DOS PRODIGIOSOS ACTORES EN SENDAS PELICULAS SOBRE LA DEMENCIA SENIL

FALLING

 

Director: Viggo Mortensen

Año: 2020

País: Canadá

Reparto: Lance Henriksen, Viggo Mortensen, Terry Chen, Laura Linney

 

Lance Henriksen en el papel de Willis es quien protagoniza esta película. Con una muy destacada actuación se convierte en el eje alrededor del cual gira la historia sobre un hombre ya mayor que empieza a verse afectado por una demencia senil, la cual se agrava por las posiciones radicales que sostuvo durante toda su vida y que ahora no encuentra filtros para expresarlas.

Cuando Willis decide que no puede seguir viviendo solo en su granja, por sus evidentes limitaciones, viaja junto con su hijo John a California, donde vive este último. Desde la primera escena se hacen visibles la desorientación, los frecuentes olvidos y los ataques agresivos de Willis ante cualquier requerimiento.

John es gay y vive con su esposo y la hija adoptiva de ambos. Estos hechos exacerban el malestar y el desprecio de un hombre homofóbico como su padre, los cuales manifiesta con  ofensas reiteradas  y encono hacia  su pareja. Solo su nieta lo calma y es capaz de tener un acercamiento con él.

Willis también tiene una hija, Sarah, quien aprovecha su estadía en California para que la familia pueda compartir un encuentro durante un almuerzo. La reunión sin embargo sale mal, pues cuando ella intenta hablar sobre los buenos recuerdos, su padre solo tiene palabras ofensivas para las mujeres con las cuales convivió; en su misoginia está convencido de que todas son unas putas y esa es la razón por la cual lo abandonaron. La rebeldía de sus nietos manifestada con sus tatuajes, piercing y cabellos pintados de colores, son por él criticados viéndolos como una debilidad.

El director nos lleva a través de flash back a entender la tensa relación familiar de Willis con sus dos hijos, con la madre de ellos y luego con su segunda esposa. John y Sarah se mostraban temerosos ante las reacciones violentas de su padre; la madre de ambos encuentra imposible la convivencia con un hombre que no le daba espacio y que no tenía con ella consideración; la segunda relación que él tuvo también se frustró. Todo ello alimentó en Willis un resentimiento profundo.

El padre de John pretendió educarlo desde niño como un macho que debía demostrar su hombría disparando y aprendiendo a cazar y a la hija apenas si la considera ya que califica a las mujeres en una categoría menor. Sin embargo, ante la enfermedad de Willis, sus hijos no lo abandonan porque entienden que las frustraciones son intrínsecas a un temperamento que no puede controlar y a unos prejuicios arraigados. Es su padre, y por encima de los conflictos, siempre estuvo cerca de ellos y no van a hacerlo a un lado ahora que los necesita.

Las escenas que presenta esta cinta del pasado enfatizan las actitudes despóticas y abusivas de Willis que todos de manera implícita o expresa le reclaman. Las escenas del presente invitan a la tolerancia pues ya no se justifica pelear con un enfermo. Una película dura sin duda, pero que nos invita a reflexionar sobre la dificultad de las relaciones familiares y al mismo tiempo sobre la complejidad de romper esos lazos pues al lado de los momentos amargos también están aquellos inolvidables.

Este largometraje, el primero de este director y quien también es su guionista, tiene algo de autobiográfico como el mismo lo manifestó, lo hizo “pensando en la familia como un reflejo, un microcosmos de la sociedad en general”

 

EL PADRE

 

Director: Florian Zeller

Año: 2020

País: Reino Unido

Reparto: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Poots, Rufus Sewell, Olivia Williams.

 

Con el protagonismo de un magistral Anthony Hopkins encarnando a Anthony un hombre de 80 años, quien empieza a tener problemas con su memoria, el mayor aporte de esta película está en introducirnos en la mente de este personaje. A diferencia de otras cintas con temática similar en las cuales los espectadores asistimos como testigos externos al deterioro psíquico de los personajes, “El Padre” nos sitúa en la mente perdida del protagonista para vivir con él las angustias y el desconcierto que producen el sentirse desubicado, extraviado, desconociendo a menudo a los seres más cercanos.

Este propósito lo logra el director a través de una narrativa cinematográfica que recurre a la repetición de escenas sobre un mismo hecho, pero que son evocadas de distintas maneras por parte de Anthony. Lo mismo hace con los personajes que rodean su vida, quienes cambian su fisonomía dependiendo de cómo los recuerde el protagonista. Esta técnica nos aproxima a la enfermedad del personaje pues permite entender cómo se trastoca el tiempo, el espacio y las personas próximas, y el desasosiego que puede generar ser víctima de una enfermedad de la memoria.

La hija de Anthony, Anne, interpretada por Olivia Colman, asume el cuidado de su padre, pero empieza a sentirse agobiada con la carga, pues cada día es un nuevo comienzo para ambos con la sorpresa de no saber que recuerda su padre y que no, si la va o no a reconocer, si va a saber dónde está, si amanece agresivo o tolerante. Por esa razón Anne acude al apoyo de enfermeras, las cuales rotan constantemente debido a que no son soportadas por el paciente.

La relación de Anne con su marido se vuelve tensa dada la convivencia con una persona como su padre que no solo demanda permanente atención, sino que se agrava con la pérdida de su sentido de ubicación y del tiempo, generando ahogo y nerviosismo en la pareja.

Anne trata de entender hasta último momento lo que pasa por la cabeza de Anthony y se llena de paciencia para cuidarlo y atenderlo y por ello la decisión final que asume le genera culpas y sufrimiento. El por su parte, en los momentos de lucidez, agradece y es consciente de lo que su hija hace por él.

Las escenas en las cuales padre e hija logran estar juntos conversando como si todo estuviera normal, producen complicidad y ternura y rememoran mejores tiempos. Sin embargo, la escena final del llanto de Anthony en brazos de su enfermera pidiendo la compañía de su madre pues vuelve a un estado de indefensión infantil, nos aterriza en la nueva realidad de la cual ya no va a escapar. “Qué hay de mí? ¿Quién exactamente soy?” se pregunta.

Esa ambientación de los hechos que vienen y van tal como ocurren en la mente del protagonista, la música de ópera preferida de Anthony, con la cual empieza y termina la cinta, y las actuaciones brillantes de Hopkins y Colman hacen que merezca ser disfrutada. Una delicada puesta en escena sobre un tema sobrecogedor.

 

 

MINARI

 

Director: Lee Isaac Chung
Año: 2020
País: Estados Unidos
Reparto: Steven Yeun, Han Ye-ri, Alan Kim, Youn Yuh-Jung, Noel Katecho

Tres generaciones de una familia originaria de Corea del Sur conviven en las afueras de un pequeño pueblo de Arkansas, donde llegaron con el propósito de sembrar y cosechar alimentos vegetales en su propia granja. Los esposos viajaron a Estados Unidos buscando un mejor futuro y allí nacieron sus dos hijos; posteriormente y para ayudar con el cuidado de éstos, arribó la madre de ella. A partir de los 5 miembros de esta familia se recrea la lucha de los inmigrantes por salir adelante en otro país, enfrentando unas costumbres y una cultura diferentes.

La película desarrolla una historia simple, sin espectacularidades, que nos hace testigos de las angustias de la pareja en su intento por cultivar el terreno adquirido con los ahorros de su trabajo inicial en California, todo esto con el propósito último de alcanzar su independencia. Los obstáculos propios de iniciar una actividad en la cual no tienen experiencia y el afán por recoger frutos antes de que se acaben los pocos recursos con que cuentan, hacen parte de sus preocupaciones en su día a día.

A la par con el desarrollo del cultivo, Jacob y Mónica (la joven pareja), trabajan en una empresa de pollos, con lo cual poco tiempo les queda para socializar y disfrutar. Los oficios de casa, del cultivo y del criadero donde laboran como obreros, absorben su cotidianidad.

De otra parte, la convivencia entre la abuela y sus nietos confronta la tradición coreana de ella, con la cultura estadounidense en la cual fueron ellos educados. Esta relación en principio distante, hasta el punto que varias veces el nieto se refiere a ella como “tú no eres una abuela de verdad”, pues no se adapta al estereotipo americano, va evolucionando y desarrollando empatías y aprendizajes mutuos. Precisamente uno de los hechos simbólicos es la siembra que hacen juntos de la planta de Minari, una variedad de apio de agua traído desde Corea, el cual da título a la cinta.

Hechos sucedidos en el desarrollo del negocio agrícola, con la salud de la abuela, con los reclamos mutuos de la pareja, en las pocas relaciones con la comunidad a través del encuentro semanal en la iglesia del pueblo, marcan el desarrollo de la trama.

Más que grandes acontecimientos, la honestidad con la cual esta película nos relata las vicisitudes que implica cualquier éxodo a través de las experiencias de esta familia, con sus pequeños éxitos y fracasos, es suficiente para tener una mirada sobre el panorama que deben afrontar quienes salen de su país con la esperanza de construir un mejor porvenir.

El director ha definido su película como semi-autobiográfica ya que no es un reflejo exacto de la realidad, pero como el mismo lo manifestó: “...de alguna manera la idea es la misma, intentar contar una buena historia”.

Sobre el director. Lee Isaac Chung (nacido en 1978), es un director y guionista estadounidense. Minari ha sido galardonada con varios premios en el festival de Sundance, en los globos de oro y es candidata a los premios Oscar en las categorías de mejor guión y mejor director.

 

 

 

TRES DIRECTORAS QUE BRILLAN EN EL ESCENARIO DEL CINE ACTUAL

HERMOSA VENGANZA

 

Directora: Emerald Fennell
Año: 2021
País: Reino Unido
Reparto: Carey Mulligan, Bo Burnham, Alison Brie, Connie Britton

 

Esta película es un thriller que involucra drama y comedia. Cassie es una joven que ha renunciado a su carrera de medicina por un hecho del cual fue víctima su compañera y mejor amiga, cuando ambas eran estudiantes. Vengar a su amiga se vuelve en su obsesión una vez es consciente de que no hubo consecuencias contra los agresores y, para ello, recurre a la humillación y al engaño de los hombres con los cuales tiene contacto, pues les ha perdido toda su confianza.

En uno de sus antiguos compañeros de universidad, por un encuentro casual y después de varias citas, cree encontrar una pareja que la comprende y la valora, lo que le permite confiar nuevamente en el amor y pensar en compartir y disfrutar una vida juntos. Sin embargo, el conocimiento de hechos que habían estado escondidos en el pasado, la llevan a tener una profunda decepción.

Ante las nuevas circunstancias Cassie, llena de resentimiento y dolor, elabora de manera meticulosa un plan que le permita resarcir el dolor propio y aquel que un día sufrió su amiga. Para su sorpresa, este proyecto tiene consecuencias no solo sobre quienes son objeto de su venganza, sino sobre ella misma.

Como reza un dicho bien conocido “antes de partir para un viaje de venganza, cava dos tumbas”. Este parece un buen resumen del desenlace que tiene este guión, el cual fue escrito por su directora. “Realmente quería escribir una película sobre la venganza femenina”, manifestó en una entrevista.

Una película entretenida, que mantiene la tensión pero que también nos arrebata más de una sonrisa, con una alegre banda sonora pop y una excelente interpretación por parte de Carey Mulligan, como su protagonista y en quien descansa la mayor parte de la cinta.

Por este papel, Mulligan fue nominada a los globos de oro 2021 y a los premios Oscar. La película y su directora están igualmente nominadas a los Oscar 2021.

De la directora: Emerald Fennell nació en Londres en 1985. Es una actriz, autora, guionista y directora. “Dulce venganza” es su primer largometraje.

 

 

PAPICHA “Sueños de libertad”

 

Directora: Mounia Meddour
Año: 2019
País: Argelia
Reparto: Lyna Khoudri, Marwan Zeghbib, Shirina Boutella, Amira Hilda Douaouda, Yasin Houicha

 

Esta producción se sitúa en Argelia durante los años 90, conocidos como la “década negra”, cuando el país sufrió por el conflicto armado contra los grupos rebeldes islamistas (1991 hasta 2002).

En este contexto Nedjma, la joven protagonista de la cinta quien estudia en la universidad diseño de modas, rebosa ilusiones y deseos de triunfar y lograr su independencia. Pero nuevos vientos de represión para las mujeres por parte de los grupos islamistas radicales empiezan a soplar.

Las nuevas condiciones que acorralan a las mujeres se hacen visibles cuando la universidad comienza a ser amenazada, se empiezan a hacer exigencias respecto a la vestimenta femenina y se limitan las libertades de desplazamiento y acción.

Aquello que en principio se veía como manifestaciones aisladas de un reducido grupo de fanáticos, va ganando terreno e incluso es aceptado y aplaudido dentro de algunas seguidoras, lo cual lleva la convivencia a un punto insostenible.

A partir del momento en que se coarta la libertad y en que se establecen cánones restringidos de comportamiento, todo se replantea para las mujeres: las relaciones amorosas, la libertad de expresión, la capacidad de desarrollarse profesionalmente y de buscar propósitos más allá del papel de amas de casa.

Nedjma reacciona a este asfixiante ambiente y la forma de protesta por ella escogida es a través de su propio desfile de modas con una prenda como protagonista: el Haik. Esta es una pieza de tela típica de las musulmanas de Argelia (de algodón, seda o lana), mide 5 metros de largo por 1,6 de ancho y se lleva sobre la vestimenta dejando descubierto solo la frente y los ojos. Como una forma de rebeldía, Nedjma replantea el uso de esta única pieza proponiéndola como un vestido que es lucido de diversas maneras, pero dejando visibles otras partes del cuerpo.

El desfile tiene consecuencias para ella y sus compañeras que se solidarizaron con el acto.

La película abunda en personajes femeninos: amigas, madres, hermanas; los hombres en este nuevo escenario misógino solo aparecen para acosar a las mujeres, para plantear posiciones retrógradas o para su propia conveniencia. Allí radica la mayor crítica de la directora contra la opresión religiosa y machista.

Una película de denuncia, con una buena dirección, una excelente actriz protagónica, Lyna Khoudri, y con un guión que exhibe lo difícil que fueron estos años para las mujeres en Argelia.

De la directora: Mounia Meddour es una directora de cine y documentalista Franco Argelina, nacida en 1978. Abandonó Argelia a los 20 años por las amenazas contra su padre, también director de cine. “Papicha” es su primer largometraje.

 

 

NOMADLAND

 
Directora: Chloé Zhao
Año: 2020
País: Estados Unidos
Reparto: Frances McDormand, David Strathaim, Bob Wells, Swankie, Linda May, Peter Spears

 

Una mujer mayor, quien recientemente ha enviudado y que además ha perdido su trabajo por el cierre de la fábrica donde laboró por años, se enfrenta simultáneamente a la incertidumbre de su futuro y a una inmensa soledad.

Sin hijos y con deseos de conservar su independencia, pero desafiando las limitaciones económicas del desempleo, Fern la protagonista de la historia, empieza a deambular por oficios temporales que ofrecen muy pocas garantías. La precariedad a la cual ha llegado, la lleva a adaptar su furgoneta como vivienda, ahorrando con ello arriendo y servicios.

En los estacionamientos donde puede dejar su carro-casa descubre otras personas viviendo en condiciones similares a la suya. Identifica entonces un grupo de conductores mayores de sesenta años que cruzan el oeste de Estados Unidos, asumiendo empleos de temporada e intercambiando experiencias y oportunidades. Esa es la “tierra de los nómadas”, como lo indica el título de la película.

Fern se hace amiga del líder del grupo, Bob, quien inculca una filosofía de vida para el grupo, su tribu como él la llama, donde prima el disfrute del recorrido y el abandono de la esclavitud, la cual considera se deriva de trabajos mejor remunerados pero exigentes en compromisos, en reglas sociales y en horarios. Con Bob, Fern comparte conversaciones íntimas sobre sus mutuas pérdidas, tristezas y angustias.

Son éstas charlas entre Bob, Fern y esos personajes anónimos de carretera, así como el recorrido por hermosos y diversos paisajes, en donde reside el corazón de la película. Es el acompañamiento por un mundo poco convencional donde muchos han encontrado una forma de vida.

Frances Mac Dormand interpreta a la protagonista en un papel que nos acerca a sus sentimientos, que le cuesta tanto expresar, y donde ella se reafirma en la búsqueda de libertad e independencia, la que solo encuentra en su solitario trayecto por la carretera.

Los intentos que hace la hermana de Fern, o incluso los de un amigo del grupo de nómadas quien busca “asentarse” e intentar una nueva vida con su hijo y nieto a la cual invita a Fern a compartirla, resultan vanos. Ella defiende el continuar con su estilo de vida pues es en el camino donde ha encontrado, no digamos la felicidad, pero si cierta paz que había perdido.

Esta cinta hace una crítica muy dura al desamparo en el cual caen las personas mayores cuando afrontan el desempleo o cuando, después de trabajar muchos años, se enfrentan a la vida con una pensión insuficiente para cubrir sus necesidades. Y aunque esa vida itinerante puede ser una decisión, la mayoría de las veces es quizás la única posibilidad.

De la directora: Chloé Zhao nació en Pekín en 1982. Es productora de cine, guionista y directora. Por “Nomadland” ganó el globo de oro y el león de oro. Está nominada a los premios Oscar 2021.

MANK

 

Director: David Fincher

Año: 2020

País: Estados Unidos

Protagonistas: Gary Oldman, Amanda Seyfried, Lily Collins, Tom Burke, Charles Dance, Tuppence Middleton

Quienes decidan ver y disfrutar de “Mank” (2020) deben remitirse primero a la película “Ciudadano Kane” (1941) para comprender el guión y para captar las referencias en cuanto a la técnica cinematográfica desarrollada en esta película.

Con imágenes en blanco y negro “Mank” relata la historia que llevó a Herman Mankiewicz a escribir el guión de la que sería la película dirigida por Orson Wells “Ciudadano Kane”, basada en la vida del millonario, propietario de varios medios de comunicación, William Randolph Hearst. Mankiewicz fue crítico de cine, dramaturgo, escritor y testigo de primera mano de la vida del magnate. Frecuentemente invitado a las fiestas ofrecidas en la excéntrica residencia que construyó el millonario, Mank se sirvió de esta relación para retratar algunas facetas de este singular personaje.

En la película visualizamos la disoluta vida que tuvo Mank, el entorno social y económico en el cual se desenvolvió y sobre todo las vicisitudes que enfrentó en la construcción del guion de “Ciudadano Kane”, que representa el tema central. Mank fue un alcohólico, un apostador y un irreverente que transitó por algunas productoras de cine (chocando con todas ellas) y terminó su carrera profesional alejado del medio, muriendo prematuramente a los 55 años.

Mank enfrentó una inestable y difícil situación laboral dadas las condiciones de la época, las intrigas e intereses al interior de los estudios de cine, la manipulación de personajes como Louis Mayer de La Metro Golden Mayer, su jefe y a quien despreciaba. El foco de atención en la película, sin embargo, lo constituye William Hearst, dado el poder que éste ganó al llegar a ser dueño de una cadena de periódicos y estaciones de radio de gran influencia, y debido a la intriga que generaba su historia personal marcada tanto por el lejano vínculo con sus padres como por la traumática relación con sus esposas.

El año de la escritura del guión fue 1940, posterior a la gran depresión de los años 30’s y en los inicios de la segunda guerra mundial. A fin de cumplir el encargo hecho por el joven director Orson Wells (quien tenía 25 años), y para facilitar su concentración, Mank fue instalado en un rancho alejado de Los Ángeles, en compañía de una taquígrafa y una enfermera pues se encontraba convaleciente después de un accidente automovilístico. Allí, después de 60 días, entre sesiones de terapia y noches de alcohol, terminó su labor.

Hertz generó en Mankiewicz un atractivo por la contradicción de su discurso, porque hizo de un periódico pequeño un reconocido medio de comunicación, valiéndose entre otras cosas de la construcción de noticias a su amaño, buscando la espectacularidad y el escándalo. Así mismo por sus ambiciones políticas y sus aspiraciones a cargos públicos en donde no fue muy exitoso.

La película “Mank” también resalta la faceta sentimental de William Hearst, casado en dos oportunidades; la primera con Millicet Wilson y la segunda con quien fuera su amante, la actriz Marion Davies. Ambas padecieron los caprichos del millonario quien las mantuvo aisladas, definiendo sus vidas y consultando muy poco sus deseos. De hecho, a Marion le fundó una compañía de cine a pesar del poco interés que ella parecía tener en esta empresa.

La incidencia de los medios de comunicación en las elecciones para cargos públicos es un capítulo muy interesante de esta cinta pues nos demuestra la capacidad de manipular y de construir verdades a partir de hechos falsos, aprovechando las debilidades del público al cual llegan. En los comicios para decidir entre los dos partidos en contienda al gobernador de California de esa época, se armó una historia acerca de las inclinaciones socialistas del candidato demócrata que terminaron moviendo los votos a favor del candidato republicano. Lo anterior resulta llamativo pues corrobora que acontecimientos como los que vimos recientemente en Estados Unidos no son nuevos, más bien cambia el medio a través del cual se fabrican y se difunden.

De acuerdo con lo que nos muestra la película, a Mank trataron de persuadirlo sin éxito, por conducto de varios amigos y conocidos, para que no entregara el guión a Orson Wells (en el cual fácilmente se identificó al personaje principal con William Hertz así tuviera un nombre distinto), evitando con ello la realización de la película. Mank, al contrario, pidió un reconocimiento en los créditos para que su nombre apareciera, a pesar de que había negociado en el contrato algo distinto. Este hecho le costó la ruptura con Orson Wells, quien jamás volvió a trabajar con él.

En las escenas finales de” Mank” podemos apreciar que la película “ciudadano Kane” se hizo acreedora a un Oscar al mejor guion original, gracias al excelente trabajo de Herman Mankiewicz como escritor principal. Fue nominada para 9 categorías más.

La técnica con la cual se realizó “Mank” es una evocación de la película “Ciudadano Kane” pues además del blanco y negro, recurre al flashback, a la ambientación de la época, y a la estructura cronológica que dieron tanto de que hablar en su momento por haber incorporado elementos completamente innovadores. La dirección de David Fincher y el protagonismo de Gary Oldman son una garantía de calidad.

Gracias a “Mank” podemos conocer una de las historias detrás de la realización de “Ciudadano Kane” lo cual nos reafirma en la admiración por el gran director Orson Wells y permite reivindicar el nombre de Herman Mankiewicz quien logró con su escritura transmitir la gran profundidad que tiene la película, haciendo de esta una de las mejores de todos los tiempos, al punto de seguir teniendo vigencia 80 años después.

 “Mank” está disponible en Netflix.

 

 

 

 

 

 

DOS SERIES: “BORGEN” y “PATRIA”

 

BORGEN

Directores: Soren Kragh-Jacobsen y Rumle Hammerich

Año: 2010 y 2011

País: Dinamarca

Reparto: Sidse Babett Knudsen, Pilou Asback, Freja Riemann, Birgitte Hjort Sorensen, Lars Knotzon, Mikael Birkkjaer

Esta serie danesa, emitida entre 2010 y 2011, llegó a la plataforma de Netflix en 2020. Narra los manejos políticos de quienes toman las decisiones en un país haciendo énfasis en la comunicación y los mensajes que se transmiten a través de los medios. Su protagonista es Birgitte Nyborg, quien desarrolla una carrera como líder de su partido hasta llegar a ser la primera ministra de la nación. La historia, aunque de ficción, retrata de manera muy realista los intereses que se mueven alrededor de la política, las intrigas, las desavenencias al interior de los partidos, el papel de la oposición y por supuesto todos los sentimientos humanos de envidia, ambición, hipocresía que son propios a la convivencia en cualquier lugar, situación y época.

Muy bien interpretado el rol principal por Sidse Babett Knudsen, actriz que se ha hecho acreedora a varios premios por su papel y quien fue elogiada por Hillary Clinton gracias a que su rol transmite el empoderamiento femenino y una lucha continua por generar confianza en un mundo dominado por los hombres. Es interesante ver, a lo largo de los capítulos, a una Birgitte rebasada para tener que responder por sus múltiples responsabilidades como madre, esposa y primera ministra, a pesar de su inteligencia y su capacidad. Por otro lado, la visión idealista de la política que transmite esta mujer, nos permite soñar con un manejo posible de transparencia y donde se dé prioridad al bienestar general por encima del particular.

Como serie que se respete, ésta también relata situaciones personales con historias de amor y de desamor, pero lo que resulta atractivo es que involucra temáticas que han estado en el ojo público dentro del panorama mundial: la inmigración, el papel de los países ricos frente a sus homólogos pobres, los conflictos violentos al interior de varias naciones, el cambio climático, el resurgimiento de los nacionalismos, el presupuesto público y la definición de prelaciones. Todos ellas, con ópticas muy diferentes dependiendo del partido o el personaje que las aborde.

Un tema al cual se le da gran importancia tiene que ver con la estrategia de comunicación que abordan los políticos, la cual se vuelve definitiva por la inmediatez de las noticias y por la necesidad de ofrecer respuestas públicas y de enfrentar los ataques de opositores y de quienes están dispuestos a hacer lo que sea necesario para ganar adeptos a sus causas. Varios acontecimientos resaltan la urgencia de actuar con rapidez y la utilización de mecanismos de todo tipo a los cuales recurren los involucrados para garantizar visibilidad con los electores.

A diferencia de House of cards, serie estadounidense construida alrededor de un tema similar, con un buen comienzo y un pésimo fin por la poca credibilidad de los acontecimientos que mostró, esta serie mantiene la verosimilitud y la seriedad de los temas durante las 3 temporadas. Ampliamente recomendada

 

PATRIA

Directores: Felix Viscarret y Oscar Pedraza

Año: 2020

País: España

Reparto: Elena Irureta, Ane Gabarain, Loreta Mauleon, Susana Abaitua, José Ramón Soroiz, Mikel Laskurain

Esta serie de HBO es del año 2020 y se desarrolla en 8 episodios. Se enfoca en dos familias originarias y residentes en un pueblo del país vasco y quienes, desde lados opuestos, sufren los horrores del terrorismo de ETA en los años 90. El asesinato del padre de una de las familias, un empresario declarado objetivo militar, involucra al hijo de otra familia amiga, quien hace parte de la milicia del movimiento independentista. Este hecho lo relato sin incurrir en Spoiler *, ya que se nos muestra desde el primer capítulo de la serie. A partir de allí, la trama va y viene en 2 tiempos:  uno el del asesinato y el otro el de 20 años después, cuando ETA declara el cese de sus actividades terroristas.

El movimiento ETA tuvo su origen en 1958, sus siglas traducen en euskera (lengua de la región de Euskal Herria) “País Vasco y Libertad”. Su objetivo era la construcción de un estado socialista en la mencionada región y su independencia de España y de Francia. Sus fuentes de financiación fueron el secuestro y la extorsión. Durante el periodo en el cual estuvieron vigentes fueron responsables de 864 asesinatos, 41% de los cuales fueron civiles. En 2011 anunció el cese de su actividad armada y en 2018 su disolución.

La tragedia que significó para España los actos realizados por ETA se visualiza en esta serie a partir de los acontecimientos que tienen lugar dentro de las dos familias mencionadas. De un lado, la fragmentación que produce el asesinato al interior de los parientes de la víctima y de otro, el desconcierto, la desazón, el miedo y la tristeza que se genera en la familia del victimario. Así mismo, como la vida de los jóvenes de la región se ve afectada, así no lo quieran, pues se les obliga a tomar partido con uno de los dos bandos, apoyando o repudiando esa lucha de independencia.

Se destaca la búsqueda de la verdad por parte de la esposa de la víctima, que nos recuerda, tal como ocurre en nuestro país, la necesidad de respuestas como una forma de reparación. De manera paralela, el profundo dolor de una madre que ve desperdiciada la vida de su hijo, y que se niega a abandonarlo pese al conocimiento de verdades atroces.

Estupendas las actuaciones de Elena Irureta y de Ane Gabarain quienes encarnan a las madres de las respectivas familias protagonistas de la historia.

Vale la pena finalmente mencionar que esta historia está basada en una novela homónima de Fernando Aramburu de 2016.

*Spoiler: Texto que revela o adelanta información que se ignora sobre la trama

 

 

 

LOS MEJORES DOCUMENTALES DEL 2020 Y 4 SERIES

 

Como continuación de mi último blog sobre las mejores películas de 2020, relaciono los documentales que, en mi concepto, merecen ser vistos.

 

“American Factory” (2019). Estados Unidos. Directores: Julia Reichert y Steven Bognar”.

Ante el cierre de una fábrica de General Motors en Dayton, Ohio, una factoría china que produce vidrio se instala allí, aprovechando la infraestructura y el personal que había quedado cesante. El documental nos lleva a mirar dos culturas, la china y la estadounidense, las dificultades que se generan en su convivencia, la forma que tiene cada una de resolver los problemas y un vistazo al tema sindical en ambos países. (En mi blog de junio de 2020).

 

“Al filo de la democracia” (2019). Brasil. Directora: Petra Costa.

Esta película se enfoca en la política de Brasil durante el primer mandato de Lula da Silva, en 2002 y en las administraciones posteriores de Dilma Rousseff, Michel Temer y la elección de Jair Bolsonaro, haciendo énfasis en los escándalos que surgieron durante estos años y la fractura que tuvo la sociedad en ese país como consecuencia de ello. Se destaca el proceso judicial de “Lava Jato” el cual involucró en temas de corrupción a empresarios, políticos y a la empresa de petróleos de Brasil. (En mi blog de febrero de 2020).

 

“Las razones del lobo” (2020). Colombia. Directora: Marta Hincapié Uribe.

La voz de la propia directora nos hace un recuento de los hechos violentos de los últimos 50 años que han atravesado la historia de Colombia. Gracias a las bellísimas imágenes que sirven de respaldo a la narración, éstas nos permiten conectar con lo sucedido a través de una mirada más reposada. Es de anotar que toda la película transcurre en el interior del club campestre de Medellín. Un documental sensible, con un libreto impecable, un sonido claro y unas imágenes hermosas y tranquilas para hablar de hechos muy dolorosos de la historia del país. (En mi blog de noviembre de 2020).

 

“Para Sama” (2019). Reino Unido. Directores: Waad Al-Kateab y Edward Watts”.

Este documental es filmado por su directora (madre de Sama) durante 4 años, en Alepo, ciudad siria, en plena guerra entre los rebeldes contra las tropas del régimen de Bashar al-Asad. Los dramas vividos por sus habitantes y la historia personal de Waad, de su esposo médico y de su hija, quedan plasmados en esta cinta, la cual finaliza con la retoma de la ciudad por parte del ejército del régimen. Se muestra aquí una descripción cruda y desgarradora de lo que representa una guerra.

  

SERIES

 “TEN PERCENT”. 3 temporadas.

Serie Francesa que aborda con muy buen humor y excelentes protagonistas el día a día de una agencia de representación de actores. (Netflix).

 

“LA MARAVILLOSA SRA. MEISEL”. 3 temporadas

Ambientada a fines de los años 50, comienzos de los 60 en Nueva York, está comedia se centra en la vida de Midge, su protagonista, quien pasó de ser un ama de casa judía, a una brillante comediante de shows en vivo. Excelentes actuaciones y ambientación de época. Shows con un humor inteligente. (Prime)

 

“THE GOOD FIGHT”. 3 temporadas

Serie de TV estadounidense sobre temas jurídicos. Es una derivación de la serie “the Good wife”, su protagonista es una abogada de raza blanca que llega a formar parte de un bufete mayoritariamente negro. Muy actual por sus referencias a las manipulaciones mediáticas y de redes sociales en temas políticos. (Prime)

 

“ROMPAN TODO”. 6 capítulos.

La historia del surgimiento del rock en América Latina y su conexión con el entorno sociopolítico de estos países. El rock como reacción a la inconformidad tanto con el estado de cosas como con sus líderes. Se presentan imágenes de archivo de conciertos y personajes estelares. (Netflix).

 

 

 

 

 

 

MI SELECCION DE PELÍCULAS EN EL 2020

 

Las películas que escojo a continuación son de 2019 y 2020, muchas de ellas no pudieron proyectarse en salas o lo hicieron tardíamente en plataformas, especialmente por razones de la pandemia. Con un criterio absolutamente subjetivo, como son todas las selecciones, estas fueron mis preferidas, aunque no todas fueron  reseñadas en mi blog “dardo al infinito”. Cabe destacar que varias de ellas son dirigidas por mujeres, algo que considero afortunado, y la verdad no fue éste el criterio para escogerlas.

Películas sobre reflexiones personales.

“Reina de corazones” (2019). Dinamarca. Directora: May el Toukhy.

Sobre la relación de una abogada defensora de abusos contra menores y su relación con su hijastro, menor de edad, con quien sostiene un romance y todo lo que ello desencadena. Se nos presenta la paradoja de la situación y hasta dónde puede llegar una persona para defender sus privilegios. (Ver mi blog de enero de 2020).

“Madre”. (2019). España. Director: Rodrigo Sorogoyen

Una mujer separada, tiene un último contacto telefónico con su hijo de 7 años quien asustado se comunica con ella desde la playa donde su padre alcohólico lo había dejado abandonado. Allí, donde el niño fue visto por última vez, ella fija su residencia por más de 10 años y sigue buscándolo entre los turistas jóvenes que van a veranear. Un trauma que nunca se supera.

“A Fall from Grace”. (2020). Estados Unidos. Director: Tyler Perry

Una mujer madura (55 años), separada, cae en los brazos de un vividor Joven, talentoso, buen mozo. Este hombre logra enredarla al punto de quitarle su dinero y la hace responsable por delitos que no cometió. La película muestra el afán por encontrar el amor para vencer la soledad: “Las mujeres de tu edad son presa fácil”.

“We missed you”. (2019). Inglaterra. Director: Ken Loach

La última película de este gran director quien devela las problemáticas sociales de nuestro tiempo; en este caso, se enfoca en la precariedad del trabajo “independiente” (tu eres tu propio jefe), pero que conduce a la esclavitud y a la dedicación de tiempo completo para poder obtener un ingreso decente. Todo ello con las consecuencias sobre el entorno familiar. El guión es de Paul Laverty, quien ha escrito para varias películas de este director.

“Cuidado con los niños” (Barn). (2019). Noruega. Director: Dag Johan Haugerud

Un niño muere por causa de un accidente en un juego entre sus compañeros de escuela. A partir de este hecho se desencadenan inculpaciones, señalamientos e incluso conflictos políticos, pues la víctima era hijo de un político de derecha y la niña acusada del deceso, es la hija de unos militantes de izquierda. Una reflexión sobre la educación y la comunicación de padres e hijos.

“La audición”. (2019). Alemania. Directora: Ina Weise.

Una profesora de violín se vuelve la tutora de un adolescente que aspira a ser aceptado en una prestigiosa escuela de música. A través de la relación con su alumno, la maestra deja ver sus propias inseguridades y miedos. Paralelamente se nos presenta el conflicto con su hijo, también estudiante de violín. La tensión y las exigencias hacia ambos jóvenes exponen las frustraciones de la mujer con su profesión y con su relación matrimonial. Excelente actuación de Nina Hoss.

 

Películas sobresalientes en fotografía

“Retrato de una mujer en llamas”. (2019). Francia. Directora: Celine Sciamma.

Siglo XVIII, en una isla cerca de Francia una pintora es contratada para hacer el retrato de una mujer, el cual será enviado a su futuro esposo, con el fin de que la conozca a través de este medio. Las dos mujeres –pintora y modelo- se involucran en un corto romance. La cinta hace un elogio del amor sin prejuicios. La fotografía destaca los momentos que juntas disfrutaron. Una película feminista que muestra como el amor transgrede las convenciones de esa época.

“La tercera esposa”. (2018). Vietnam. Directora: Ashleigh Mayfair.

Vietnam, siglo XIX. Un terrateniente se casa por tercera vez con una niña de 14 años. La convivencia entre las tres esposas muestra los celos, las intrigas, las envidias para convertirse en la madre de quien será el heredero. Las escenas de la vida en el campo, las que se toman a través de los reflejos en el agua, la ambientación de las noches, son toda una recreación para los ojos.

 

Películas sobre conflictos sociales

“Los miserables”. (2020). Francia. Director: Ladj Ly

La película se desarrolla en años recientes, en Montfermeil, suburbio de Paris (donde vivió el director). La policía y los inmigrantes que allí habitan se mantienen en constante tensión debido a la marginación social y a las precarias condiciones económicas, reviviendo situaciones de los protagonistas de la novela de Víctor Hugo. Unos y otros buscan aliados para defenderse. Dos hechos en los cuales los niños son protagonistas, marcan la trama y exhiben los conflictos de varios de los bandos que allí conviven. Muy bien realizada. (Ver mi blog de mayo de 2020).

“La hija de un ladrón”. (2019). España. Directora: Belén Funes

Una joven y su hijo viven bajo la protección social por el encarcelamiento de su padre. Con el propósito de lograr la custodia de su hermano quien permanece en una casa de bienestar, ella busca desesperadamente un trabajo estable. Sus andanzas en los múltiples roles de madre, hermana, hija, empleada, nos dejan abrumados; con la única certeza al final, como ella misma lo expresa, de que “sigue estando sola”.

“El joven Ahmed”. (2019). Bélgica-Francia. Directores: Jean-Pierre y Luc Dardenne.

Ahmed, un muchacho de 13 años de edad de descendencia árabe, se dedica a estudiar el Corán y es influenciado por su Imán en la corriente radical del islam. Asesinar a una de las profesoras de su escuela la cual da clases con una aproximación religiosa del Corán más abierta y tolerante, se convierte en su objetivo. Una mirada a las posturas extremas de esta religión y a la alienación dentro de jóvenes que buscan un propósito de vida.

“Dios es mujer y se llama Petrunya”. (2019). Macedonia. Directora: Teona Strugar Mitevska.

En desarrollo de una fiesta religiosa, en un pueblo de Macedonia, se lleva a cabo una tradicional competencia que consiste en arrojar una cruz de madera al río para que sea encontrada por alguno de los concursantes. Quien la atrape tendrá derecho a conservarla por un año y ello le asegura durante el mismo lapso, la felicidad. Petrunya es quien obtiene el trofeo. El problema es que este juego es solo para hombres y ellos no aceptan el triunfo por parte de una mujer, así como tampoco lo hacen las autoridades civiles y religiosas. Ella, que siempre se ha sentido marginada, está dispuesta a defender aquello que ganó por mérito propio. Una mirada a las costumbres machistas que se reafirman con la religión.

Películas basadas en historias reales

“Never Look away”. (2018). Alemania. Director: Florian Henkel Von Donnersmarck.

Un artista nos hace un recorrido por las situaciones personales vividas antes, durante y después de la Segunda Guerra Mundial en Alemania. En un recorrido por varios años apreciamos los cambios que los diferentes hechos causaron en su vida y la incidencia que tuvieron en el mundo del arte. La persistencia en su pasión artística permitió a su protagonista hallar su camino. Excelente actuación de Sebastian Koch. (Ver mi blog de agosto 2020)

“El oficial y el espía”. (2019). Francia. Director: Román Polansky.

El capitán de origen judío Alfred Dreyfus, a fines del siglo XIX, fue acusado en Francia de espiar para el gobierno alemán y condenado por alta traición. El caso, conocido como Dreyfus, dividió la opinión en el país. Posteriormente, gracias al trabajo investigativo del oficial Picquart y al apoyo de intelectuales franceses, entre ellos el escritor Emilio Zola, se comprobó que todo había sido un complot. Una recreación de un caso que permitió ver las posiciones políticas opuestas en Francia y hasta donde puede conducir el ánimo de desprestigiar al opositor.

“El precio de la verdad”. (2019). Estados Unidos. Director: Todd Haynes

Esta película se basa en la demanda a la multinacional Dupont por parte de un abogado quien estuvo luchando por esta causa durante 15 años, para demostrar el envenenamiento producido por el teflón que ellos producían. Una lucha sin tregua, que significó para este hombre una serie de sacrificios personales y profesionales, contra una poderosa empresa. Excelente elenco y una cinta muy bien documentada.

“El robo del siglo”. (2020). Argentina. Director: Ariel Winograd.

Se trata de la reconstrucción de un robo a un banco de Argentina, minuciosamente planificado, y para el cual solo se utilizaron armas de juguete. A pesar de que hubo rehenes durante todo el tiempo, nadie salió herido. Una cinta simpática y entretenida. Excelente actuación de Guillermo Francella.

“La odisea de los giles”. (2019). Argentina. Director: Sebastian Borensztein.

A raíz de la crisis del “corralito” en Argentina, los miembros de una cooperativa agrícola de un pueblo pierden sus ahorros. El hecho cuenta con la complicidad del gerente del banco donde manejan el dinero y de un abogado, quienes sabían lo que iba a suceder. La lucha que emprenden los estafados busca recuperar lo que les pertenece. Un caso que muestra la vulnerabilidad de los más débiles frente a las crisis económicas. Con Ricardo Darín, Luis Brandon y Andrés Parra, tres grandes actores.