LOS MEJORES DOCUMENTALES DEL 2020 Y 4 SERIES

 

Como continuación de mi último blog sobre las mejores películas de 2020, relaciono los documentales que, en mi concepto, merecen ser vistos.

 

“American Factory” (2019). Estados Unidos. Directores: Julia Reichert y Steven Bognar”.

Ante el cierre de una fábrica de General Motors en Dayton, Ohio, una factoría china que produce vidrio se instala allí, aprovechando la infraestructura y el personal que había quedado cesante. El documental nos lleva a mirar dos culturas, la china y la estadounidense, las dificultades que se generan en su convivencia, la forma que tiene cada una de resolver los problemas y un vistazo al tema sindical en ambos países. (En mi blog de junio de 2020).

 

“Al filo de la democracia” (2019). Brasil. Directora: Petra Costa.

Esta película se enfoca en la política de Brasil durante el primer mandato de Lula da Silva, en 2002 y en las administraciones posteriores de Dilma Rousseff, Michel Temer y la elección de Jair Bolsonaro, haciendo énfasis en los escándalos que surgieron durante estos años y la fractura que tuvo la sociedad en ese país como consecuencia de ello. Se destaca el proceso judicial de “Lava Jato” el cual involucró en temas de corrupción a empresarios, políticos y a la empresa de petróleos de Brasil. (En mi blog de febrero de 2020).

 

“Las razones del lobo” (2020). Colombia. Directora: Marta Hincapié Uribe.

La voz de la propia directora nos hace un recuento de los hechos violentos de los últimos 50 años que han atravesado la historia de Colombia. Gracias a las bellísimas imágenes que sirven de respaldo a la narración, éstas nos permiten conectar con lo sucedido a través de una mirada más reposada. Es de anotar que toda la película transcurre en el interior del club campestre de Medellín. Un documental sensible, con un libreto impecable, un sonido claro y unas imágenes hermosas y tranquilas para hablar de hechos muy dolorosos de la historia del país. (En mi blog de noviembre de 2020).

 

“Para Sama” (2019). Reino Unido. Directores: Waad Al-Kateab y Edward Watts”.

Este documental es filmado por su directora (madre de Sama) durante 4 años, en Alepo, ciudad siria, en plena guerra entre los rebeldes contra las tropas del régimen de Bashar al-Asad. Los dramas vividos por sus habitantes y la historia personal de Waad, de su esposo médico y de su hija, quedan plasmados en esta cinta, la cual finaliza con la retoma de la ciudad por parte del ejército del régimen. Se muestra aquí una descripción cruda y desgarradora de lo que representa una guerra.

  

SERIES

 “TEN PERCENT”. 3 temporadas.

Serie Francesa que aborda con muy buen humor y excelentes protagonistas el día a día de una agencia de representación de actores. (Netflix).

 

“LA MARAVILLOSA SRA. MEISEL”. 3 temporadas

Ambientada a fines de los años 50, comienzos de los 60 en Nueva York, está comedia se centra en la vida de Midge, su protagonista, quien pasó de ser un ama de casa judía, a una brillante comediante de shows en vivo. Excelentes actuaciones y ambientación de época. Shows con un humor inteligente. (Prime)

 

“THE GOOD FIGHT”. 3 temporadas

Serie de TV estadounidense sobre temas jurídicos. Es una derivación de la serie “the Good wife”, su protagonista es una abogada de raza blanca que llega a formar parte de un bufete mayoritariamente negro. Muy actual por sus referencias a las manipulaciones mediáticas y de redes sociales en temas políticos. (Prime)

 

“ROMPAN TODO”. 6 capítulos.

La historia del surgimiento del rock en América Latina y su conexión con el entorno sociopolítico de estos países. El rock como reacción a la inconformidad tanto con el estado de cosas como con sus líderes. Se presentan imágenes de archivo de conciertos y personajes estelares. (Netflix).

 

 

 

 

 

 

MI SELECCION DE PELÍCULAS EN EL 2020

 

Las películas que escojo a continuación son de 2019 y 2020, muchas de ellas no pudieron proyectarse en salas o lo hicieron tardíamente en plataformas, especialmente por razones de la pandemia. Con un criterio absolutamente subjetivo, como son todas las selecciones, estas fueron mis preferidas, aunque no todas fueron  reseñadas en mi blog “dardo al infinito”. Cabe destacar que varias de ellas son dirigidas por mujeres, algo que considero afortunado, y la verdad no fue éste el criterio para escogerlas.

Películas sobre reflexiones personales.

“Reina de corazones” (2019). Dinamarca. Directora: May el Toukhy.

Sobre la relación de una abogada defensora de abusos contra menores y su relación con su hijastro, menor de edad, con quien sostiene un romance y todo lo que ello desencadena. Se nos presenta la paradoja de la situación y hasta dónde puede llegar una persona para defender sus privilegios. (Ver mi blog de enero de 2020).

“Madre”. (2019). España. Director: Rodrigo Sorogoyen

Una mujer separada, tiene un último contacto telefónico con su hijo de 7 años quien asustado se comunica con ella desde la playa donde su padre alcohólico lo había dejado abandonado. Allí, donde el niño fue visto por última vez, ella fija su residencia por más de 10 años y sigue buscándolo entre los turistas jóvenes que van a veranear. Un trauma que nunca se supera.

“A Fall from Grace”. (2020). Estados Unidos. Director: Tyler Perry

Una mujer madura (55 años), separada, cae en los brazos de un vividor Joven, talentoso, buen mozo. Este hombre logra enredarla al punto de quitarle su dinero y la hace responsable por delitos que no cometió. La película muestra el afán por encontrar el amor para vencer la soledad: “Las mujeres de tu edad son presa fácil”.

“We missed you”. (2019). Inglaterra. Director: Ken Loach

La última película de este gran director quien devela las problemáticas sociales de nuestro tiempo; en este caso, se enfoca en la precariedad del trabajo “independiente” (tu eres tu propio jefe), pero que conduce a la esclavitud y a la dedicación de tiempo completo para poder obtener un ingreso decente. Todo ello con las consecuencias sobre el entorno familiar. El guión es de Paul Laverty, quien ha escrito para varias películas de este director.

“Cuidado con los niños” (Barn). (2019). Noruega. Director: Dag Johan Haugerud

Un niño muere por causa de un accidente en un juego entre sus compañeros de escuela. A partir de este hecho se desencadenan inculpaciones, señalamientos e incluso conflictos políticos, pues la víctima era hijo de un político de derecha y la niña acusada del deceso, es la hija de unos militantes de izquierda. Una reflexión sobre la educación y la comunicación de padres e hijos.

“La audición”. (2019). Alemania. Directora: Ina Weise.

Una profesora de violín se vuelve la tutora de un adolescente que aspira a ser aceptado en una prestigiosa escuela de música. A través de la relación con su alumno, la maestra deja ver sus propias inseguridades y miedos. Paralelamente se nos presenta el conflicto con su hijo, también estudiante de violín. La tensión y las exigencias hacia ambos jóvenes exponen las frustraciones de la mujer con su profesión y con su relación matrimonial. Excelente actuación de Nina Hoss.

 

Películas sobresalientes en fotografía

“Retrato de una mujer en llamas”. (2019). Francia. Directora: Celine Sciamma.

Siglo XVIII, en una isla cerca de Francia una pintora es contratada para hacer el retrato de una mujer, el cual será enviado a su futuro esposo, con el fin de que la conozca a través de este medio. Las dos mujeres –pintora y modelo- se involucran en un corto romance. La cinta hace un elogio del amor sin prejuicios. La fotografía destaca los momentos que juntas disfrutaron. Una película feminista que muestra como el amor transgrede las convenciones de esa época.

“La tercera esposa”. (2018). Vietnam. Directora: Ashleigh Mayfair.

Vietnam, siglo XIX. Un terrateniente se casa por tercera vez con una niña de 14 años. La convivencia entre las tres esposas muestra los celos, las intrigas, las envidias para convertirse en la madre de quien será el heredero. Las escenas de la vida en el campo, las que se toman a través de los reflejos en el agua, la ambientación de las noches, son toda una recreación para los ojos.

 

Películas sobre conflictos sociales

“Los miserables”. (2020). Francia. Director: Ladj Ly

La película se desarrolla en años recientes, en Montfermeil, suburbio de Paris (donde vivió el director). La policía y los inmigrantes que allí habitan se mantienen en constante tensión debido a la marginación social y a las precarias condiciones económicas, reviviendo situaciones de los protagonistas de la novela de Víctor Hugo. Unos y otros buscan aliados para defenderse. Dos hechos en los cuales los niños son protagonistas, marcan la trama y exhiben los conflictos de varios de los bandos que allí conviven. Muy bien realizada. (Ver mi blog de mayo de 2020).

“La hija de un ladrón”. (2019). España. Directora: Belén Funes

Una joven y su hijo viven bajo la protección social por el encarcelamiento de su padre. Con el propósito de lograr la custodia de su hermano quien permanece en una casa de bienestar, ella busca desesperadamente un trabajo estable. Sus andanzas en los múltiples roles de madre, hermana, hija, empleada, nos dejan abrumados; con la única certeza al final, como ella misma lo expresa, de que “sigue estando sola”.

“El joven Ahmed”. (2019). Bélgica-Francia. Directores: Jean-Pierre y Luc Dardenne.

Ahmed, un muchacho de 13 años de edad de descendencia árabe, se dedica a estudiar el Corán y es influenciado por su Imán en la corriente radical del islam. Asesinar a una de las profesoras de su escuela la cual da clases con una aproximación religiosa del Corán más abierta y tolerante, se convierte en su objetivo. Una mirada a las posturas extremas de esta religión y a la alienación dentro de jóvenes que buscan un propósito de vida.

“Dios es mujer y se llama Petrunya”. (2019). Macedonia. Directora: Teona Strugar Mitevska.

En desarrollo de una fiesta religiosa, en un pueblo de Macedonia, se lleva a cabo una tradicional competencia que consiste en arrojar una cruz de madera al río para que sea encontrada por alguno de los concursantes. Quien la atrape tendrá derecho a conservarla por un año y ello le asegura durante el mismo lapso, la felicidad. Petrunya es quien obtiene el trofeo. El problema es que este juego es solo para hombres y ellos no aceptan el triunfo por parte de una mujer, así como tampoco lo hacen las autoridades civiles y religiosas. Ella, que siempre se ha sentido marginada, está dispuesta a defender aquello que ganó por mérito propio. Una mirada a las costumbres machistas que se reafirman con la religión.

Películas basadas en historias reales

“Never Look away”. (2018). Alemania. Director: Florian Henkel Von Donnersmarck.

Un artista nos hace un recorrido por las situaciones personales vividas antes, durante y después de la Segunda Guerra Mundial en Alemania. En un recorrido por varios años apreciamos los cambios que los diferentes hechos causaron en su vida y la incidencia que tuvieron en el mundo del arte. La persistencia en su pasión artística permitió a su protagonista hallar su camino. Excelente actuación de Sebastian Koch. (Ver mi blog de agosto 2020)

“El oficial y el espía”. (2019). Francia. Director: Román Polansky.

El capitán de origen judío Alfred Dreyfus, a fines del siglo XIX, fue acusado en Francia de espiar para el gobierno alemán y condenado por alta traición. El caso, conocido como Dreyfus, dividió la opinión en el país. Posteriormente, gracias al trabajo investigativo del oficial Picquart y al apoyo de intelectuales franceses, entre ellos el escritor Emilio Zola, se comprobó que todo había sido un complot. Una recreación de un caso que permitió ver las posiciones políticas opuestas en Francia y hasta donde puede conducir el ánimo de desprestigiar al opositor.

“El precio de la verdad”. (2019). Estados Unidos. Director: Todd Haynes

Esta película se basa en la demanda a la multinacional Dupont por parte de un abogado quien estuvo luchando por esta causa durante 15 años, para demostrar el envenenamiento producido por el teflón que ellos producían. Una lucha sin tregua, que significó para este hombre una serie de sacrificios personales y profesionales, contra una poderosa empresa. Excelente elenco y una cinta muy bien documentada.

“El robo del siglo”. (2020). Argentina. Director: Ariel Winograd.

Se trata de la reconstrucción de un robo a un banco de Argentina, minuciosamente planificado, y para el cual solo se utilizaron armas de juguete. A pesar de que hubo rehenes durante todo el tiempo, nadie salió herido. Una cinta simpática y entretenida. Excelente actuación de Guillermo Francella.

“La odisea de los giles”. (2019). Argentina. Director: Sebastian Borensztein.

A raíz de la crisis del “corralito” en Argentina, los miembros de una cooperativa agrícola de un pueblo pierden sus ahorros. El hecho cuenta con la complicidad del gerente del banco donde manejan el dinero y de un abogado, quienes sabían lo que iba a suceder. La lucha que emprenden los estafados busca recuperar lo que les pertenece. Un caso que muestra la vulnerabilidad de los más débiles frente a las crisis económicas. Con Ricardo Darín, Luis Brandon y Andrés Parra, tres grandes actores.

 

 

 

 

 

 

 

 

MARADONA BY KUSTURICA

 

“A los dioses se les perdona todo”.

 

Director: Emir Kusturica
Año: 2008
País: España-Francia
Protagonistas: Diego Armando Maradona y Emir Kusturica

 

Empiezo por confesar que me alentó a ver este documental mi admiración por Emir Kusturica, el director serbio autor de cintas premiadas en los festivales de cine de Cannes y de Venecia, entre otros. Sus películas son inolvidables pues a pesar de la dificultad para entender el contexto histórico en el cual se desarrollan, de Yugoeslavia y la compleja región de los Balcanes, retratan con una gran sensibilidad las vivencias de sus personajes.

Esta película sobre Diego Armando Maradona finalizada en el año 2008 toma vigencia con la reciente muerte del argentino, admirado como uno de los mejores futbolistas del mundo. Dos años le tomo a Kusturica su realización, pues no le resultó fácil el seguimiento a su protagonista, además tuvo un recorrido por varias locaciones, pues fue filmado en Argentina, Nápoles, Cuba y Belgrado. En él se involucran imágenes de archivo desde que Maradona era un niño, los goles que lo hicieron inmortal y las varias intervenciones clínicas que generaron noticias por sus problemas de drogas.

La música juega un papel importante en la cinta pues se incluyen temas de algunas de las películas del director, entre ellas la de “underground”, apartes de un concierto realizado por la banda de rock de la cual forma parte Kusturica, los bailes de tango y el acompañamiento del bandoneón en San Telmo, la canción de Manu Chao dedicada al futbolista, el himno de Maradona interpretado por sus fans y por el mismo jugador. El documental incluye igualmente pequeños cortos en caricatura que ilustran jugadas de Maradona y las críticas por sus actos que expresó a varios políticos y líderes.

A lo largo de 96 minutos Kusturica nos muestra el lado admirable del jugador, su entrega a los equipos con los cuales jugó y su dedicación a la selección argentina cuando se le convocó, al punto de generar idolatría por parte de sus fans. Pero también nos deja ver el lado oscuro de este personaje, en su relación con el alcohol y las drogas que lo tuvieron varias veces al borde de la muerte y lo distanciaron de su entorno familiar. Sin juzgamientos, el documental muestra que esas 2 facetas tienen cabida en un mismo personaje.

Proveniente de una familia de origen humilde, salida del barrio Fiorito de Buenos Aires, Maradona siempre amó el fútbol y no dudó que con este deporte iba a construir su camino hacia la gloria. Esta producción nos permite ver el ídolo que fue para los hinchas del Boca Juniors, así como para los del club Nápoles al lograr que este equipo de menor categoría lograra figuración. Así mismo, en su paso por la selección Nacional, logró que Argentina se coronara campeón del mundo en México en 1986, destacando el partido con Inglaterra, 4 años después de concluida la guerra de las Malvinas.

Sobre el partido que Argentina jugó contra Inglaterra, Maradona dice que ellos estaban representando a los muertos de las Malvinas y en esa medida este hecho fue como una guerra política ganada. Sobre el Nápoles, expresa que el equipo representaba un sur italiano que difícilmente podía ganarle a un equipo del norte y el haberlo logrado lo enorgullecía. Según el director, Maradona veía en el fútbol un mundo donde las pequeñas naciones podían ganar a las grandes y tomar venganza.

La adoración por este jugador de categoría mundial alcanzó niveles inverosímiles con la fundación de la iglesia maradoniana. En varias tomas, la película nos lleva por el bar cocodrilo, centro de las reuniones de los seguidores del jugador en Buenos Aires, el ritual llevado a cabo para los iniciados de esta iglesia, los símbolos por ellos utilizados y hasta los matrimonios allí realizados.

La faceta del Diego político también se nos expone, en sus relaciones con Fidel Castro, Hugo Chaves (llevaba tatuados físicamente en su cuerpo a Fidel y al Che Guevara) y Evo Morales. Profesaba admiración por estos dictadores de izquierda pues ellos encarnaban la posición anti-estadounidense que siempre sostuvo, además de un discurso revolucionario con el cual se identificaba, por lo menos en teoría. Kusturica, quien hace la voz en off del documental, nos dice que si Maradona no hubiese sido futbolista habría sido revolucionario. Sus encuentros con estos presidentes fueron utilizados por ellos para hacer propaganda política y era invitado a sus manifestaciones para atraer multitudes. Maradona fue por otra parte un crítico de los abusos y la corrupción en el fútbol por parte de dirigentes deportivos como Havelange y Blatter.

En la conversación que sostienen cara a cara Kusturica y Maradona, donde éste último habla de manera espontánea y desprevenida, confiesa el infierno vivido a causa de las drogas, el alejamiento de sus hijas que ello le significó y la culpa que siente por no poder controlar la adicción. En las escenas en las cuales aparece su esposa, Claudia Villafañe, ella se ve tensa, con la expectativa de que en cualquier momento los excesos del vicio y de la personalidad de “el Diego” lo desborden.

Un aspecto importante del documental es el paralelo que hace Kusturica entre escenas de algunas de sus películas con aspectos de la vida de Maradona. De la cinta “gato negro, gato blanco” hace alusión a uno de sus personajes que era “el peor enemigo de sí mismo” así como la resurrección que tuvo otro de ellos después de que se creía muerto y lo compara con el regreso a la vida que varias veces tuvo Maradona después de las hospitalizaciones. De la película “Papa está en viaje de negocios”, destaca los viajes en tren como el que hizo el director con Maradona a Mar de plata. De la película “¿Te acuerdas de Dolly Bell?” destaca la solidaridad de los pobres de la que también fue testigo Maradona.

El documental, más que una biografía de Maradona, nos deja viva la pregunta que hace el director cuando decide hacer el documental ¿Quién es ese hombre? Y la verdad es que al final no podemos tener una respuesta única sobre ese personaje intenso, carismático, desbordado, que proporcionó muchas alegrías a los amantes del fútbol, pero también muchas decepciones a las personas de su entorno, que dijo verdades que muchos no se atrevieron a expresar pero que al mismo tiempo defendió, con más idealismo que argumentos, a dictadores que actuaban con abusos que él tanto criticó. Un ser lleno de contradicciones que tal vez por esa combinación del Dios que fué para muchos con las debilidades del hombre, permitió que millones se identificaran con él.

Sobre el Director. Emir Kusturica nació 1954 en Sarajevo, Yugoeslavia en su momento. Director, guionista, músico. Ganador de 2 palmas de oro en el festival de Cannes con las películas “Papá está de viaje de negocios” (1985) y “Underground” (1995). Ganador de un león de oro en el festival de cine de Venecia por la película “¿Te acuerdas de Dolly Bell?” (1981). Otras de sus películas son: Tiempo de gitanos (1989), “El sueño de Arizona” (1993), “Gato negro, gato blanco” (1998), “La vida es un milagro” (2004). Su última película es sobre José Mujica, “El Pepe, una vida suprema” (2020).

 

Se puede ver en: Netflix o en https://zoowoman.website/wp/movies/maradona-by-kusturica/

 

 

 

 

 

 

LAS RAZONES DEL LOBO

(elegida para abrir la MIDBO- 2020 muestra internacional documental de Bogotá)

 

A mi profesora de apreciación cinematográfica, la brillante directora de este documental

 

Directora: Marta Hincapié Uribe

Año: 2020

País: Colombia

 

La propia voz de la directora de este documental, Marta Hincapié Uribe, nos hace un recuento de los hechos violentos de los últimos 50 años que han atravesado la historia de Colombia, pero que gracias a las bellísimas imágenes que sirven de respaldo a su narración, nos permiten conectar con lo sucedido mediante una mirada más reposada y asimilar tan convulsionados acontecimientos.

Toda la película transcurre en el interior del club campestre de Medellín, excepto al inicio, en unas tomas que se hacen a los vendedores ambulantes localizados en sus alrededores, por fuera de las rejas que rodean al club y en la escena con la cual finaliza la cinta. Esta mirada introspectiva resulta consistente con el sentimiento que Marta expresa desde el comienzo, sobre el miedo y la zozobra con las cuales vivió en esta ciudad y la seguridad que le daba el espacio cerrado y protegido del club.

La narración pausada y armoniosa nos va llevando por los hechos desatados como consecuencia de la pérdida de las elecciones por parte del general Rojas Pinilla, lo cual dió origen al movimiento guerrillero M-19; continúa con las acciones de horror causadas por las guerrillas de las FARC y el EPL; el surgimiento de los grupos paramilitares y sus masacres; el auge de la mafia y su declaración de guerra mediante bombas colocadas en las principales ciudades. Un panorama que visualiza el desasosiego y la ansiedad ante las constantes amenazas que desde muchos frentes han sometido a la población por décadas, y donde han sido insuficientes los intentos de varios presidentes por conseguir la paz.

Este complejo ambiente tuvo incidencia al interior de la familia Hincapié-Uribe, cuyos miembros vivían sus propias contradicciones. El padre, Guillermo Hincapié, militante del partido conservador, “un pueblerino sin complejos” como su hija lo define, llegó a ser alcalde de Medellín, y su madre, María Teresa Uribe, una intelectual de izquierda, profesora e investigadora, fue ampliamente reconocida a nivel nacional por sus aportes sobre la violencia en Colombia. En esos tiempos de turbulencia la familia enfrentó en carne propia situaciones difíciles: el secuestro de una tía de Marta por parte de la guerrilla, el asesinato de su primo Guillermo Gaviria, gobernador de Antioquia, cuando el ejército intentaba su rescate de manos de la guerrilla, así como el homicidio de profesores y líderes sociales de Medellín, compañeros de su madre, que la obligaron al exilio por temor a ser asesinada.

A través de una simbología muy sutil pero que reproduce aspectos de la sociedad paisa de la época, la cámara nos recrea con primeros planos como el de los caballos, muy apreciados por la mafia y emblema de su riqueza o el de una avioneta de aeromodelismo que sobrevuela una cancha de futbol, medios muy usados en su momento para transportar los cargamentos ilegales de coca. Otras tomas, que van a la par con el relato, reflejan el caos y el constreñimiento en el que vivían los habitantes de la ciudad, como la que hace referencia a la telaraña que enreda a su víctima o la de una comunidad de insectos, confundidos sobre la hierba. Se recurre igualmente a imágenes de archivo con representaciones del circo “Tangarife”, que actuaba dentro del club, incluyendo parodias en su reportorio como el cuento de Caperucita Roja, en el cual se trastoca el personaje de la niña con el del lobo y que da origen al nombre del documental. El club era una urna de cristal al interior de una ciudad agitada, muy cerca y al mismo tiempo ajeno a muchos de los problemas que afuera sucedían.

Varias son las anécdotas narradas a lo largo de la película, pero hay una en particular que define la relación entre los padres de la directora, dos personajes de pensamientos bien distintos, pero que convivieron en el respeto y la complicidad. Se refiere a un árbol de totumo sembrado frente a su casa, el cual los había acompañado por mucho tiempo, encontrándolo un día María Teresa desgarrado de raíz, lo que produjo su llanto. La reacción del padre fue volverlo a sembrar y sostenerlo con alambres de acero que permitiera su conservación y diera consuelo a su esposa para resarcir ese lamento.

La escena final, con la cual concluye el documental, hace una toma de María Teresa en su casa oyendo los resultados finales del plebiscito promovido por Juan Manuel Santos para pedir la ratificación del acuerdo de paz, y su enorme desilusión ante el triunfo del NO. Ello contrasta con los ruidos que se oyen afuera y que obedecen a la celebración en Medellín, con voladores y pólvora, por la misma razón.

Un documental sensible, con un libreto impecable, un sonido claro y unas imágenes hermosas y tranquilas para hablar de hechos muy dolorosos de la historia del país. Una película que nos demuestra que hay muchas formas de narrar, sin tener que recurrir al morbo de los muertos y de la sangre, aun para describir sucesos que han significado violencia, rabia y dolor.

Sobre la Directora. Marta Hincapié Uribe es abogada de la Universidad de Medellín. Comunicadora social periodista de la Universidad de Antioquia. Egresada del Centro de estudios cinematográficos de Cataluña en montaje y sonido cinematográfico. Documentalista independiente. Otros de sus documentales: La pena secreta, los demonios sueltos, cartas desde la niebla.
  

 RUTH BADER GINSBURG: UNA ABOGADA ADMIRABLE

  Una película y un documental sobre su vida.

“No pido ningún favor para mi sexo, todo lo que pido es que dejen de oprimirnos”. Sarah Grimké, abolicionista citada por Ruth B Ginsburg.

 

“Madre, mujer y judía”, como se lo recordó uno de los abogados con quien se entrevistó después de haber terminado sus estudios de derecho en la Universidad de Columbia en New York. Esa era Ruth Bader Ginsburg, pero por encima de todo, una brillante abogada que acaba de fallecer a sus 87 años.

Un perfil de esta valiente mujer podemos verlo en el documental “la Jueza”, respaldado en imágenes de archivo que nos muestran su desempeño frente a los casos que defendió, además de su faceta personal a partir de testimonios de familiares y amigos cercanos. Por su parte la película “la voz de la igualdad” se concentra en uno de los casos emblemáticos que fueron asumidos por esta abogada, dentro de su propósito de lograr la equidad de género, en momentos en los cuales se discriminaba por pertenecer a uno u otro sexo y cuando aún estaban lejos las actuales conquistas, especialmente para las mujeres.

Desde que RBG, como después fue conocida, inició estudios de derecho en la universidad de Harvard, culminados después en la universidad de Columbia, pasando por la dificultad para conseguir un trabajo como abogada una vez titulada, y sorteando muchas situaciones personales como la enfermedad de su marido, siempre estuvo obsesionada por la discriminación de género.

Doce entrevistas afrontó Ruth Ginsburg en los bufetes de New York tratando de engancharse laboralmente, siendo rechazada a pesar de haber sido una de las mejores alumnas en las 2 universidades donde estudió. Ello la obligó a vincularse como docente en la Universidad de Rutgers, llenando la vacante dejada por un profesor negro. A partir de un estudio que ella adelantó sobre las leyes promulgadas en Estados Unidos, se dió cuenta que estas limitaban la vida, tanto laboral como personal, dada la condición de género. Romper estas barreras se convirtió en su propósito de vida, haciéndose cargo de asuntos que la mayoría de abogados no contemplaban o creían que significaban una causa perdida.

Uno de dichos casos es el tema de la película aquí reseñada. Se trata de un hombre al cual no se le aceptó una deducción de impuestos por su labor de cuidador de su madre, argumentando que se trataba de una posibilidad reservada solo para las mujeres. De manera inteligente RBG escogió este incidente, previendo que podría tener mejor acogida y argumentando que no se trataba solo de las mujeres, sino de decisiones que estaban afectando a todos, pues se basaban en el género: “la ley no debería penalizar o beneficiar por género”. La Corte Suprema de Justicia de los Estados Unidos -CSJ-, acogió los argumentos de RBG y fue éste, el inicio de una serie de precedentes tendientes a armonizar una constitución que promulgaba los mismos derechos para todos los ciudadanos y un sinnúmero de leyes que los limitaban. “Las leyes son inconstitucionales”, decía ella.

El documental “la jueza” aborda otros casos defendidos por Ruth E Ginsburg que allanaron el terreno de las conquistas de género. Uno de ellos fue el reclamo de una joven perteneciente a la fuerza aérea, a quien le fue negado un préstamo de vivienda el cual si les otorgaron a sus otros compañeros del sexo masculino. Otro de los procesos fue el de un viudo que pedía los mismos beneficios que en su momento se les concedían a las madres, respecto a sus hijos. Ambos fueron llevados a la CSJ en EE.UU y obtuvieron sentencia favorable para RBG.

Dos personas fueron su inspiración para estas luchas: Jhon Marshall y Dorothy Kenyon. El primero defendió los derechos de los negros; la segunda, los derechos de las mujeres.

Su carrera y sus ideas progresistas permitieron que RBG fuera nominada para hacer parte de la CSJ, durante el gobierno de Bill Clinton y como lo manifiesta este ex presidente en el documental, fueron suficientes los primeros quince minutos en la entrevista que él tuvo con ella, para convencerse que era la indicada para el cargo. En la audiencia para su posterior ratificación en el senado, en 1993, RBG contó su historia personal y defendió su posición sobre la necesidad de luchar por el derecho de la mujer a tomar sus propias decisiones, incluyendo la del aborto. Aun con posiciones en contra de principios que defendían los republicanos, obtuvo una mayoría de 96 votos a favor y solo 3 en contra.

Otros aspectos se abordan en las dos cintas mencionadas, como por ejemplo el gusto de Ruth B Ginsburg por la ópera y sus excelentes relaciones con contradictores como el juez Antonin Scalia, compañero en la CSJ y quien tenía un pensamiento totalmente opuesto al de ella. Pero quien sin duda fue fundamental en la vida de esta mujer y contribuyó a su éxito profesional y personal fue su esposo, Martin Ginsburg, abogado también, compañero en la Universidad de Harvard y quien desarrolló una brillante carrera como tributarista.

El acompañamiento permanente de Marty, como RBG llamaba a su marido, el apoyo que le consiguió para obtener su nominación a la Suprema Corte; el rol que cumplió al interior del hogar con sus hijos y en las labores domésticas para que ella pudiera dedicarse a su trabajo que tanto le apasionaba, fueron apreciados y reconocidos por ella misma: “Marty estaba tan seguro de su capacidad que nunca me considero una amenaza”.

Mucho reconocimiento tuvo en vida la juez Ginsburg, al punto que su imagen y la abreviación de su nombre como RGB, fueron tomados del rapero Notorious B.I.G. Fue motivo de admiración de los estudiantes jóvenes, pero especialmente de las mujeres para quien ganó espacios impensables en los Estados Unidos hace 60 años.

En la actualidad la silla vacía que dejó RBG como uno de los nueve miembros de la CSJ de EEUU, cuyos periodos son vitalicios, es motivo de controversia. Aunque el nombramiento de su reemplazo es una potestad del presidente Trump, se está ad portas de las elecciones y muchos manifiestan que esta decisión debe posponerse hasta después de que se posesione el nuevo Presidente, como así se lo exigieron al presidente Obama en su momento.

De por medio están temas como la inmigración, el Obamacare, el aborto, que, dependiendo de la composición de la corte, conservadora o progresista, puede tomar decisiones en uno u otro sentido. Así mismo esta Corte deberá dirimir demandas contra las elecciones, en caso de que se presenten.

De cualquier forma, mucho se debe agradecer a la juez Ruth Bader Ginsburg que con sus ideas progresistas posibilitó espacios de equidad para las mujeres en Estados Unidos, que han servido de ejemplo para el mundo. “Estamos pidiendo que protejan el derecho del país a cambiar”.

Nota: Ambas películas se pueden ver en Amazon Prime

 

NEVER LOOK AWAY -Nunca dejes de mirar-
 

Director: Florian Henkel Von Donnersmarck

Año: 2018

País: Alemania

Reparto: Sebastian Koch, Tom Schilling, Paula Beer, Lars Eidinger, Rainer Bock, Oliver Masucci

Con la visita a un museo comienza y con la exposición en una galería de arte   concluye esta película, en tiempos lugares y circunstancias muy distintos. Desarrollada de manera cronológica, la cinta arranca en 1937, poco antes del inicio de la segunda guerra mundial, en un pueblo alemán cercano a Dresde, Alemania. Kurt, El protagonista, tiene 5 años y de la mano de su tía Elizabeth empieza a descubrir su gusto por la pintura.

A través de un recorrido por la vida de Kurt, el director nos ilustra sobre los acontecimientos decisivos en la historia de Alemania entre 1937 y 1964, pasando por la devoción de los ciudadanos al partido Nazi, la llegada de la segunda guerra mundial, la post guerra con la división del país entre oriente y occidente y la evolución del régimen socialista en un lado y capitalista en el otro.

La película tiene dos partes muy diferenciadas, la primera es oscura y lúgubre. En ella somos testigos de las pérdidas que sufre Kurt: sus 2 tíos en la guerra, su padre y su querida tía Elizabeth, víctimas de las políticas de abuso y de discriminación de la Alemania de Hitler. En el caso de esta última, el médico Carl Seeband cumple la orden de enviarla a la cámara de gas a causa de sus problemas psiquiátricos pues al igual que las personas mongólicas o los discapacitados son considerados “pacientes cuya vida no debe continuar”. Este doctor va a estar muy presente en la vida del protagonista.

Terminada la guerra en la cual Alemania fue derrotada, Kurt se matricula en la escuela de arte de Dresde, ciudad ubicada en territorio que fue cedido a la antigua Unión Soviética. Tanto la enseñanza educativa como todas las actividades cotidianas están cargadas de ideología; se considera el “realismo socialista” como la única expresión de arte aceptada. “La verdadera libertad sólo puede ser ganada si se pone al servicio de los intereses del pueblo”. Lo demás es calificado como un formalismo decadente y obsceno.

Una vez culmina sus estudios, y muy a su pesar, Kurt se dedica a trabajar en murales representativos del arte que propugna el régimen, los cuales exaltan a los obreros y a los líderes del partido comunista. Descubre el amor a través de Elli, una compañera de la academia, con quien se casa. Ella es hija del médico Carl Seeband, quien estuvo involucrado en la muerte de Elizabeth, la tía de Kurt, pero estas relaciones, que nunca llegan a descubrir los personajes a lo largo de la película, permean la vida de todos ellos. Buena parte de la trama tiene que ver con la forma como hechos aparentemente independientes, se van entrelazando.

Este es un rasgo muy característico del director de esta cinta, quien al igual que en otra de sus películas “la vida de los otros”, termina revelando hechos que son visibles para el espectador, pero desconocidos para sus protagonistas.

Kurt toma la decisión de viajar con Elli a Alemania Occidental, antes de que empiece la construcción del muro que separará a los 2 países. Se establecen en Dusseldorf, donde hay una efervescencia del vanguardismo en el arte y una vez aceptado en la academia de la ciudad, empieza a trabajar en nuevas perspectivas de su oficio.

En esta segunda parte, mucho más colorida y alegre, se presenta un contraste con lo visto anteriormente. Kurt se dedica a buscar un estilo propio, en un entorno de creatividad y de libertad, lleno de propuestas, muchas de ellas excéntricas e incomprensibles, pero que en cualquier caso permiten que las mentes vuelen sin restricciones.

Una conversación con el director de la academia, se constituye en el punto de inflexión para la apertura mental de Kurt. El primero le cuenta su experiencia en la guerra, cuando el avión en el que viajaba fue impactado y casi muere. Fueron los tártaros quienes lo rescataron y salvaron su vida. Un año estuvo bajo su cuidado y sus quemaduras fueron sanadas con grasa y fieltro. “Eso es lo que más recuerdo en mi vida...por eso en mi arte trabajo con grasa y fieltro”. Y lo invita a explorar sus raíces para que su arte refleje autenticidad. Vale la pena mencionar que este recuento y este personaje son un homenaje al artista Alemán Joseph Beuys, quien, habiendo atravesado por esta situación en su vida personal, plantea a partir de ella una concepción ampliada del arte, donde la construcción fuera más importante que la obra finalizada, “Todo el mundo es un artista”.

Con estas reflexiones, Kurt retoma sus recuerdos de infancia y encuentra un camino para desarrollar su pintura. Allí vuelve a los momentos que marcaron su vida y en su propuesta mezcla hechos que involucran los atropellos de la guerra, las pérdidas familiares, las memorias de su tía Elizabeth y la relación con su suegro, el médico Seeband. Kurt, sin embargo, no tiene conciencia de cuales fueron los sucesos que unieron a estos personajes; solo los espectadores podemos reconstruir los hilos. Para Kurt la única certeza es que le dejaron una profunda huella, “todo lo verdadero es hermoso”.

Una película larga (3 horas y 10 minutos) pero con bellísimas imágenes plagadas de colores y de nuevas propuestas, como homenaje a las distintas manifestaciones del arte. Diálogos profundos sobre el significado del arte y una defensa de la libertad para crear porque como lo decía Beuys “solo en el arte la libertad no es una ilusión”.

Enlace para ver la película

https://pelisplustv.live/ver-pelicula/werk-ohne-autor-never-look-away-2018-latino-13/

Del director. Florian Henkel Von Donnersmarck (nacido en 1973), es un director de cine y guionista alemán. Conocido por la película “la vida de los otros”, ganadora en 2006 del Oscar a mejor película de habla no inglesa. Otras de sus películas “el turista”, “obra sin autor”.

 

 

 

 

LA COCINA FRANCESA EN 3 PELÍCULAS

Entretenimiento gastronómico durante la pandemia.

UN VIAJE DE 10 METROS

Director: Lasse Hallstrom

Año: 2014

País: Estados Unidos

Protagonistas: Helen Mirren, Manish Dayal, Charlotte Le Bon, Om Puri, Juhi Chawala

Una familia hindú, propietaria de un restaurante en India, emigra de su país debido a la difícil situación política, en donde los choques permanentes entre partidos provocan un día el incendio del negocio, ocasionando tanto la muerte de la madre del clan como la destrucción del que fuera su medio de vida. En su huida, llegan primero a Inglaterra y posteriormente a Francia, y allí se establecen en un pequeño pueblo de los alpes.

El padre, Sr. Kadam, decide montar el restaurante "Mumbai" de comida tradicional hindu a tan solo 10 metros de un acreditado restaurante francés llamado "Le Saule Pleureur" -El Sauce Llorón- (de allí el título de la película). Este último establecimiento ostenta una estrella Michelin; fue fundado hace 30 años y actualmente es manejado por su dueña, Madame Mallory, una viuda que exige a su cocina criterios muy estrictos de calidad.

La película nos muestra los actos hostiles entre Madame Mallory y el Sr Kadam, pues la primera menosprecia y mira con desdén a su vecino y no soporta que un restaurante que ella considera de comida de menor nivel, esté al frente de uno de gran prestigio como el suyo.  Se suceden entonces una serie de artimañas entre estos dos personajes, en defensa de su territorio, las cuales son presentadas a través de situaciones coloridas y simpáticas. 

Lo trágico sin embargo, llega con la actitud xenófoba del chef francés quien atenta contra el ”Mumbai", sin consentimiento de su jefa. La película da entonces un giro pues saca a relucir el espíritu de tolerancia de Madame Mallory, quien argumenta que su patria defiende los principios de "libertad, igualdad, fraternidad", y ellos hacen parte del espíritu francés. 

En un gesto de humildad y de reivindicación por lo sucedido, Madame Mallory busca un acercamiento con el Sr Kadam, lo cual le permite descubrir las cualidades gastronómicas de Hassan, el hijo de éste, y tomar la decisión de engancharlo para trabajar en ”Le Saule Pleureur" bajo su mentoría. 

La persistencia y el talento de Hassan lo impulsan a innovar las recetas tradicionales de Francia, involucrando toques de la India, contribuyendo con ello a conseguir una segunda estrella Michelin para el restaurante y posteriormente a conquistar París. 

En París Hassan se hace famoso trabajando en un restaurante donde la invención es la norma. Al final, retorna a la preparación de la comida de sus preferencias, pero con un conocimiento enorme de la cocina y sus posibilidades. 

Una película relajante, optimista y con grandes lecciones de tolerancia. 

Del Director. Lasse Hallstrom es un director sueco, nacido en 1946. Otras de sus películas:” Chocolat”, “Siempre a tu lado”, “Mi vida como un perro”, “Una vida por delante”. 

JULIA Y JULIE

Directora: Nora Ephron

Año: 2009

País: Estados Unidos 

Protagonistas: Meryl Streep, Amy Adams, Stanley Tucci, Chris Messina, Jane Lynch

En 2002 Julie Powell, una joven Neoyorkina recrea las recetas de cocina del libro "Dominando la cocina francesa", publicado en 1958 por Julia Child.

La película recrea las vicisitudes que en su época vivió Julia Child, quien pasó de ser un ama de casa buscando oficio en París, donde se estableció por el trabajo diplomático de su esposo, hasta su consagración como cocinera con la publicación de su libro, el cual permitió a los norteamericanos acercarse a una cocina sofisticada y tradicional. 

Paralelamente, la cinta acompaña a Julie en la época actual, en su esfuerzo para elaborar cada una de las 524 recetas del libro de Julia en 365 días y en publicar, al mismo tiempo, las experiencias derivadas de este proceso en su blog. 

Una y otra, Julia y Julie, luchan con persistencia en sus gustos por la cocina y por la escritura. El ánimo, en ambos casos, es llegar a un público ávido de conocimientos de unos platos más elaborados. 

La tenacidad de Julia la condujo a estudiar en "Cordón Blue", una escuela de gastronomía de alto nivel en Francia y a dedicar 8 años a la escritura de sus recetas, con la colaboración de dos amigas. 

Por su parte Julie cumplió con su propósito de elaborar todas las recetas y compartir cada una de las experiencias en su preparación. La película exalta aquellas más famosas como: Boeuf Bourguignon, pato asado, cordero estofado, Quiche Lorraine. 

Muy buenas actuaciones de dos reconocidas actrices: Merl Streep en el papel de Julia y Amy Adams en el de Julie. Una hermosa fotografía de los platos. 

De la Directora. Norma Ephron, nacida en 1941, fue una guionista, directora de cine, productora, periodista, novelista y ensayista estadounidense. Escribió el guion de las películas "Harry y Sally", "Tienes un e-mail". Otras de las películas que dirigió: "Esta es mi vida", "un día de locos". 

 

VATEL

Director: Roland Joffé 

Año: 2000

País: Francia, Reino Unido, Bélgica 

Protagonistas: Gerard Depardieu, Uma Thurman, Tim Roth, Julián Sands, Julián Glover, Antoine Nompa.

Siglo XVII, Francia. Un príncipe, quien también es general del ejército, se dispone a recibir en su castillo la visita del rey de Francia, Luis XIV, llamado el rey sol, junto con su comitiva. El motivo de dicha visita es lograr un acercamiento que permita, en caso de una guerra de Francia con Holanda (de ocurrencia muy probable), que el rey pueda contar con el alistamiento del príncipe-general, reconocido como un gran estratega. Por su parte, éste pretende obtener un préstamo de la corona pues se encuentra en bancarrota. 

Los preparativos para la recepción real exigen la dirección de un gran maestro de ceremonias, encargado de coordinar tanto los banquetes como el entretenimiento. Vatel, un cocinero altamente preparado, es la persona designada para esta responsabilidad. 

La película se centra en estos 3 días de estancia de la comitiva real y en el esfuerzo desplegado por Vatel para que todo salga perfecto. La exhibición de los escenarios que se preparan para cada uno de los eventos es extraordinaria, pues además de los platos, cuenta mucho la diversión y el ambiente diseñado para sorprender y disfrutar. El día uno se hace honor a la gloria del sol; el dos se diseñan fuegos artificiales sobre un lago, y el día tres, se preparan pescados sobre un mar de hielo. 

Además de los obstáculos que se presentan en su cocina, Vatel tiene que lidiar con los caprichos de quienes hacen parte del séquito real, quienes le hacen demandas con el propósito de complacer al rey, para hacerse visibles o simplemente por su placer personal. 

Una de las cortesanas del rey, es Anne Montausier, quien ve en Vatel a una persona con nobles sentimientos y por ello busca su acercamiento. Este es apenas un evento en toda la parafernalia de estos 3 días, en donde todo se sucede y todo se olvida.

La banalidad de estas celebraciones es tal, que en una partida de naipes el rey pide al príncipe anfitrión apostar a Vatel, para llevárselo consigo a Versalles pues ha quedado impresionado con sus capacidades. 

Lo que sucede después resalta la personalidad y el carácter de Vatel, quien consideraba que "no era el maestro de estos fastos sino su esclavo". Y por ello concluye en carta que envía a su amante de una noche: "en los últimos días he comprendido que valoro la libertad más que nada". 

Una película que nos muestra hermosas escenografías alrededor de la comida, bella música y una excelente actuación de Gerard Depardiu en el papel de Vatel. 

Del Director. Roland Joffe. Director Franco-británico, de origen judío, nacido en 1945. Empezó como director de TV. Otras de sus películas: "la misión", "los gritos del silencio", "la letra escarlata".