MEJORES PELÍCULAS DEL 2023

 

A continuación, mi selección de mejores películas del año que terminó, las cuales han sido reseñadas en mi blog a lo largo del 2023.

HOJAS DE OTOÑO

Holappa es un obrero metalúrgico alcohólico. Ansa es una empleada de supermercado. Esta pareja se conoce en un bar de karaoke e inician una relación. Ambos quedan desempleados poco después y su “romance” se ve interrumpido por la decisión que toma Ansa una vez descubre el alcoholismo de Holappa. Este último tiene un accidente en el momento en que van a reencontrarse, luego de haber tomado la decisión de estar sobrio. En el hospital es Ansa quien se dedica a visitarlo y a estar pendiente de su salud.

Sin grandes diálogos, como en la mayoría de sus películas, el gran aporte del director es el cuidado con el cual rodea a sus personajes, ambientados con una excelente escenografía que resalta los contrastes de color y donde da mucha importancia a los objetos, en este caso el decorado es tipo vintage y nos retrotrae a los años 50’s. La música permanentemente acompaña, incluso involucrada dentro del guión como se puede ver en algunas tomas. Así mismo se resaltan algunos guiños presentados como un homenaje al cine.

Una cinta que es una verdadera joya porque es capaz de mostrar la complejidad de la supervivencia y de las relaciones en el mundo actual, pero en un ambiente de sobriedad, esperanza y de la belleza que puede proporcionar el arte a través del cine y de la música.

Ver reseña completa en http://dardoalinfinito.blogspot.com/2023/12/hojas-de-otono.html?m=1

AS BESTAS

Una pareja de franceses ha decidido dejar su país para vivir en el campo, en un pueblo de Galicia, España. El conflicto surge cuando inversionistas noruegos ofrecen comprar tierras en esta localidad para instalar antenas eólicas, debiendo para ello contar con la decisión unánime de sus habitantes. Antoine y Olga, la pareja de extranjeros, se oponen a este proyecto, al que consideran anti ecológico por la contaminación visual. Además, porque sus ahorros los destinaron en su totalidad a construir una vida tranquila allí. Los otros habitantes, sin embargo, ven en la venta de sus tierras la oportunidad de tener un dinero que les permita emprender una nueva vida.

El director avanza con los diálogos para mostrar los puntos de vista de unos y otros y va creando una atmósfera cada vez más tensa, que anticipa el desenlace final.

Escenas muy destacables son la del inicio de la película cuando se muestra el oficio de los aloitadores, cuya tradición consiste en una lucha cuerpo a cuerpo con caballos que viven en libertad. Así mismo se deben resaltar los diálogos entre la pareja de esposos y los de Antoine con unos de los vecinos que se considera su enemigo.

Unos hermosos paisajes enmarcan las actuaciones destacadas de sus protagonistas, con un final dramático pero muy bien conducido cuando acompañamos a Olga en esa demostración de amor y lealtad en búsqueda de justicia y confrontando hasta su propia hija, quien le reclama por una lucha que considera estéril pero que terminará por entender.

La reseña completa en http://dardoalinfinito.blogspot.com/2023/04/dos-peliculas-sobre-las-energias.html?m=1

DECISIÓN TO LEAVE

Aunque el guión se refiere a la investigación de dos crímenes a cargo del detective Hae-Joon, su protagonista, lo que se realza es la historia de amor entre dicho detective y la presunta asesina, Seo-rae, viuda de una de las víctimas. Esta relación obsesiva ronda durante toda la película, puesto que por ella él omite hechos que la involucran, traspasando las fronteras éticas que tanto ha defendido. Ella a su vez, descubre el amor que no había experimentado antes.

La fotografía, los paisajes y el cuidado de los escenarios en interiores son sellos de este director a quien uno de los críticos de cine caracteriza como un “esteta de la imagen”.

El final del filme se destaca por la minuciosidad con la fue construido, a través de planos en picada, que permiten apreciar el contraste de colores entre la costa, el mar y la carretera. Ello enmarca las últimas escenas de sus protagonistas donde nos espera un dramático desenlace que refleja los actos insospechados a los cuales puede conducir el amor.

La reseña completa en: http://dardoalinfinito.blogspot.com/2023/02/peliculas-nominadas-los-premios-oscar.html?m=1

VIDAS PASADAS

La película se divide en 3 partes. La primera enmarca la relación de un niño, Hae Sung y su amiga, Na Young, compañeros de colegio a la edad de 10 años y la amistad que han construido juntos en Corea del Sur. En la segunda parte Na Young y su familia han emigrado a Canadá en búsqueda de nuevos destinos para sus padres quienes son artistas y solo 12 años después de haber llegado, ella y Hae Sung se vuelven a encontrar por internet tratando de revivir la relación que tuvieron de pequeños. La última parte nos lleva a 12 años más tarde y el reencuentro de los dos protagonistas, personal esta vez, en Nueva York.

Con un ritmo pausado, pero con cortes muy precisos de los diferentes momentos, la directora nos transporta por la vida de sus protagonistas para abordar el tema de las expectativas y de cómo van cambiando a medida que pasan los años. A partir de la forma en que cada uno ve al otro, se enmarcan también las diferencias en la cultura entre los países.

Cuando los dos coreanos se ven presencialmente en New York y comparten un tour turístico por la ciudad, se desarrollan diálogos muy interesantes en sitios icónicos de la ciudad donde sale a relucir el tema de lo que hubiera sido el futuro de cada uno si las decisiones hubieran sido distintas.

La escena final en la cual Na Young y Hae Sung se despiden después de la corta visita, está muy bien manejada. Es un adiós a los niños que alguna vez fueron, pero al mismo tiempo permite destacar que lo que son hoy es producto de un pasado que no puede ser borrado.

Una actuación sobresaliente de Greta Lee y un ritmo muy bien logrado de la cinta.

La reseña completa en http://dardoalinfinito.blogspot.com/2023/11/dos-peliculas-sobre-la-vida-en-pareja.html?m=1

OPPENHEIMER

Esta es la última película del gran director británico estadounidense Christopher Nolan sobre la vida del “padre de la bomba atómica”, el físico Robert Oppenheimer. Con 3 horas de duración, es una cinta muy completa que reúne elementos para hacerla destacable: un ritmo trepidante, excelente reparto, un sonido extraordinario y una combinación sorprendente entre los diálogos, imágenes del universo y sus multicolores explosiones.

Combina situaciones ocurridas a su protagonista durante los años tanto de la segunda guerra mundial como en el periodo de la postguerra. Oppenheimer, un estadounidense de origen alemán, fue llamado por el General Leslie R Groves para liderar el proyecto Manhattan cuyo objetivo era desarrollar la primera bomba atómica.

La película se centra en el trabajo desarrollado en los Álamos y los conflictos que surgieron entre militares y científicos y al interior de las discusiones de estos últimos, hasta el día del ensayo denominado “Trinity”, que permitió comprobar el estallido de la bomba.

El otro aspecto que se aborda es la situación al final de la guerra, en la cual Oppenheimer tuvo que enfrentar acusaciones de traición por supuestamente tener lazos con los soviéticos y compartir con ellos los secretos de la bomba.

La película salta entre los hechos durante la construcción de la bomba en el campo de los Álamos y los acontecimientos durante la audiencia mostrando las discusiones éticas sobre las consecuencias de la bomba, aspectos de su vida afectiva con sus amantes y su esposa, su encuentro con el presidente Truman y el posterior reconocimiento de su labor por parte de John F. Kennedy y de Lyndon Johnson.

La interpretación del papel principal en el filme corre por cuenta de Cillian Murphy, actor irlandés quien se luce en este rol. Ludwig Goransson estuvo a cargo del sonido, el cual va acorde con el ritmo acelerado de las escenas y es definitivo para acompañar los ensayos de la bomba y ambientar las obsesiones de Oppenheimer con sus proyectos. El montaje estuvo a cargo de Jennifer Lame, en su segunda colaboración con el director Nolan y es responsable del ritmo rápido, fragmentado y psicodélico de las escenas.

Una película que ha reunido guión, sonido, montaje y actuaciones de manera armónica y excepcional.

La reseña completa en

http://dardoalinfinito.blogspot.com/2023/07/oppenheimer.html?m=1

Otras películas destacadas fueron reseñadas en mi blog

http://dardoalinfinito.blogspot.com

1.    Close. Reseña del 30 de mayo.

2.    After Sun. Reseña 15 de marzo.

3.    Vivir. Reseña del 29 de junio.

4.    Malcom y Mary. Reseña del 27 de noviembre

5.    Una bonita mañana. Reseña del 27 de agosto.

6.    Eugenia Grandet. Reseña del 22 de septiembre

7.    Marx puede esperar. Reseña del 27 de agosto

8.    Air. Reseña del 27 de agosto

 

HOJAS DE OTOÑO

Director: Aki kaurismaki

País: Finlandia

Año: 2023

Reparto: Alma Poysti, Jussi Vatanen, Janne Hyytiainen

Esta última película del gran director finlandés gira, como en otras de sus anteriores cintas, alrededor de una pareja y de sus constantes encuentros y desencuentros. En “Hojas de otoño” su protagonista es un obrero metalúrgico, Holappa, alcohólico quien es despedido de su trabajo cuando tiene un accidente y resulta positivo al realizarle la prueba de alcoholemia. Por otro lado está Ansa, empleada de un supermercado en un precario trabajo por horas, y quien sufre la misma suerte y es expulsada cuando le revisan su bolso a la salida de su trabajo y le encuentran uno de los tantos paquetes de comida vencida que ella está obligada a botar a la basura, pero que es prohibido que recojan sus empleados.

La situación de los protagonistas no es ajena a la que viven personajes de otras de las películas de Kaurismaki, quienes hacen parte de los trabajadores de la base de la sociedad, con empleos frágiles, mal pagos pues con ellos apenas si sobreviven; esclavizados, dado el tiempo de vida que deben dedicarles recibiendo a cambio poca o nula contraprestación personal y profesional.

Respecto a la temática a la que recurre este director, vale la pena traer a colación un párrafo de J.J. Rousseau, quien al comparar al hombre salvaje con el civilizado expresó respecto del segundo: “… el ciudadano, siempre activo, suda, se agita, se atormenta sin cesar en busca de ocupaciones más laboriosas siempre; trabaja hasta la muerte, corre, si se quiere, tras ella para colocarse en estado de vivir, o renuncia a la vida para alcanzar la inmortalidad…”.

Retomando la reseña que nos ocupa, Ansa y Holappa se encuentran casualmente en un bar de Karaoke y empiezan a salir juntos, después de sortear algunos tropiezos pues él había perdido el número del teléfono de ella. A pesar de los varios encuentros que tuvieron, ella decide cortar la relación al descubrir el alcoholismo de Holappa, el cual rechaza de plano pues este vicio fue el causante de la muerte de su padre y de su hermano. Cuando Holappa la vuelve a contactar, una vez toma la decisión de dejar el trago, tiene un accidente que impide el encuentro. Sin embargo, el empeño y dedicación de Ansa en sus visitas al hospital los vuelve a unir.

El argumento es simple, típico de las películas del director, sin mayores diálogos, pues tanto en los encuentros como en los momentos de soledad de sus protagonistas el enfoque está concentrado en primeros planos que resaltan sus gestos, sus recorridos silenciosos y los entornos en los cuales se desenvuelven. El gran aporte del director es el cuidado con el cual rodea a sus personajes, ambientados con una excelente escenografía que resalta los contrastes de color y donde da mucha importancia a los objetos, en este caso el decorado es tipo vintage y nos retrotrae a los años 50’s. La música permanentemente acompaña, incluso involucrada dentro del guión como se puede ver en algunas tomas. Así mismo se resaltan algunos guiños presentados como un homenaje al cine.

En efecto, la radio es una compañía para Ansa y en ella oye las noticias sobre la guerra entre Rusia y Ucrania, aspecto que no es gratuito y que contrasta con una atmósfera de tiempos pasados. La música que se escucha en los bares a donde asiste Holappa incluye tangos, mambo y música en vivo donde aparece una banda finlandesa (Maustetytot), interpretando una entretenida canción sobre el desencanto y la dureza de la vida, a los que alude la película. En las referencias al cine, cuando la pareja asiste a una función, ven la película “Los muertos no mueren” de Jim Jarmusch (amigo personal de Kaurismaki) y en la sala se observan afiches con referencias a directores como Visconti, Bresson o Godard (admirados por el director).

Al final, los filmes de Kaurismaki a pesar de abordar las adversidades de nuestro tiempo dados los ambientes alienantes del trabajo, la inseguridad económica y la soledad para afrontar el mundo, siempre ofrecen una ventana de esperanza. Así lo muestra el optimismo con el que caminan Ansa y Holappa en la última escena, acompañados por su nuevo amigo, el perro Chaplin, en un remate que copia el de películas del gran director y actor de cine mudo Charles Chaplin. “Parecía que este maldito mundo necesitaba algunas historias de amor”, manifestaba el director en una entrevista.

Una cinta que es una verdadera joya porque es capaz de mostrar la complejidad de la supervivencia y de las relaciones en el mundo actual, pero en un ambiente de sobriedad, esperanza y de la belleza que puede proporcionar el arte a través del cine y de la música. “En el fondo, siento simpatía por la humanidad, y también por mí mismo, dado que soy un tipo gracioso”, manifestaba Kaurismaki en una entrevista.

Del director: Aki Kaurismaki director y guionista finlandés, nació en 1957. Ha sido ganador del oso de plata en Berlín en 2017 a mejor director, nominado al Premio Oscar en 2002 por “Un hombre sin pasado”. “Hojas de otoño” ganó el premio del jurado en el festival de Cannes de 2023. Otras de sus películas son “Crimen y castigo”, “Sombras en el paraíso”, “Ariel”, “El puerto”, “La chica de la fábrica de cerillas”.

 

DOS PELICULAS SOBRE LA VIDA EN PAREJA

 

“Vidas pasadas” y “Malcom y Mary” abordan desde perspectivas muy distintas la vida en pareja y la forma como enfrentan su convivencia y sus conflictos. Ambas cintas transcurren en Estados Unidos, la primera con la óptica de una directora Coreana que enfoca dos aspectos: la emigración y la vida matrimonial de personas provenientes de dos diferentes culturas. La otra, refleja las situaciones que afronta una pareja que siendo del mismo país y la misma raza tiene que resolver sus propias discrepancias.

VIDAS PASADAS

Directora: Celine Song

País: Estados Unidos

Año: 2023

Reparto: Greta Lee, Teo Yoo, John Magaro

La película se divide en 3 partes. La primera enmarca la relación de un niño, Hae Sung y su amiga, Na Young, compañeros de colegio, a la edad de 10 años y la amistad que han construido juntos en Corea del Sur. En la segunda parte Na Young y su familia han emigrado a Canadá en búsqueda de nuevos destinos para sus padres quienes son artistas y solo 12 años después de haber llegado, ella y Hae Sung se vuelven a encontrar por internet tratando de revivir la relación que tuvieron de pequeños. La última parte nos lleva a 12 años más tarde y el reencuentro de los dos protagonistas, personal esta vez, en Nueva York.

Con un ritmo pausado, pero con cortes muy precisos de los diferentes momentos, la directora nos transporta por la vida de sus protagonistas para abordar el tema de las expectativas y de cómo van cambiando a medida que pasan los años. Na Young siempre quiso ser escritora y soñaba con el premio Nobel, después con el Pulitzer y cuando se encuentra con su amigo la última vez y éste le pregunta por su sueño le contesta que ya no piensa mucho en eso pero que se conformaría con el premio Tony. Hae Sung por su parte imaginaba trabajar en China y por ello estudió mandarín, pero terminó en su país “con un trabajo normal como ingeniero. Soy demasiado ordinario” como el mismo se describe.

A partir de la forma en que cada uno ve al otro, se enmarcan también las diferencias en la cultura entre los países. Na Young se sorprende de que Hae Sung a los 34 años todavía viva con sus padres y que además tenga tantos condicionamientos para casarse en Corea, por ser hijo único y no poder ganar lo suficiente. Ella en cambio viajó a sus 22 años desde Toronto a New York, vivió sola y posteriormente se casó con un escritor colega suyo.

Durante la comunicación virtual que tuvo Na Young en su reencuentro con Hae Sung, 12 años después de que dejara Corea, y que cortaron abruptamente por el interés que ella tenía en comprometerse con su vida en New York puesto que “emigré dos veces para venir a vivir aquí”, así como durante el encuentro que vuelven a tener ambos pasados otros 12 años, es recurrente la nostalgia de lo que fue y de lo que vivieron en su niñez, pero claramente los dos reconocen que se trata de tiempos que no volverán.

En la última parte de la cinta cuando los dos coreanos se ven presencialmente en New York, Na Young ya está casada con Arthur. En la visita de su amigo mientras comparten un tour turístico por la ciudad, se desarrollan diálogos muy interesantes en sitios icónicos de New York como el barco que los lleva hacia la estatua de la libertad, la caminata por el parque del Río Hudson, el carrusel Jane y el puente de Brooklyn. En esas conversaciones sale a relucir el tema de lo que hubiera sido el futuro de cada uno si las decisiones hubieran sido distintas. Hae Sung le confiesa su dolor cuando ella abandonó Corea, pero se alegra que hubiese emigrado para poder satisfacer sus ambiciones. Agrega que, después de conocer a Arthur, admira su comportamiento y le dice “No sabía que su amabilidad podía lastimarme tanto”.

La visita de Hae Sung también da pie a una conversación entre Na Young y su esposo Arthur respecto a la satisfacción con el matrimonio que sostienen y a reflexionar sobre que tanto cada uno había cumplido con sus propósitos profesionales y personales. Na Young habla de la evolución que su amigo coreano ha tenido en su vida: primero era un niño, después una imagen, ahora es una persona física. A la pregunta que le hace su esposo si lo que está viviendo corresponde a lo que imaginó, Na young responde “Aquí es donde me encontré a mí misma”.

La escena final en la cual Na Young y Hae Sung se despiden después de la corta visita, está muy bien manejada. Es un adiós a los niños que alguna vez fueron, pero al mismo tiempo permite destacar que lo que son hoy es producto de un pasado que no puede ser borrado.

Una actuación sobresaliente de Greta Lee y un ritmo muy bien logrado de la cinta.

De la directora: Celine Song (nacida en 1989) es directora, dramaturga y guionista coreana-canadiense, residente en Estados Unidos. “Vidas pasadas” es su primer largometraje y en él retoma aspectos de su propia experiencia.

Esta película se puede ver en Google Play

MALCOM Y MARY

Director: Sam Levinson

País: Estados Unidos

Año: 2021

Reparto: Zendaya, John David Washington

Esta película está realizada con un esquema netamente teatral: transcurre en un único escenario de una casa en el campo, todo sucede en una noche, actúan tan solo dos personajes (ambos negros), mantiene diálogos permanentes y está filmada en blanco y negro.

Un director de cine, Malcom, llega a su casa con su esposa, Mary, después del estreno de su película. Él está eufórico por el éxito que ha tenido y mientras bebe unas copas le comenta a Mary los pormenores de las conversaciones con los críticos poco después de la proyección y lo bien recibido que, según él, será su filme. Ella sin embargo no parece estar muy contenta y le confiesa que le ha dolido profundamente que en los agradecimientos durante el evento no hubiera tenido para ella ninguna palabra, y en cambio si las tuvo para muchas otras personas. “No es solo que olvidaras agradecerme, es como me ves, mi contribución a esta relación”.

Los reclamos y recriminaciones empiezan a surgir de parte de uno y de otra. En discusiones que rememoran la obra llevada varias veces al teatro y al cine “Quién le teme a Virginia Wolf”, del dramaturgo Edward Albee, salen a relucir los resentimientos y frustraciones de la pareja expresados por la tensión que se ha generado y por la acumulación de quejas mutuas no expuestas con anterioridad.

Mary le reclama porque el guión de la película está basado en su propia historia personal, cuando fue drogadicta y quiso suicidarse y porque fue ella quien además le permitió una mirada de un mundo de marginalidad que él nunca vivió. Así mismo ella bien hubiera podido interpretar el papel de la protagonista y nunca se le ofreció. Malcom por su parte la acusa de su poca autoestima y de poner tan poco empeño en sus objetivos personales “cuando pasa algo bueno siempre tratas de dañarlo”. También le acota que el argumento obedece a experiencias por él vividas con otras mujeres de su vida ilustrándola con detalles innecesarios.

Entre las pausas de las discusiones Malcom escucha una buena música que recrea y acompaña toda la película. Los diálogos de la pareja hacen referencia, además de los asuntos personales, al racismo y al arte políticamente correcto, que lleva a que los críticos sean benevolentes con las obras de los negros, o a que tengan una mirada que cae en el cliché de la raza. Hay alusiones también, a manera de homenaje, a otros directores de Estados Unidos, con propuestas disruptivas y que son admirados por Malcom tales como Spike Lee (Haz lo correcto), William Wyler (Benhur), Barry Jenkins (Moonlight).

En la escena final Mary resalta el motivo inicial de disgusto y le enumera a Malcom, una a una, las cosas que esperaba hubieran sido consideradas por él para otorgar el “Gracias” que no recibió: gracias por tu compañía, gracias por prepararme la comida, gracias por tu apoyo, gracias por mantenerte limpia de droga, gracias por estar a mi lado, gracias… Es un cierre muy convincente en la película para concluir la larga noche de disputas pues se trataba en suma de demandar una mínima apreciación y valoración de parte de su pareja.

El blanco y negro permite unos primeros planos y un juego con las sombras en los espacios internos y externos muy sugestivos. La actuación de Zendaya en esta película es extraordinaria.

Del director: Sam Levinson (nacido en 1985) es un director actor y guionista estadounidense. Otras de sus películas: “Otro día feliz”, “Nación asesina”. Guionista de las películas “Malcom y Mary”, “El mago de las mentiras”.

Esta película se puede ver en Netflix

CINE COLOMBIANO

 

A partir de la ley de la cultura de 1997, pero especialmente con la Ley 814 de 2003, la ley del cine, se dió impulso a la cinematografía en Colombia. En 1998 se creó el fondo mixto de promoción cinematográfica, hoy proimágenes, y en 2012 se creó el fondo fílmico colombiano. Entre el 2003 y el 2022 (19 años) se produjeron en Colombia 485 largometrajes y 564 cortos. Estas cifras se comparan con los 270 largometrajes que se hicieron entre 1915 y 2002 (en 87 años). Interesantes datos extraídos del libro “La cinematografía en Colombia, Tras las huellas de una industria” de Gonzalo Castellanos (2023. Icono Editorial) quien hace un recorrido por la historia y evolución del cine en nuestro país, a través de las diferentes reglamentaciones.

Todo lo anterior permite resaltar el buen momento del cine en Colombia en las últimas décadas y la posibilidad que hemos tenido los espectadores de disfrutar de excelentes películas gracias al crecimiento, la promoción y el desarrollo de esta industria la cual ha permitido además el surgimiento de guionistas, actores y directores de gran calidad.

A continuación, reseño 6 películas colombianas, que además se pueden disfrutar de forma gratuita en RTVC play o en YouTube. Abordan realidades de nuestro entorno a las que difícilmente podemos ser ajenos, pero desde ópticas muy particulares como la de los niños o la de artistas del grafiti. Otras dos son testimonio de la violencia. Una más es una historia infantil en un pueblo tolimense y la última da una mirada a la cultura caribe, con su música y sus costumbres.

LOS NIÑOS INVISIBLES

Director: Lisandro Duque

País: Colombia

Año: 2001

Reparto: Guillermo Castañeda, Ingrid Cielo Ospina, Inés Prieto, Gustavo Angarita

Esta es una bella historia de un grupo de niños que impulsados por el empeño de uno de ellos de seguir a una vecina de la cual se siente prendado, buscan la manera de volverse invisibles. La oportunidad aparece cuando un culebrero pasa por el pueblo y promete que el sueño de ser invisible es posible con pócimas y ritos especiales. A estos procedimientos recurre este grupo de amigos con la convicción por parte de Rafael, el enamorado principiante, de haber logrado el propósito de hacerse invisible. Con un desenlace final muy bien concebido, que no traiciona el argumento, entendemos que “la percepción hace la realidad”. Entretenida y con un ritmo ágil, retrata la vida de una población rural con pocas distracciones que ve alrededor de la televisión en sus inicios, el medio para convocarla. Una película que después de tantos años no ha perdido vigencia por el tema que aborda tratado con gran candidez.

LOS VIAJES DEL VIENTO

Director: Ciro Guerra

País: Colombia

Año: 2009

Reparto: Marciano Martínez, Yull Núñez

Ignacio Carrillo es un juglar que recorre los pueblos con su acordeón y su música. Ante la muerte de su esposa toma la decisión de llegar en su burro desde el pueblo donde vive, Majagual, Sucre, hasta la alta guajira, para encontrarse con su compadre y devolver el acordeón, ganado en un duelo musical con el diablo y con la decisión de no tocarlo nunca más. En este viaje lo acompaña, sin que él lo hubiera invitado, Fermín, un joven que busca ser el discípulo del maestro juglar.

El periplo de estos dos personajes nos lleva por varios municipios costeños, donde la película acierta mostrando hermosos paisajes, y permitiendo disfrutar de la música vallenata, incluyendo una parada en el I festival en honor a este género musical, realizado en Valledupar. En el camino también aparecen las tribus indígenas de los koguis, las fiestas de los mafiosos, las peleas de gallos, en fin, la rica y variopinta idiosincrasia de la región.

CIRO Y YO

Director: Miguel Salazar

País: Colombia

Año: 2017

Reparto: Ciro Galindo, Esneider Galindo

La vida de Ciro, como bien se plantea al inicio de la película, resume la historia de violencia de nuestro país. Este documental fue la iniciativa del director quien, en uno de sus trabajos para un libro de fotografía sobre las bellezas naturales de Colombia, realiza un viaje a caño cristales y se enfrenta con la muerte accidental de su guía quien perece al caer al río. A partir de este suceso el director entabla una relación más cercana con Ciro, el padre del joven guía muerto y empieza a ser testigo de la tragedia y el desplazamiento de éste junto con su esposa y su otro hijo, como consecuencia del conflicto entre paramilitares, guerrilla y ejército. Una historia de dolor narrada con honestidad por Ciro y por su hijo, después de pasar por muy difíciles trances pero que gracias a su mutua compañía y a la motivación de seguir vivos conservan la esperanza.

LOS COLORES DE LA MONTAÑA

Director: Carlos Cesar Arbeláez

País: Colombia

Año: 2010

Reparto: Hernán Mauricio Ocampo, Genaro Alfonso Aristizábal, Luis Nolberto Sánchez, Hernán Méndez

Un balón de fútbol es la disculpa que tiene el director para mostrar la violencia en el campo en nuestro país, a partir de la mirada de unos niños cuya mayor motivación está en este deporte, pues entre el trabajo del campo para ayudar a sus padres y la escuela, no tienen más fuentes de entretenimiento.

Para el grupo de amigos todo se complica cuando el balón nuevo de fútbol que le han regalado a uno de ellos cae en un campo que han sembrado los violentos (¿guerrilla? ¿Paramilitares?) con minas quiebrapatas y ellos deben acudir a distintos medios para rescatarlo, a escondidas de la comunidad quien ha cercado el lote. En el entretanto, transcurre la cotidianidad de sus familias y de sus vecinos los cuales deben convivir en medio de presiones de los actores armados. Unos los acusan por ser “colaboradores” de la guerrilla y otros les reclaman por no participar de las reuniones a las que son citados buscando su “apoyo”. Las afectaciones de esta violencia se suceden con amenazas, extorsiones y desplazamientos.

Aunque al principio parece que lo sucedido en su entorno no afecta a los niños muy pronto empiezan a sufrirlo de cerca, sin embargo, nunca se pierde esa mirada infantil para seguir valorando y disfrutando de lo simple.

DOS MUJERES Y UNA VACA

Director: Efraín Bahamón

País: Colombia

Año: 2016

Reparto: Ana María Estupiñán, Luisa Huertas, Juan Pablo Barragán

Dos mujeres campesinas, una joven embarazada y su suegra, inician un recorrido con su vaca desde la casa donde viven en una montaña hasta el pueblo, con el único propósito de que les lean la carta que ha escrito el esposo de Hermelinda, la muchacha, ya que ninguna de las dos sabe leer.

El viaje que realizan y que pretendían hacerlo con una carreta llevada por Corina -una vaca- dado el avanzado estado de Hermelinda, está lleno de tropiezos no solo por las dificultades del terreno sino sobre todo por el fuego cruzado entre paramilitares, guerrilleros y ejército en el cual se ven envueltas.

Aunque las actuaciones no destacan, el argumento es interesante y se hubiera podido sacar mayor provecho a los diálogos de las mujeres y a las conversaciones con la gente del camino. De todos modos, es un retrato de la situación que enfrentan los campesinos en los territorios en conflicto en nuestro país quienes quedan en medio y donde cualquier decisión que no vaya a favor de uno de los bandos es cobrada por el otro.

LOS DÍAS DE LA BALLENA

Directora: Catalina Arroyave Restrepo

País: Colombia

Año: 2019

Reparto: Laura Tobón, David Escallón, Christian Tappan, Julián Giraldo

Cristina y Simón son una pareja de grafiteros de Medellín, quienes disfrutan de este oficio para el cual se apoyan en la casa cultural de un barrio popular de la ciudad. Provenientes de extracciones sociales muy diferentes Cristina, una estudiante universitaria, afronta la separación de sus padres y la huida de su madre periodista por amenazas frente a denuncias sobre lo que ocurre en la ciudad. Simón por su parte, vive con su abuela y fue integrante de una de las bandas extorsivas de su barrio de la cual se ha alejado sin tener claro su futuro. El interés de ambos jóvenes por el grafiti y su actitud ante los condicionamientos bien de sus familias o de los grupos criminales que manejan los barrios, los lleva a rebelarse a estas presiones y enfrentar las respuestas de unos y otros.

Una película que involucra elementos destacables como la buena música que acompaña las escenas -rap interpretado por varios grupos locales- así como las excelentes interpretaciones de sus dos protagonistas. Permite además unas buenas visualizaciones de los grafitis con los cuales se decoran los espacios de la ciudad, resaltando el de la ballena pintada en uno de los muros prohibidos, la cual da nombre a la película y es mostrada en la escena final.

 

EUGENIA GRANDET

 

Director: Marc Dugain

País: Francia

Año: 2021

Reparto: Olivier Gourmet, Josephine Japy, ValerieBonneton, Cesar Domboy

Esta película de 2021 es una adaptación de la novela de Honorato de Balzac, el gran escritor francés del siglo XIX, del cual recientemente se había llevado otra de sus obras a la gran pantalla “Las ilusiones perdidas”, reseñada en este blog (www.dardoalinfinito.blogspot.com).

La novela “Eugenia Grandet” hace parte de las “Historias de provincia”, dentro del gran compendio de escritos que componen “La comedia humana”, cuyos trabajos convirtieron a este escritor en uno de los más importantes personajes de la cultura mundial.

En el centro de la trama tanto del filme como de la novela, se destaca uno de los defectos del género humano: la avaricia, personificada en Félix Grandet, ex alcalde del pueblo de Saumur, donde todo se desarrolla y quien es dueño de viñedos y se dedica a negocios que permitieron, en esos años de 1830, aprovecharse de la situación política de Francia donde muchos ricos tuvieron que emigrar y les fueron confiscados sus bienes.

Eugenia Grandet, la hija de Félix, es una joven de provincia que vive con él, su madre y la nana. Los cuatro llevan una vida de extrema sobriedad pues Félix ha convencido a las tres mujeres de sus limitaciones económicas, obligándolas a medir cada uno de sus gastos. La restricción llega hasta la mesa, en sus comidas cotidianas: “carne? Con un caldo basta…los cuervos dan el mejor caldo”. Ni que decir del desprecio por los placeres mundanos: “descubrir el mundo (le dice a su hija) que esperas de él?”

La situación financiera del padre, para nada precaria, es conocida en su verdadera magnitud por su banquero y por el notario quienes conscientes de la herencia que puede dejar este hombre compiten a través del sobrino de uno y el hijo del otro, por obtener la mano de Eugenia y hacerse con la fortuna.

La obsesión de Félix con el dinero lo lleva a calcular los enlaces matrimoniales que debe buscar para su hija, pero teniendo presente lo que más convenga a sus intereses. Después incluso, a dudar si vale la pena sacrificar una dote para Eugenia que diezme su gran riqueza.

Todo cambia con la llegada del sobrino de Félix, Charles, quien es enviado a Saumur ante la inminente quiebra de los negocios de su padre en Paris, situación que lo condujo a su posterior suicidio.

El encuentro de los primos, Eugenia y Charles, de educaciones diferentes pues ella tiene horizontes limitados dado el encierro en el cual ha vivido y él en cambio, ha disfrutado de los encantos y diversiones de Paris, hace que florezca en ellos el amor ingenuo de juventud. Charles, obligado por su tío a buscar fortuna en África y en América le promete a Eugenia: “volveré y te llevaré conmigo”.

Lo que sigue es la espera de Eugenia, la cual debe afrontar la muerte de su madre y las trampas y mezquindades de su padre para no soltarle la herencia, teniendo como único consuelo la llegada esperanzadora de Charles. Cuando este último vuelve finalmente a Paris, después de varios años de ausencia, significa una desilusión más para Eugenia a quien no solo nunca contactó, sino que fue informada por otros sobre su próximo compromiso matrimonial con la hija de un rico de Paris.

El argumento, como en todas las novelas de Balzac, está enriquecido con diálogos entre sus personajes que se mueven entre grandes mezquindades y sorprendentes generosidades y sacrificios. La actitud miserable de unos parece redimirse con la benevolencia de otros.

Precisamente las escenas mejor logradas son aquellas que enfatizan en los diálogos entre los personajes, como aquel entre Eugenia y su madre a propósito de Félix “todos los hombres tienen vicios hija mía y tu padre ha escogido el más barato: la avaricia. Esa avaricia le devora la mente, corrompe su juicio”. O la escena entre Padre e hija, 5 años después de la muerte de la madre, cuando Eugenia le manifiesta: “Es de buen tono que la mujer haga lo que quiere el hombre, cualquier hombre…las mujeres ven llegar la muerte como una liberación mientras que ustedes (los hombres) temen poner fin a sus miserables argucias”. O el mismo cuestionamiento a la religión que le plantea Eugenia a su padre Félix “Dios es un invento masculino para someternos aún más. El verdadero dios no está en las iglesias ni en la inepta moral en que nos encierran a las mujeres. Esta entre nosotros y la naturaleza”.

El espíritu de la novela de Balzac queda profusamente captado en estos diálogos de la película que adicionalmente reivindican la situación de la mujer de la época.

El personaje que interpreta a Félix, el actor Olivier Gourmet, destaca en su papel por el carácter y la profunda convicción respecto a sus principios sobre el dinero. Tiene la fuerza para que a lo largo de la película sintamos repudio frente a su comportamiento. En el papel de Eugenia está la actriz Josephine Japy, quien desempeña un papel sobrio y creíble.

La ambientación de época está muy bien lograda. Muchas escenas ocurren al interior de la vivienda, de paredes grises, con poca luz y un mínimo mobiliario acorde al ambiente austero que se busca proyectar. El vestuario es cuidadoso y la música se corresponde con la moderación del entorno.

Una cinta muy bien lograda que recrea una estupenda novela de uno de los grandes escritores de todos los tiempos.

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Del Director: Marc Dugain nació en Senegal en 1957 y desde niño vivió en Francia. Es escritor, guionista y director de cine. Otras de sus películas son: “Una ejecución ordinaria”, “Cambio de reinas”, “El pabellón de los oficiales”. Esta última, basada en la novela del mismo director, ganadora de varios premios.