el canto, debe decidir su futuro entre el negocio familiar o en el proyecto de su propia vida. Con todos los elementos de Hollywood, de conflicto, amor y final feliz, es muy predecible y no aporta nada nuevo a un tema que ya fue mejor tratado.

LOS OJOS DE TAMMY FAYE

Director: Michael Showalter

País: Estados Unidos

Año: 2021

Reparto: Jessica Chastain, Andrew Garfield, Vincent D´Onofrio, Cherry Jones

LA PROTAGONISTA, JESSICA CHASTAIN, GANÓ EL OSCAR A MEJOR ACTRIZ.

Jessica Chastain, quien interpreta a Tammy Faye, alrededor de la cual gira el guión de este biopic, se muestra irreconocible por el cambio físico que le tocó asumir e impacta por su buen papel, algo que hemos visto en muchas otras de sus películas.

Tammy y Jim Bakker, se conocieron siendo estudiantes del colegio bíblico, se casaron y se convirtieron en predicadores de la doctrina evangelista (dentro de la iglesia protestante) y juntos desarrollaron una carrera meteórica en la década de los 70 y los 80 en Estados Unidos. Lograron consolidar un emporio para difundir su mensaje religioso a través de la televisión, con la cadena PTL, que llegó a ser una de las 4 más grandes del país. Construyeron, además, un parque temático cristiano.

La posibilidad de llegar a una audiencia que llegó a ser de 20 millones de espectadores, hizo que esta pareja fuera atractiva para los políticos, entre ellos Reagan y Bush que buscaban los votos de sus seguidores y a cambio, ellos obtenían exención de los impuestos para la iglesia.

El recaudo de fondos que lograban entre su fiel público, permitió a Tammy y a Jim vivir con un lujo desaforado, que poco se molestaron en ocultar. Empezaron a hacerse públicos los romances de Jim con otros hombres y las dificultades financieras de sus empresas. Tammy, fundamental en la consolidación y crecimiento del emporio que construyeron, estuvo opacada por su marido, quien se llevaba todos los créditos, pero esto a su vez permitió que no fuera incriminada después.

Los excesos y el crecimiento sin control, llevaron a esta organización al borde de la quiebra y a que los esposos fueran investigados por desviación de fondos. Cuando Jim fue acusado y condenado, Tammy desapareció del panorama público y terminó viviendo en precarias condiciones económicas.

La película revela cómo alunas veces se ocultan intereses económicos detrás de los religiosos, la importancia que cobran audiencias de esta magnitud en las campañas políticas y las intrigas e intereses que se mueven cuando hay tanto dinero de por medio.

Una historia entretenida sobre hechos reales de personajes que hicieron historia en su momento.

BELFAST

Director: Kenneth Branagh

Pais: Reino Unido

Año: 2021

Reparto: Jude Hill, Caitriona Balfe, Judi Dench, Jamie Dornan, Ciaran Hinds

NOMINADA A MEJOR PELÍCULA

Esta película tiene dos cualidades que permiten disfrutarla: su estética, pues es en blanco y negro con preciosas fotografías lo cual resulta muy evocador, y la ingenuidad de quien narra la historia pues se hace a través de la mirada de un niño de 9 años.

Como el mismo director lo confirma, los hechos narrados hicieron parte de su infancia en Belfast, donde nació. Durante los 60’s, época del filme, Irlanda del norte enfrentó el conflicto entre una mayoría protestante que quería permanecer como parte del Reino Unido y una minoría católica que ambicionaba un territorio propio. De allí surgieron movimientos como los del IRA (Ejército Republicano Irlandés) pero también grupos paramilitares en el lado contrario.

Lo que prevalece en la película sin embargo es la visión de Buddy, su protagonista, que, aunque es testigo de hechos de violencia, tiene como prioridad la escuela, la visita a sus abuelos, el primer amor, sus padres, las idas al cine. La vida en una ciudad con disturbios continuos, pero unas preocupaciones para el pequeño Buddy por aspectos más inmediatos y más íntimos.

Una buena película para recordar con nostalgia los buenos y simples momentos de la infancia

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

LA PEOR PERSONA DEL MUNDO

Director: Joachim Trier

País: Noruega

Año: 2021

Reparto: Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Herbert Nordrum

Esta película noruega hizo parte de las 5 nominadas a mejor película Internacional en los premios Oscar  2022 y al mejor guion original, aunque no se alzó con ninguna de los dos galardones. Es una bella reflexión acerca del proceso de búsqueda personal por parte de Julie su protagonista, hacia la construcción de un mundo donde pueda sentirse a gusto con lo que hace y rodeada por las personas con las cuales tiene interés en compartir su vida.

Como se anticipa al inicio, la película consta de 12 capítulos, un prólogo y un epílogo. Cada uno de ellos va haciendo un recorrido por momentos decisivos en la vida de Julie quien, al iniciar su formación universitaria, se encuentra desubicada respecto a sus intereses, pero con una permanente disposición de exploración que le permita encontrarse a sí misma y hallar su lugar en el mundo.

La película comienza con la decisión profesional de Julie de estudiar medicina, carrera que abandona para orientarse por la sicología, de la cual también desiste para dedicarse a la fotografía: “sintiéndose atrapada para responder a la alumna ejemplar que de ella se espera”. Al igual que en sus definiciones sobre el estudio, en su vida personal Julie mantiene sucesivas relaciones, efímeras todas ellas. Sin embargo, cuando conoce a Aksel, resuelve que es la persona indicada para consolidar un vínculo de pareja. Él es un artista de cómics subterráneos, quien se hizo popular con “Gaupe” la caricatura de un gato salvaje que vive en un mundo de gatos domésticos dedicado a hacer cuestionamientos sobre su entorno.

En la relación entre Julie y Aksel somos testigos de las dificultades que enfrenta la convivencia en pareja. Julie empieza a sentirse desplazada por el trabajo de su compañero, pues ella no encuentra acomodo en la universidad y en cambio se incorpora a trabajar en una librería como vendedora. Los amigos contemporáneos de Aksel, mayores que Julie, con hijos y familias establecidas, contrastan con la búsqueda que ella continúa emprendiendo para descubrir nuevas cosas. Paralelo con su trabajo empieza a escribir un blog que genera controversia por la sinceridad para expresar muchos temas tabúes.

Julie comienza a sentirse ahogada en la relación y se involucra con otro hombre. Posteriormente viene la ruptura con Aksel y la convivencia con Elvind, su nueva pareja. En las escenas donde se plantea el quiebre de la relación entre Julie y Aksel prevalecen los diálogos sobre las expectativas de ella, el lugar que ocupa en esa relación, las diferencias de edades (él tiene 40 y ella se acerca a los 30) a lo cual ella atribuye el distanciamiento. Así mismo, el desconcierto de Aksel respecto a lo que quiere, su deseo de tener hijos que no es compartido por Julie. Un intercambio inteligente y sensible de opiniones y de posturas, que ella posteriormente extraña en su nuevo vínculo amoroso.

Además de los diálogos, hay propuestas muy interesantes en la cinta desde el punto de vista escénico. Por ejemplo, cuando Julie piensa en su separación de Aksel y en la nueva vida con Elvind a través del congelamiento de imágenes. O aquellas en las cuales Julie ingiere hongos alucinógenos, que la transportan a sus miedos e inseguridades respecto a la maternidad, a la relación con su padre quien estuvo ausente en su vida, a la confrontación con Aksel y con el gato de su creación, Gaupe, en modo de caricatura. Así mismo, se presenta con una voz en off la relación de Julie con su mamá, con su abuela y con las mujeres de su familia que la precedieron, donde se relata la prematura condición de madres que todas ellas asumieron.

La película también toca temas de preocupación en el mundo actual, como la militancia por el cambio climático, o el del papel del artista en el mundo de lo políticamente correcto, dejando ver las muchas caras y los radicalismos entre las diversas posturas.

Julie se ve confrontada por dos situaciones: su embarazo y la enfermedad de Aksel. Los diálogos entre ambos gracias a un reencuentro obligado por las circunstancias son entrañables, cargados de honestidad y de profundidad, sobre los hijos, la vida, la muerte. Posibles, además, cuando los hechos son analizados con cabeza fría una vez se ha tomado distancia de ellos.

Un final que no quiero revelar, pero que pone de presente la necesidad de mantener una curiosidad permanente, las dificultades de consolidar una buena relación (pues como en el caso de Julie se puede encontrar la persona correcta, pero en el momento equivocado) y la confirmación de que solo cada quien es responsable de encontrar su propio camino.

Una bella película por el ritmo de sus diálogos, sus reflexiones, sus puestas en escena y las magníficas actuaciones de quienes interpretan a los 3 protagonistas. Vale la pena mencionar que Renate Reinsve, en el papel de Julie, obtuvo el premio a mejor actriz en el festival de Cannes 2021 y fue nominada a los premios Bafta del mismo año.

Del director: Joachim Trier es un director noruego, nacido en 1974. Creció en una familia de cineastas. Otras películas suyas “Oslo, 31 de agosto”, “El amor es más fuerte que las bombas”, “Thelma”.

 

“TITANE” y “ANNETTE” 2 películas francesas

Difícil encontrar un solo género que defina estas 2 películas francesas realizadas en el 2021.Una de ellas, “Titane”, fue ganadora de la palma de oro en Cannes 2021; la otra, “Annette”, fue galardonada con el premio a mejor director en el mismo festival.

Claramente ambas se salen del cine convencional. Tienen en común su enfoque en historias que resaltan dramas humanos profundos, con vigencia permanente, como la soledad, el resentimiento, el dolor, el amor y al mismo tiempo involucran temas contemporáneos como las nuevas tecnologías, las redes sociales y el mundo del espectáculo. Estos asuntos son presentados, en ambos casos, con una combinación de realidad y de fantasía, un destacado sentido estético y unas bandas sonoras muy bien integradas a sus guiones.

Particularmente, las dos películas me resultaron difíciles de ver y de asimilar, pero tienen una peculiar narración cinematográfica, una propuesta innovadora y un abordaje de temas sensibles desde una perspectiva distinta por lo cual no se deben dejar de apreciar. A veces resultan siendo demasiado crudas, otras demasiado fragmentadas o en ocasiones abordando varios temas al tiempo. Muchos interrogantes quedan para el espectador cuando finalizan las cintas, con más preguntas que respuestas, pero con un reconocimiento a la creatividad y a las nuevas apuestas de los directores a cargo.

TITANE

Director: Julia Ducournau

Año: 2021

País: Francia

Reparto: Vincent Lindon, Agathe Rouselle, Garance Marillier

Un padre, Vincent, sufre un accidente con su hijo pequeño, quien tiene que ser sometido a una operación en la cual le insertan placas de titanio en su cabeza. Por alguna razón que no queda clara, el niño desaparece. La película hace una elipsis y nos presenta diez años más tarde a una mujer en su edad adulta, quien trabaja como modelo en la exhibición de vehículos y es motivo del deseo de los hombres que asisten a sus presentaciones.

En la cotidianidad de Alexia, quien así se llama la mujer, la película recrea escenas muy eróticas del baile con el cual ella atrae a sus seguidores y de su pasión por los autos, en secuencias que la insinúan incluso teniendo sexo con estos carros (algo que recuerda la película “equus” y la adoración del protagonista por los caballos). Paralelamente a su oficio, Alexia protagoniza una serie de asesinatos que obedecen a su deseo frenético de desquitarse del mundo pues, entenderemos después, ella ha perdido toda confianza con la gente y con todo lo que la rodea. Escenas de violencia muy crudas son presentadas en estos crímenes, lo cual nos recuerda a un director como Quentin Tarantino en su película de “Kill Bill”, donde también una mujer es la autora de crímenes por venganza.

Cuando Alexia es identificada como la autora de los asesinatos es conducida a prisión, y en consideración a que tiene un implante de titanio, aparece Vincent, quien habiendo perdido el rastro de su hijo cuando estaba pequeño, asume que Alexia, ahora disfrazada de hombre, es aquel hijo desaparecido. Con esta nueva identidad, Vincent se lleva a Adrián (quien antes era Alexia) a vivir a su casa. Lo que viene después es una convivencia difícil entre el padre y su supuesto hijo, con muchos obstáculos y reticencias al principio, que se va convirtiendo en una relación de mutuo acompañamiento permitiendo unir esas soledades.

La película tiene claramente dos partes. En la primera, se nos presenta la vida de Alexia llena de excesos y banalidad; en la segunda, la vida compartida entre Vicent y Adrián en una nueva faceta donde dos seres, que siguen siendo distantes, rescatan el amor y la compañía que pensaron que nunca iban a volver a tener. Uno y otro son conscientes de que no son padre e hijo, pero construyen una relación como si lo fueran.

El final es dramático, pero sigue fiel al desconcierto y a la mezcla de realidad y fantasía presente a lo largo del guion, revelando el poder de los sentimientos.

Las escenas de este filme pasan de la belleza y la sensualidad a una profunda crudeza. Hay un acompañamiento musical permanente que sigue el movimiento de sus protagonistas en el baile, las fiestas y el gusto por las canciones. Unas actuaciones por parte de Vincent Lindon, quien interpreta a Vincent y de Agathe Rouselle en el doble papel de Alexia y de Adrián, con pocos diálogos y profundos silencios, que reflejan el sufrimiento de cada uno.

En resumen, una película que no pasa desapercibida, aunque nos cueste captarla en su dimensión, que se enmarca en lo que un crítico de cine francés (James Quandt) llamó “la nueva ola del extremismo francés”, donde hay una tendencia hacia la provocación, lo violento, lo explícito. “Preferí participar en la construcción de algo nuevo y ver si una nueva ola era posible”, afirmó la directora en una entrevista al diario “El País”.

De la directora: Julia Ducournau nació en Paris en 1983. Es la guionista de sus películas. Se constituye en la segunda mujer en conquistar la palma de oro en Cannes (después de Jane Campion con su película “El piano”).

 

ANNETTE

Director: Leos Carax

Año: 2021

País: Francia

Reparto: Adam Driver, Marion Cotillard, Simón Helberg

Con el encanto de una pareja de artistas en plena efervescencia de su amor, esta película arranca mostrándonos el comienzo de dicha relación. Ella, Ann, es una cantante de ópera; el, Henry McHenry, es un actor de comedias en vivo. Ambos son en el centro de atención de los medios de comunicación y de las redes, pues representan el dúo de moda.

Una vez deciden casarse y tienen su primer bebé, las carreras profesionales de Ann y de Henry empiezan a alejarlos pues el éxito que logra cada uno es bastante desigual. Ann gana en reconocimiento y aceptación mientras que Henry entra en decadencia y es rechazado por el público que antes lo adoraba.

La segunda parte de la película se concentra en Annette, la pequeña hija de ambos, quien tiene el don del canto y empieza a ser explotada comercialmente por su padre después de la muerte de Ann. Henry ve en ella la posibilidad de conseguir el prestigio y el dinero que él ya no logra alcanzar con su oficio.

Todo lo anterior, que parece corresponder a un guion muy previsible y manido, tiene varias particularidades en la construcción cinematográfica. Annette es representada por una muñeca que puede hacer prodigios no logrados por un humano. Todos los parlamentos son cantados, a modo de musical, aunque no el clásico pues mezcla escenarios de teatro y de la vida cotidiana. Los integrantes de la agrupación Sparks* fueron los autores de la música y del guion de la película. El prólogo con el cual se inicia la cinta, presenta al director y a los actores interpretando la canción “So May we start” (entonces podemos empezar) invitando al espectador a participar del show que va a ver y resaltando que se trata de la puesta en escena de un espectáculo.

Con fragmentos en ocasiones pesados, la película presenta una composición audiovisual que permite ver por capítulos la actuación de sus protagonistas: Ann en sus presentaciones en la ópera, Henry en su show en vivo, después Annette en conciertos, mostrando cada personaje sus propias destrezas. Al final, sin embargo, se revelan individuos que no son los que idealizan los medios, sino que deben enfrentar las debilidades, fracasos y angustias como cualquier otro ser.

La gran actriz Francesa Marion Cotillard hace el papel de Ann. Adam Driver, quien interpreta a Henry, se roba el protagonismo y buena parte de la cinta recae en su actuación. A pesar de los muchos aciertos de esta película, especialmente por lo novedoso de su propuesta y por abordar temas de actualidad del mundo del espectáculo, el filme tiene altibajos que dejan un sabor agridulce.

Del Director: Leos Carax nació en Francia en 1960. Es Director, guionista, actor, crítico de cine. Otras películas del director son: “Holy motors”, “Los amantes del puente”, “Mala sangre”.

*banda de rock estadounidense liderada por los hermanos Ron y Rusell Mael, surgida en Los Ángeles a principios de los 70’s..

 

 

 

 

 

 

 

 

REGRESO A HOPE GAP Y UN HOMBRE PERFECTO

Dos películas muy diferentes permiten abordar uno de los problemas que se ha agravado con esta pandemia: la soledad, a la cual, por una u otra circunstancia nos vemos abocados los seres humanos en algún momento de nuestras vidas.

Una de las cintas se desarrolla a partir de la situación de una pareja en su edad madura que enfrenta una crisis en su matrimonio. La otra, es una película de ficción que pretende reflexionar sobre cómo se llena el vacío de una pareja, de personas que viven solas, gracias al acompañamiento de robots construidos mediante la inteligencia artificial.

REGRESO A HOPE GAP

Director: William Nicholson
Año: 2019
País: Reino Unido
Reparto: Annette Bening, Bill Nighy, Josh O’Connor

El título hace referencia a una playa situada cerca de los acantilados de un pequeño pueblo en East Sussex, Inglaterra, donde ha transcurrido la vida de una pareja que ha compartido 29 años de sus vidas. Los paisajes pintorescos, pero de una profunda desolación, sirven de fondo a los diálogos de Grace y de Edward y a las conversaciones que cada uno, separadamente, tiene con su hijo Jamie, quien ya no vive con ellos, pero a donde pernota los fines de semana. Así mismo, los extractos de la poesía de Yeats y de otros poetas, los cuales son objeto de estudio por parte de Grace, acompañan con una voz en off las caminatas de sus protagonistas y permiten enmarcar los distintos momentos.

La crisis matrimonial es un hecho que la pareja se niega a discutir pero que difícilmente se puede soslayar, pues la comunicación ya inexistente impide ocultarlo. Sin embargo, cuando Edward comunica a su hijo y luego a su esposa la decisión de marcharse porque está cansado y quiere hacer su vida con otra persona, los toma a ambos por sorpresa: sabían que la relación estaba marchita, pero creían que así podría continuar. Se aferraban uno al otro por temor a la soledad.

Las preguntas que Grace hace a su marido sobre si son felices, o sobre aquello que lo haría feliz a él, cuestionan la inercia de un matrimonio que sobrevive solo porque ninguno de los dos se anima a hacer algo diferente; hasta que un día todo se viene abajo cuando el más débil de la pareja, de manera abrupta, toma una decisión que el otro no espera.

Las reflexiones de Edward, profesor de historia, lo llevan a retrotraer experiencias de otras épocas como la de Napoleón durante la invasión a Rusia donde las “estrategias de supervivencia” condujeron a que muchos hombres fueran abandonados por sus compañeros abandonándolos vivos y desnudos en la nieve. O cuando el tren que llevaba a los heridos en el vagón de equipajes, pasaba con velocidad por los pantanos rusos buscando que éstos fueran arrojados sin que nadie se diera cuenta y “nadie miró atrás”, como se repite Edward una y otra vez para darle justificaciones a su decisión.

Después de ese quiebre matrimonial viene la depresión más profunda para quien se siente abandonado, Grace en este caso, la cual se niega a aceptar que las cosas no volverán a ser lo que eran. El diálogo entre los dos esposos, pero sobre todo entre padre e hijo sobre las razones para esta determinación, un poco tardía que toma Edward, es muy aleccionadora. Argumenta que él y Grace pensaron que eran el uno para el otro y esto no era así; Grace, según su esposo, construyó una imagen de él que no correspondía a la realidad. Su nueva pareja en cambio, no tiene demandas ni expectativas, solo amor.

Grace por su parte, reclama atención de su hijo en la depresión que le sobreviene luego de su separación y busca explicaciones a su nueva situación en los diálogos que con él mantiene. Jamie entiende que la profunda tristeza de madre puede conducirla al suicidio y entonces en una conversación realmente conmovedora, por la transparencia con la cual hablan ambos, le pide que permita tener una despedida antes de cualquier decisión fatal. Esta es, tal vez, la mejor escena de la cinta.

La actuación de los dos protagonistas es sobresaliente. La conocida Annette Bening atraviesa por varias etapas en la evolución del filme y es capaz de mostrar en sus facetas como esposa, madre, amante de la poesía, los diferentes momentos anímicos, sin velos, sin concesiones. Es una mujer que se siente vulnerable y no puede esconderlo. Así mismo, Bill Nighy representa el papel de un hombre que, a pesar de su pusilanimidad, un día estalla y no da marcha atrás en su decisión, pero le produce aflicción el dolor que causa a su pareja.

Con paisajes de mar, de playas, de profundos acantilados, y con una cámara que no abandona esa mirada en perspectiva, acudimos al fin de una relación pero al mismo tiempo al renacer de nuevos proyectos que permiten a los protagonistas sobrevivir a la crisis.

 

EL HOMBRE PERFECTO

Directora: María Schrader
Año: 2021
País: Alemania
Reparto: Maren Eggert, Dan Stevens, Sandra Huller, Hans Lon

¿Puede un robot, construido a partir del estudio profundo de una persona, en este caso una mujer, servir de compañía y suplir la soledad en todos los aspectos de la vida: el sentimental, el sexual, el de la simple cotidianidad o el de la comunicacion? Esta es la pregunta que plantea esta película.

Una empresa desarrolladora de robots construye un prototipo de humanoide a partir de las preferencias y expectativas de Alma, su protagonista, respecto de lo que sería su pareja ideal. El robot ha venido perfeccionando su algoritmo a partir de información clave sobre ella. Alma es una mujer profesional, joven, soltera, vinculada al museo de Pérgamo, en Alemania, como investigadora de culturas antiguas. El experimento al cual se somete la mujer, a partir de la convivencia entre un humano y una máquina, busca determinar si los robots podrán en un futuro casarse, trabajar, obtener derechos, etcétera.

Lo que empieza con un escepticismo total por parte de Alma, quien duda profundamente que el robot, de nombre Tom, pueda representar para ella una compañía, termina desatando situaciones que la llevan a tener una opinión distinta. La comunicación que empieza a tener Alma con Tom, quien conoce las habilidades, gustos, antecedentes familiares de ésta y que lo convierten en un inteligente interlocutor, permiten un acercamiento que Alma no había calculado pues como el humanoide manifiesta “mi algoritmo está diseñado para hacerte feliz”.

Cuando Alma escribe su evaluación final, obligada como parte del experimento, deja plasmadas reflexiones profundas: “¿Realmente se pretende que todos los humanos satisfagan sus necesidades con solo apretar un botón? ¿No es nuestro anhelo insatisfecho, nuestra imaginación y nuestra búsqueda interminable de la felicidad, las fuentes de humanidad? Si permitiéramos a los humanoides como esposos, crearemos una sociedad de adictos atiborrados y cansados de tener necesidades satisfechas permanentemente y de un flujo constante de reconocimiento personal”.

Después de estas preguntas, ¿Cuál es entonces la recomendación de Alma respecto a la convivencia de un humano y un robot?

El final de la cinta nos lo dirá.