domingo, 25 de enero de 2026

NOUVELLE VAGUE

Director: Richard Linklater

País: Francia

Año: 2025


Reparto: Zoey Deutch, Aubry Dullin, Guillaume Marbeck

 

“Me gusta la idea de hacer películas sobre absolutamente nada. Me gusta lo irrelevante, lo tangencial, la excursión secundaria a ninguna parte que de repente se convierte en reveladora. De eso tratan todas mis películas”.

 Jean Luc Godard

CONTEXTO

La película “Nouvelle Vague” (Nueva ola francesa), está dedicada al movimiento conocido con ese nombre que a principios de los años 60 dió un giro a la cinematografía en Francia con repercusiones en Europa y reconocimiento a nivel global. El amor por el cine de un grupo de amigos los impulsó a fundar junto con su mentor André Bazin “Cahiers du Cinema” (cuadernos de cine), revista dedicada a la crítica de películas. De ese grupo hicieron parte Francoise Truffaut, Claude Chabrol, Eric Rohmer, Jacques Rivette, Alan Resnais, Agnes Varda, Louis Malle.

En los años 50 en plena época de postguerra, Europa sufría el trauma de las muertes, la destrucción y las dificultades económicas. Lo anterior marcó la visión de estos jóvenes franceses, acompañado de hechos adicionales que rondaban el entorno: el cine de los Estados Unidos tenía un momento de gloria con directores haciendo propuestas que suscitaban la admiración de este grupo hacia Orson Wells, Alfred Hitchcock, John Ford, entre otros. Las propuestas del cine de grandes estudios que se hacían en Europa antes de la guerra empezaban a sentirse decadentes. En Italia el neorrealismo italiano estaba produciendo nuevas apuestas, reflejando con su cinematografía la cruda y triste realidad de la postguerra.

En esa coyuntura y con la pasión que habían alimentado gracias al estudio de películas a través de la crítica en sus escritos, este grupo de cinéfilos franceses se animó a hacer sus primeras películas. La inicial de esta nueva propuesta fue “Los 400 golpes” de Francoise Truffaut en 1959, seguida de “Al final de la escapada” (conocida también como “Sin aliento”) de Jean Luc Godard en 1960.

Este es el momento al cual hace referencia la película “Nouvelle Vague” de 2025, que según el director Linklater pretende ser un homenaje a Godard a quien admira y así mismo es un deseo manifiesto para que el cine se mantenga libre e independiente. El filme se concentra en el rodaje de “Al final de la escapada”, resaltando aquellos elementos que hicieron esta cinta disruptiva frente a lo que hasta entonces se había hecho.

DE LA PELÍCULA “AL FINAL DE LA ESCAPADA” DE GODARD, 1960

En realidad, la trama es muy simple: Michel, un ladrón de poca monta se dirige de Marsella a París en un auto robado y en el camino tiene un incidente con un policía. Al llegar a París se encuentra con Patricia su amiga estadounidense con quien pretende escapar, pero en el entretanto huye de un sitio a otro de quienes lo buscan para aprehenderlo. La construcción de ese relato que hizo Godard con elementos totalmente nuevos es lo que busca resaltar “Nouvelle Vague” (1).

DE LA PELÍCULA “NOUVELLE VAGUE”, 2025

En esta película que es un detrás de cámaras de “Al final de la escapada” sus protagonistas representan a Jean Paul Belmondo y a Jean Seberg, los actores de 1960, con un gran parecido físico, haciendo parte de un casting muy destacable que los hace reconocibles no solo a ellos sino a los varios directores del momento que hicieron parte del movimiento en Francia y que allí aparecen. Se muestra que el rodaje de Godard se hizo en plena calle en contraposición a las películas de estudio. Así mismo que no hubo guión predeterminado y que este se iba construyendo en el camino por parte del director para desconcierto de la protagonista, enseñada a saber de antemano la trama y ceñirse a ella. Adicionalmente la filmación se hizo con cámara de 16 milímetros lo que facilitaba la movilidad y en la edición de la película, Godard hizo cortes dentro de una misma escena (jump cut) lo que rompía la continuidad del relato.

Además del proceso de filmación se pueden apreciar otros espacios en la relación de Godard con los demás miembros del grupo francés, especialmente con Truffaut y el éxito que este último tuvo en Cannes con la película que se considera inaugural de la nueva ola como fue “Los 400 golpes”. Se resalta la admiración de Godard por el director italiano Roberto Rosellini, así como las dificultades que enfrentó con el productor de su película ante el temor de este último por la acogida que iba a tener dentro del público.

El cine de la nueva ola francesa, como nos lo resalta la cinta “Nouvelle Vague” rompió con la estructura del cine clásico al permitir rodar en lugares reales (no construídos para las películas), permitir la improvisación de los actores, filmar con equipos portátiles, utilizar música asincrónica (no coherente con las escenas), introducir personajes desencantados con la vida, dar a la mujer un papel protagónico y no adyacente en los filmes, recurrir a la citas tanto con los personajes como con otras cintas y darle importancia a los cotidiano. Lo más importante, dar al director el papel de artista creador, en un cine más allá del espectáculo.

“Nouvelle Vague” nos ilustra sobre todos estos aspectos para entender la revolución que significó el cine propuesto por estos jóvenes franceses que se atrevieron a innovar y a quebrantar las reglas del momento y la manera como nace con ellos el cine de autor donde prevalece el punto de vista del director.

Del director: Richard Linklater es un guionista y director estadounidense, nacido en Texas en 1960. Otras de sus películas son: “Slacker”, “Escuela de rock”, “Boyhood”, la serie de tres películas: “Antes del amanecer”, “Antes del atardecer”, “Antes del anochecer”.

1: Es recomendable ver previamente la película de Godard para entender la que aquí se reseña.

 

sábado, 3 de enero de 2026

DOS PELÍCULAS: REINO UNIDO MARGINAL E IRLANDA RURAL “BIRD” Y “ACABA CON ELLOS”

 


Estas dos cintas tienen en común una temática sobre la vida que transcurre en los márgenes y en la cual no se centra la visión de la mayoría de las películas europeas, pues, aunque involucran a ciudadanos nativos, no tienen el interés que pueden despertar las grandes historias urbanas. En el caso de “Bird” se desarrolla en el condado de Kent, y se enfoca en los “okupas”, personas que invaden edificios abandonados. En el caso de “Acaba con ellos”, los hechos suceden en zona rural montañosa de Irlanda.

En ambas coincide un magnífico actor, Barry Keoghan, quien ha tenido un brillante desempeño en varias producciones recientes.

BIRD

 

Director: Andrea Arnold

País: Reino Unido

Año: 2024

Reparto: Nykiya Adams, Barry Keoghan, Franz Rogowski, Jasmine Jobson, Jason Buda

Andrea Arnold es una directora inglesa, ganadora de varios premios del jurado del festival de Cannes por sus largometrajes y de un Oscar por uno de sus cortos. Su interés está muy enfocado en temas sociales, retratando aquellas regiones pobres y marginales de su país. Sus argumentos coinciden con los de su compatriota y colega Ken Loach, en cuanto reivindican causas de personajes excluídos.

“Bird” no es ajena a los asuntos que la directora ha llevado a otras de sus películas, pero al introducir en ésta elementos fantásticos, permite paliar las situaciones difíciles que allí se muestran para generar una ilusión sobre el futuro.

La cinta se concentra en el personaje de Bailey, una niña de 12 años, en transición a la adolescencia, quien vive con su padre divorciado y su hermanastro en un edificio abandonado donde varias familias han adaptado sus viviendas. El padre actúa como un adolescente más, ensimismado en la música y en el próximo iluso negocio que lo va a hacer rico.

Bailey reclama su espacio en un mundo donde parece no tenerlo, pues además de la poca atención de su padre, su madre tiene otros tres hijos menores a quienes mantiene en condición de abandono y convive con el novio de turno quien además la maltrata.

Bailey trata de resolver los problemas de sus hermanos ante la permanente ausencia de sus padres. En un ambiente carente de adultos, la joven asume las responsabilidades de ellos. En el discurrir de ese mundo disfuncional encuentra a Bird, un extraño joven quien anda en busca de sus progenitores que lo abandonaron siendo aún un niño.

Esos dolores compartidos entre Bailey y Bird permiten un acercamiento entre ellos, más allá de la pandilla de barrio que parece ser el refugio preferido de los adolescentes.

La película avanza destacando momentos en la cotidianidad de Bailey, algunos de los cuales acompaña Bird, bien en casa de la madre de Bailey, una mujer hermosa pero débil y disminuída por la pobreza como en la casa de su padre en las farras con sus amigos o compartiendo los problemas de su hermanastro, en un círculo donde parecen repetirse las historias de padecimientos y de limitaciones. Es un entorno donde todos soportaron el dolor demasiado pronto, pero donde aún queda un resquicio en la escasa solidaridad familiar.

Al final, como un grito de esperanza, la directora introduce elementos fantásticos que permiten soñar con un mundo más compasivo donde haya posibilidad de romper esta espiral de desolación y abandono.

A pesar de que la película es fragmentada, los problemas tienen un buen abordaje para dimensionar el entorno social y familiar. Cuenta así mismo con unas magníficas actuaciones de sus protagonistas, destacándose Bailey, interpretada por la novel Nykiya Adams y los ya veteranos Keoghan y Rogowski. La música contribuye al ritmo del filme a través de bandas como Fontaines, The Verve, Blur, Rednex y del jazzista Charlie Parker. En la fotografía se destacan las escenas de aves y de insectos con las cuales se embelesa su protagonista.

De la directora: Andrea Arnold nació en Dartforf, Kent, Inglaterra en 1961. Además de directora de cine es guionista y actriz. Otras de sus películas son: “Red Road”, “Fish Tank”, “American Honey” y el cortometraje “Wasp”.

Esta película se puede ver en la plataforma MUBI

ACABA CON ELLOS
 

Director: Christopher Andrews

País: Irlanda, Reino Unido

Año: 2024

Reparto: Christopher Abbott, Barry Keoghan, Nora Jane Noone, Colm Meaney

Esta película se desarrolla en las montañas de Irlanda donde habitan familias con una tradición de muchos años dedicados a la cría de ovejas, pero donde cada vez se vuelve más difícil vivir de este oficio.

Mikey, el protagonista, convive con su padre quien tiene limitaciones físicas que le impiden caminar, razón por la cual está a cargo de la finca y del rebaño de ovejas. Los vecinos, Gary y su familia, dueños también de un rebaño, tienen problemas de vieja data con los O’Shea, la familia de Mikey. Tales desavenencias son causadas por la servidumbre que les impide el paso a los terrenos de Gary, porque Mikey fue novio de Caroline la esposa de Gary y porque las ovejas de los O’Shea son las mejores de la comarca y ellos se resisten a venderlas.

Estos pequeños pleitos van creando resentimientos en Gary los cuales son transmitidos a su hijo Jack y alimentados por sus propios fracasos al haber incursionado sin éxito en negocios de turismo. En Mikey, por otro lado, además de los inconvenientes mencionados prevalece un sentimiento de culpa por la muerte de su madre, en un accidente automovilístico cuando él conducía, lo cual le es reclamado permanentemente por su padre.

El joven Jack tratando de subsanar los problemas económicos de su familia, empieza robando unas ovejas a los O’Shea y recurre luego a decisiones más enrevesadas con el rebaño de su vecino, azuzado por un primo desocupado. Ello crea para Mikey una situación límite pues su padre demanda continua atención, se resiste a disminuir el rebaño y le reclama venganza contra sus vecinos.

La situación llega a extremos ante decisiones tanto de Gary como de su hijo Jack que han exacerbado el conflicto con Mikey hasta límites donde es difícil echar marcha atrás, generando en este último reacciones que tampoco creía posibles.

El director logra crear un ambiente de tensión entre los personajes que rivalizan y con gran acierto presenta los hechos que se desarrollan con versiones desde puntos de vista diferentes: la de Mikey por un lado y la de Jack por el otro, lo que permite visualizar un cuadro más completo al espectador. Este recurso muy usado en las películas contemporáneas fue estupendamente presentado en 1950 por Akira Kurosawa, el director japonés, en la película “Rashomoon” para dar a conocer las versiones de varios personajes frente a una violación, sin que el director hubiese tomado partido. Esta visión del director Christopher Andrews, es quizá lo más destacado.

Muy bien por las actuaciones de Keoghan y de Abbott, que sin muchos diálogos logran transmitir el temperamento lacónico y reservado de sus personajes. El ambiente rural con escenas bucólicas de los bellos paisajes de Irlanda refleja esos pequeños conflictos entre vecinos que van adquiriendo otras dimensiones, generando furia y resentimientos muchas veces incontrolables.

Del director: Christopher Andrews es un guionista y director británico, nacido en 1970. Ha dirigido varios cortometrajes, pero “Acaba con ellos” es su debut en los largometrajes.

Esta película se puede ver en la plataforma MUBI

 

sábado, 29 de noviembre de 2025

FRANKENSTEIN


Director: Guillermo del Toro

País: Estados Unidos

Año: 2025

Reparto: Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth, Christoph Waltz


LA NOVELA QUE INSPIRÓ LA PELÍCULA

En 1818, hace más de 200 años, una joven de 21 años publicó la novela “Frankenstein o el moderno Prometeo”, resultado de un reto que planteó Lord Byron en 1816 a los huéspedes invitados a su casa en Suiza para que se aventuraran a escribir una historia de terror. Mary Shelley asistió allí junto con su marido en el “año sin verano” como fue conocido, por los efectos que tuvo la explosión del volcán Tambora, el cual lanzó grandes cantidades de polvo que oscurecieron la atmósfera. De esa propuesta del anfitrión surgieron los primeros borradores de la novela de la joven Shelley.

La referencia que en el título de la novela se hace a Prometeo, alude a quien en la mitología griega modeló a los primeros hombres a partir del barro y luego robó a los dioses el fuego para entregárselos a ellos, recibiendo un castigo por esta ofensa.

Víctor Frankenstein, el protagonista de la novela, busca, al igual que Prometeo crear un ser humano, pero en este caso a partir de fragmentos de cadáveres e insuflarle vida utilizando la electricidad. La criatura que resulta del experimento de Víctor causa su rechazo y el libro desarrolla las consecuencias de la relación que surge entre ambos, creador y monstruo, y cómo contamina el entorno social y familiar de Víctor y los resentimientos que produce en la criatura ante la negación de su creador. -

VERSIONES CINEMATOGRÁFICAS ANTERIORES DE FRANKESTEIN

El impacto que tuvo el libro dio lugar a varias versiones cinematográficas, siendo la primera la de 1931, en cine mudo, protagonizada por Boris Karloff. En 1935 “La novia de Frankenstein” fue una secuela dirigida por James Whale. En 1957 se realizó la primera versión en color “La maldición de Frankenstein”. En 1974, Mel Brooks dirigió “El joven Frankenstein”, una parodia del libro, con Gene Wilder. En 1994 Kenneth Branagh dirigió “Mary Shelley’s Frankenstein” en la cual Robert de Niro asumió el papel del monstruo. En 2015 se hicieron dos películas más. Y esto no agota otras muchas que se han basado en un tema similar, así no hayan sido fieles al libro de Shelley.

GUILLERMO DE TORO Y SUS “MONSTRUOS”

Guillermo del Toro, el director mexicano, ha tenido fascinación por los monstruos. Dos películas anteriores así lo corroboran: “El laberinto del fauno” y “La forma del agua”.

“El laberinto del fauno”, de 2006, da cuenta de una relación entre una niña y un fauno que le permite a ella escapar de su padrastro, capitán del ejército franquista, y del mundo oscuro que hay a su alrededor. La segunda película, “La forma del agua”, de 2017, narra la relación entre un extraño ser anfibio, objeto de estudio en un laboratorio, y una mujer del aseo -muda- que trabaja allí. En ambos casos las criaturas, a pesar de su presencia física, dejan ver su lado sensible y compasivo.

“FRANKENSTEIN” DE GUILLERMO DEL TORO

Esta película con dos horas y media de duración, fue producida por Netflix, a un costo de US$ 120 millones.

Con una escenografía impecable la película se desarrolla en 4 partes. Un preludio, un capítulo donde Víctor Frankenstein cuenta su versión de la historia, en el siguiente oímos la versión del monstruo y por último un epílogo.

Cada capítulo tiene una escenografía característica en cuanto a la ubicación geográfica, el color y el entorno en el cual se mueven los personajes. En el preludio, que es en realidad el fin de la trama, un barco se ha quedado varado en el polo norte y su tripulación encuentra a Víctor Frankenstein a punto de morir en la nieve y posteriormente a un monstruo que lo persigue y del cual son víctimas varios de los marineros. Aquí podemos apreciar unas escenas donde nieve sirve como telón y las luchas que allí se desarrollan de los hombres del mar contra un monstruo que parece inmortal pues sobrevive a todos los ataques.

En el capítulo I Víctor cuenta su historia: la niñez con un padre tirano, la muerte de su madre, los estudios posteriores en la escuela de medicina y sus experimentos para crear vida a partir de la muerte. Lo anterior en un ambiente rodeado de riqueza en el castillo donde Víctor vivió sus primeros años y posteriormente en la Londres de principios del siglo XIX donde estudió y llevó a cabo los primeros ensayos anatómicos. Allí predomina el color rojo en los vestidos de su madre que tanto marcó su vida y luego en los guantes de Víctor al manipular cadáveres.

En el capítulo II la versión del monstruo transcurre desde el momento en que Víctor le dio vida, lo tuvo recluído y luego lo abandona cuando su obra lo decepcionó, obligándolo a recorrer el bosque y a mantenerse escondido hasta que encuentra un refugio con una familia que no sabe de su presencia, pero de la que aprende a hablar y a escribir. En estas escenas predominan los colores ocres y verdes.

En la parte final, cuando volvemos a la escena del preludio en el polo norte, donde se confrontan nuevamente el creador y la criatura se desarrollan unos diálogos que permiten la redención por parte de ambos. En esas escenas es válido reflexionar quien en definitiva es el verdadero monstruo: Víctor o su creación.

La ambientación de época es muy bien lograda, así como la de escenarios claves: el laboratorio de pruebas, el castillo, la iglesia. Los contrastes de color que permiten diferenciar los momentos y las versiones de los personajes son muy llamativos. Los decorados destacan elementos fetiches del director como los insectos (mariposas), los engranajes, los lugares oscuros.

Apartado especial merecen los actores Oscar Isaac como Víctor Frankenstein y Jacob Elordi como el monstruo, de gran fuerza escénica, pero sin exageraciones.

Una película muy impactante que mantiene el suspenso a pesar de desarrollar un guión bastante conocido, gracias al libro en el cual se basa.

Esta película se puede ver en Netflix.

Del director: Guillermo del Toro Gómez, nació en 1964 en Guadalajara, México. Desde muy joven estuvo vinculado con el cine, primero en diseño de maquillaje donde creó su propia empresa “Necropia”, luego en adaptación de cómics y posteriormente en la dirección de largometrajes. Ha escrito guiones para sus propias películas, para terceros y muchos otros que no se han concretado. Otras de sus películas son: “Hellboy” y “Blade II”, adaptaciones de cómics, “El espinazo del diablo”, “El laberinto del fauno”, “la forma del agua”, “Pinocho”, “el callejón de las almas perdidas”. Ha sido ganador de varios premios, entre ellos 3 Oscar, varios premios Ariel en México y un globo de oro.

 

lunes, 3 de noviembre de 2025

“FAMILY ROMANCE, LLC” Y “PEACOK”

DE COMO MITIGAR LA SOLEDAD EN LOS TIEMPOS ACTUALES

Estas dos películas dan cuenta de situaciones que hoy en día empiezan a hacerse evidentes producto entre otros aspectos de la soledad, con individuos reconcentrados en su ámbito individual a la par que conectados a las redes sociales donde son visualizados por muchos, pero con pocos acercamientos reales.

Como lo expresó Byung-Chul Han, recientemente galardonado con el premio príncipe de Asturias de comunicación y humanidades 2025 “Las redes sociales facilitan una comunicación sin límites. Gracias a la digitalización estamos interconectados, pero nos hemos quedado sin relaciones ni vínculos genuinos. Lo social se está erosionando. Perdemos toda empatía, toda atención hacia el prójimo”.


FAMILY ROMANCE, LLC

 

Director: Werner Herzog

País: Estados Unidos

Año: 2019

Reparto: Ishii Yuichi, Miki Fujimaki, Mahiro Tanimoto, Takashi Nakatani

 

“A veces la falsedad es un elemento benigno para la supervivencia humana”

Werner Herzog

 

El título de la película hace alusión a una empresa dedicada a alquilar compañía para eventos o situaciones sociales tales como bodas, cumpleaños o entierros. Un servicio que es muy usual en Japón al punto que se ha convertido en un verdadero negocio al cual muchos recurren.

A lo largo del filme su protagonista, Yuichi Ishii, asume diferentes roles de acuerdo a las necesidades contratadas por sus clientes. Uno de sus papeles es el de padre sustituto de una joven que se va a casar y que se niega a llevar a la boda a su papá alcohólico. En otro, representa a uno de los varios fotógrafos alquilados por una influencer para que la persigan como verdaderos paparazis tomándole fotos en su recorrido por una calle concurrida de Tokio y ganar así visibilidad y obtener likes. Es igualmente contratado por una mujer ganadora de la lotería quien desea volver a experimentar la emoción que sintió el día del premio, mediante un evento que simule esa sorpresa. Un empleado del tren bala también recurre a los servicios de la agencia para que Ishii asuma frente a su jefe la culpa por un error en la salida del tren un segundo antes de la hora prevista.

El caso central de la cinta, sin embargo, gira alrededor de Mahiro, una niña de 12 años cuya madre quiere hacerle creer que su padre, a quien ella nunca conoció, ha aparecido porque tiene interés en verla y en saber de su vida. La verdad es que la madre de Mahiro la tuvo siendo soltera y no volvió a tener noticias del papá de la criatura. La pretensión al contratar a Ishii es que la niña vea en él a ese padre ausente y pueda llenar el vacío que reclama. Los encuentros entre Ishie y Mahiro se hacen frecuentes y se establece una comunicación entre ambos que va creando un lazo de cariño.

Durante el desarrollo del guión, el director nos lleva a un punto donde el mismo Ishii reflexiona sobre si el caso con Mahiro no ha llegado demasiado lejos y si realmente está haciendo lo correcto. Pero al tiempo piensa que gracias a esa oportunidad la niña es feliz y puede hablar abiertamente con él.

Lo interesante son los interrogantes que surgen en el transcurso de la película y que tienen que ver con la distinción entre lo que es real y lo que percibe como real, así ello no lo sea. Como lo expresa el director Werner Herzog: ¿Qué tanto de nuestra vida es una representación? ¿Qué tanta verdad hay en todo?

Hay una particularidad en la cinta que el mismo director aclara. No se trata de un documental, de los muchos que acostumbra a realizar Herzog. Es verdad que el protagonista, Ishii, quien no es actor profesional, es el verdadero dueño de la agencia en Japón con el mismo nombre y propósito, e interpreta una ficción en el filme, pero enfrentado a situaciones similares a las que maneja en su empresa.

Lo peculiar de un negocio como éste llamó la atención del director quien predice el crecimiento que puede tener en un futuro, habida cuenta del envejecimiento de una población cada vez más conectada, pero al mismo tiempo más sola. De hecho, plantea (y estamos hablando del año 2019 cuando se realizó la cinta) que serán los robots quienes reemplazarán esa compañía tan necesaria y tan escasa.

Cualquier parecido con el robot doméstico Neo y similares es pura coincidencia.

Esta película se puede ver en esta dirección: https://m.ok.ru/video/3425225673240

Del director: Werner Herzog es un cineasta, documentalista, guionista, productor, escritor, director de ópera, actor, nacido en Múnich, Alemania, en 1942. Su primera película la filmó a los 19 años. Ha escrito y dirigido más de 60 largometrajes. Otras de sus cintas son: “Fitzcarraldo”, “Aguirre, la ira de Dios”, “El enigma de Kaspar Hauser”, “Nosferatu el vampiro”, “Mi enemigo íntimo”, “Grizzly man”.

 

PEACOCK

 

Director: Bernhard Wenger

País: Austria

Año: 2024

Reparto: Albert Schuch, Anton Noori, Julia Franz Richter, Salka Weber

Matthias es socio de “My companion”, una empresa ubicada en Viena con 30 empleados, cuyo propósito es ofrecer compañía para diferentes ocasiones sociales, con roles ilimitados sin que involucre sexo.

Al inicio presenciamos uno de los tantos eventos en los que Matthias asume un papel: el incendio de un carro de golf en un club, al cual llega junto con la mujer que pagó sus servicios, en el momento preciso para apagar el fuego y que ella pueda aparecer como una heroína y recibir la admiración de sus compañeros del club. Posteriormente lo vemos como asistente a un concierto de Chelo donde posa como un experto en música y sirve de acompañante de una mujer madura quien desea sentirse admirada. Más tarde Matthias funge como piloto, padre de un menor con el cual asiste a su escuela para hacer la presentación de su oficio con el propósito de que el niño se sienta orgulloso ante sus compañeros.

Otros dos casos concentran la mayor parte del filme. Una mujer, Eva, contrata la empresa donde trabaja Matthias para que este le enseñe a argumentar en las discusiones con su esposo y que ello le permita mejorar su relación. El otro, se trata de la celebración que hace un hombre para sus 60 años en el club del cual es socio, donde Matthias debe pasar por su hijo, pronunciar un discurso halagándole y con esto permitir que el homenajeado gane puntos para que lo nombren presidente de dicho club.

Estas dos situaciones se presentan en un momento donde Matthias empieza a tener dificultades para situarse en la realidad. Los diversos roles que está obligado a asumir empiezan a extraviar su mente creando confusión entre lo que es verdad o lo que es interpretación. Su misma relación matrimonial empieza a flaquear porque en ella, como se lo manifiesta su esposa, parece encarnar un papel más.

La situación llega a su clímax con el esposo de Eva quien le reclama por los consejos que ha recibido y que afectan su matrimonio y por otro lado con los acontecimientos que se presentan en el evento de celebración de los 60 años. La esposa de Matthias por su parte también es víctima de las distorsiones mentales de éste cuando pretende recomponer su relación, simulando eventos donde quiere aparecer como un hombre valiente y decidido.

Todo ello evidencia la alteración que sufre Matthias en un mundo donde ya él no tiene claridad para distinguir entre lo real y lo que es representación.

Una película con muy buen ritmo, con una mirada crítica frente al afán del mundo actual de mostrar lo que otros quieren ver y de la hipocresía que se esconde detrás de muchas situaciones y que conduce a una explosión de la personalidad que impide distinguir la frontera entre la verdad y la mentira.

Esta película se puede ver en MUBI, Amazon Prime o Google Play.

Del director: Bernhard Wenger nació en Salzburgo, Austria en 1992. Estudio diseccionen la academia de cine de Viena. “Peacock” es su ópera prima y fue estrenada en Venecia en el 2024. Ha realizado varios cortometrajes: “Disculpe busco la sala de Ping-pong y a mi novia”, “Salida a la derecha”, “Un chico le pide matrimonio a su novia en la montaña”.

 

sábado, 27 de septiembre de 2025

UN POETA

Director: Simón Mesa Soto

País: Colombia

Año: 2025

Reparto: Ubeimar Ríos, Rebeca Andrade, Guillermo Cardona, Humberto Restrepo, Margarita Soto, Allison Correa


 “El arte se nutre de lo que sucede, es un reflejo de la sociedad”.

  Simón Mesa

Esta película colombiana aborda el tema de un poeta en la ciudad de Medellín y la relación con su familia, sus colegas y especialmente con una de las alumnas en uno de sus pocos trabajos temporales, mostrando las expectativas sobre su vida y sus frustraciones. Está muy bien planteada pues cuenta con un sólido guión, buenas actuaciones, crítica a muchas realidades y buen humor. Destaco los aspectos más relevantes.

 

PERSONAJES

Tal vez la mayor virtud de la cinta recae en la adecuada caracterización y el consistente perfil de los personajes.

El papel principal a cargo de un actor natural, muy bien interpretado por Ubeimar Ríos, es coherente de principio a fin. Refleja la frustración de quien tuvo un éxito temprano en la poesía y después fue incapaz de producir otro escrito encauzando las desilusiones que ello le produjo a través del licor. Incompetente para trabajar en otro oficio diferente porque “esto no es lo mío”, como lo hacía saber, sigue a sus más de 50 años sostenido por su familia y protegido por una madre incondicional que siempre encuentra justificación para continuar manteniéndolo.

La otra gran protagonista de la historia es Yurlady, la alumna que Oscar encontró en su breve paso por las clases que dictaba en un colegio público, con inclinación por la poesía y en quien sublimó ese deseo de triunfo que a él ya le era esquivo. Al final hay una manifestación de parte de ella sobre sus verdaderos intereses que desconciertan al poeta y que le dan un giro al guión.

Por otro lado, los amigos de Oscar en la casa de poesía, dedicados a promover este arte, trabajan con precarios recursos dado el pobre apoyo cultural en el país, lo que los obliga a buscar fuentes de financiación con otros países. Mantener estos recursos, sin embargo, implica promover los temas que los extranjeros quieren ver, mostrar y vender en el exterior.


GUIÓN

Dividido por capítulos, el guión está muy estructurado alrededor del personaje principal, Oscar, y de Yurlady la joven a quien quiere ayudar a toda costa para que triunfe. En esa relación se enmarca de manera acertada el entorno familiar en el cual se mueve cada uno. En el caso del poeta, perteneciente a una familia de clase media, se exponen las tensiones con sus otros hermanos porque ven a un hombre que a su edad y a pesar de haber tenido una hija sigue dependiendo de su madre, con la cual vive, tiene trabajos poco duraderos y no abandona el alcohol. Aun así, su mamá siempre lo defiende y apoya. Yurlady por su parte tiene un origen popular, convive con una prole numerosa: madre, hermanos, sobrinos, abuela en la misma casa, pasando grandes necesidades y enfrentando permanentes conflictos.

El afán de Oscar es abrirle un camino a Yurlady dentro de la poesía para que surja y salga de su difícil situación y recurre para ello a sus amigos de la casa de poesía, que impulsan nuevas voces dentro de este oficio. Estos escenarios donde prevalecen las inquietudes artísticas, si bien son fundamentales para descubrir jóvenes talentos, no están exentos de intereses e intrigas como se plantea en la cinta. Y precisamente mostrar las varias caras no solo de los personajes sino de las situaciones, sin complacencias, es un gran valor del guión.

El error que comete el poeta en un evento público de poesía con su alumna desencadena una serie de hechos de los que se aprovecha la familia de ella, y en el que sale a relucir la ingenuidad de Oscar y la mezquindad de sus compañeros de la casa de poesía.

En medio de todo este drama está la relación del poeta con su hija adolescente, quien guarda resentimiento por la ausencia de su padre pero que gracias al afán de reivindicación de este último busca entender y mejorar la relación. Por fortuna el guión no se traiciona con un final rosa que hubiera sido poco creíble.

Durante el desarrollo de la trama surgen situaciones risibles, que despiertan una complicidad con ese poeta fracasado, pero iluso, bondadoso y sensible, que parece moverse en una realidad diferente a la de los demás.

 

ENTORNO

La ciudad de Medellín sirve como escenario para la película y aunque no se detiene en aspectos particulares pues la mayoría de las escenas se desarrollan en espacios cerrados, si deja ver esas diferencias de clase a través de los barrios donde habitan sus personajes y en las relaciones tan disímiles que se construyen al interior de cada uno. No hay una imagen idílica de la ciudad, hay una imagen real.

En resumen, una película auténtica, honesta, con personajes muy bien definidos y con un guión muy completo. En el festival de Cannes de este año esta cinta obtuvo el premio del jurado en la sección “Una cierta mirada” y representará a Colombia en los premios Oscar en la categoría internacional.

"Un poeta" se puede ver en salas de cine

Del director: Simón Mesa nació en Medellín en 1986. Estudio comunicación audiovisual en la Universidad de Antioquia e hizo una maestría en la escuela de cine de Londres. Dirigió los cortometrajes “Leidi” (2014), ganador de la palma de oro de Cannes en su categoría y “Madre” (2018) así como el largometraje “Amparo” (2021).



 

domingo, 31 de agosto de 2025

CUATRO ARTISTAS FAMOSOS EN TRES PELICULAS -CAMILLE CLAUDEL, MODIGLIANI, CHAGALL Y MALEVICH-

 


Tres películas nos muestran momentos importantes de estos artistas, cuya obra pictórica y/o escultórica, sigue teniendo relevancia hasta nuestros días. Aunque sus vidas trascurren en diferentes países y momentos, hacen parte de una época floreciente del arte en Europa y Rusia de finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

Cada una de las cintas tiene un enfoque distinto, concentrándose eso sí, en años específicos, sin que ninguna pretenda agotar su historia de vida.


LA PASIÓN DE CAMILLE CLAUDEL

 “Tu futuro te pertenece” Frase de su padre, a Camille

Director: Bruno Nuytten

País: Francia

Año: 1988

Reparto: Isabelle Adjani, Gerard Depardieu, Madeleine Robinson

Contexto Histórico: En 1883 Camille Claudel viaja a París a continuar sus estudios en la escuela de Bellas Artes, es allí donde conoce a Augusto Rodin, artista ya reconocido en su país y quien había logrado una ruptura con el canon tradicional de la escultura. En estos mismos años los pintores impresionistas estaban dando sus propias batallas con propuestas pictóricas innovadoras, que pocos entendían y que más bien rechazaban. Tanto Rodin como Camille se mantuvieron al margen de los salones de estos artistas.

La Película: Esta centrada en los años de trabajo de Camille al lado de Rodin, en París, como aprendiz y ayudante en varias de sus obras, algunas monumentales encargadas por entidades públicas, tales como “La puerta del infierno” o “Los burgueses de Caláis”. A la par con un trabajo común, los artistas fueron amantes y aunque Camille siempre demostró ser una artista excepcional, empeñada en buscar de manera independiente su propio camino, se vió opacada por el genio de Rodin, en una sociedad machista, moralista y envidiosa, donde se la juzgaba a ella solo por su romance, pero no a él, quien estaba casado y mantuvo numerosas aventuras. En él vieron al artista, en ella a la amante a pesar de que él mismo Rodin llegó a tener celos de su talento desbordante.

La película, interpretada por unos magníficos Isabelle Adjani y Gerard Depardieu nos permite apreciar las obras maravillosas que ambos legaron. En el caso de Camille esculturas como “El hombre inclinado”, “Clotho”, “El gran vals”, “La gran ola”, “La edad madura”, “Vertumo y Pomona”, algunas de ellas expuestas en la galería de su marchante sin que hubiera logrado vender alguna. A pesar de su maestría escultórica, una vez termina su relación con Rodin, a quien le pidió sin éxito que se separara de su esposa, ella se dedicó a beber y a trabajar incansablemente entrando en una espiral de autodestrucción que condujo a su deterioro físico y mental. Esta artista poco reconocida en vida terminó en un manicomio en Francia donde estuvo encerrada por 30 años y donde nunca llevó a cabo trabajos artísticos.

Se puede ver en

https://lalulula.tv/cine/ficcion/la-pasion-de-camille-claudel/


MODIGLIANI TRES DÍAS EN MONTPARNASSE

“La muerte lo alcanzó cuando llegó a la fama”. Epitafio en su tumba

Director: Johnny Deep

País: Reino Unido

Año: 2024

Reparto: Ricardo Scamarcio, Antonia Desplat, Stephan Graham, Al Pacino

Contexto Histórico: En 1906, con tan solo 22 años, Amedeo Modigliani se traslada desde su natal Livorno (Italia) a París, centro vanguardista del arte. Montparnasse era un barrio en ebullición que le permitió a Modigliani relacionarse con numerosos pintores como Picasso, Utrillo, Soutine, Matisse. Allí vivió en medio de excesos de alcohol, drogas y mujeres. En 1914, con los inicios de la Primera Guerra Mundial mantiene un atormentado romance con Beatrice Hastings, periodista y escritora británica, por espacio de dos años. Sobre la vida del artista en este período está basada la película.

La Película: Con un ritmo bastante irregular, en la primera parte la cinta se centra en la relación de Modigliani con los artistas Maurice Utrillo, francés, y Chairez Soutine, bielorruso, todos ellos pintores talentosos y bohemios, con condiciones económicas bastante precarias. En estas escenas se hace una caricatura muy poco afortunada de este trío, pues se concentra en aspectos irrelevantes de sus personas y poco en su valor artístico. La segunda parte es más interesante pues hace énfasis en la obra de Modi, como lo llamaban sus amigos, y en su persistencia por encontrar el estilo propio de su pintura, a pesar del poco aprecio que tuvieron sus cuadros entre el público. Los retratos de caras alargadas, cuellos estilizados y muchos de ellos sin ojos, inspirados en las esculturas primitivas y en el arte africano, fueron muy criticados en su momento. A Modigliani eso poco le importó y persistió con su estilo, que no pretendía encajar en ningún movimiento. Beatrice Hastings fue su modelo en 10 pinturas. Sobre este vínculo ella manifestaría mucho después “Amadeo y yo éramos fuego y pólvora y eso nos quemó”.

La película tiene muchas fallas: lo poco apropiado de la música, el ritmo irregular, las referencias sin contexto al cine mudo, pero también tiene grandes aciertos como las buenas interpretaciones de los dos protagonistas, la muestra de las obras del artista y una escena valiosa: Aquella en la que Amadeo discute con un coleccionista, interpretado por Al Pacino, y se destaca la pasión del artista y el papel del crítico. La relación entre Amadeo y Beatrice se rompió, y los excesos del artista le cobraron factura. Amadeo murió a los 35 años.

La película se puede ver en

https://ok.ru/video/9141068827167


CHAGALL – MALEVICH

 “En nuestra vida solo existe un color, como en la paleta del artista, que ofrece el significado de la vida y el arte. Es el color del amor” Marc Chagall

Director: Aleksandr Mitta

País: Rusia

Año: 2014

Reparto: Leonid Bichevin, Anatoli Belyj, Kristii Schneider,

Contexto Histórico: La película se sitúa en los años 1917 y 1918, en Vitebskin, pueblo ruso donde nació Marc Chagall. En 1917 la revolución Bolchevique sinificó el derrocamiento del zar en Rusia y la toma del poder, liderada por Lenín, con el propósito de implementar el modelo socialista. El nuevo gobierno generó expectativas de bienestar para una población harta de la guerra y de la pobreza. Muchos jóvenes se ilusionaron con las nuevas posibilidades prometidas, aunque después vendría la decepción.

La Película: Después de haber residido en París, Chagall vuelve a Vitebskin donde, gracias al nuevo ambiente político, tuvo la oportunidad de fundar una academia de arte moderno que pretendía impulsar a los pintores en un ambiente de libertad personal. Se propuso experimentar con el proceso colectivo de creación artística, donde confluyeran la revolución y el arte. Con ese objetivo sacó el arte a las calles. La película tiene el mérito de mostrar la obra de Chagall y permite apreciar su estilo, con el uso potente del color, la representación de animales entre lo real y lo fantástico, y una pintura llena de poesía.

Chagall invita a esta academia a Kazimir Malevich, quien tiene una visión del arte muy distinta. En efecto, este consideraba que se debía eliminar lo innecesario de la pintura, crear un arte nuevo basado en la simplicidad, la disminución de los colores, el uso de formas geométricas básicas como el cuadrado, el círculo y el triángulo. Creó un movimiento conocido como el suprematismo y arrastró hacia él a los alumnos de la escuela de Chagall, lo cual creó un conflicto entre los dos artistas. La cinta destaca la obra de Malevich y el liderazgo que generó entre los jóvenes, quienes prefirieron seguir los principios de su movimiento haciendo de lado a su amigo fundador de la academia. El apoyo de la esposa de Chagall, Bella, fue definitivo para que él enfrentara los cuestionamientos a su obra y siguiera su camino por fuera de Rusia.

Ambos pintores son hoy reconocidos porque generaron las bases del surrealismo, en el caso de Chagall y del arte abstracto en el caso de Malevich.

La película se puede ver

https://ok.ru/video/4286994188824



martes, 29 de julio de 2025

“AMAL” Y “SUEÑOS”. DOS PELÍCULAS SOBRE LA RELACIONES INTERCULTURALES E INTERGENERACIONALES

Una de las películas, “Amal”, hace referencia a la convivencia entre las culturas de occidente y de oriente y a la dificultad para buscar un acercamiento ante visiones del mundo distintas. La otra, “Sueños”, proyecta la mirada de tres generaciones frente al sexo y al amor. Ambas, plantean las inquietudes que surgen al confrontar culturas en un caso, edades en el otro, sin pretender dar respuestas correctas sino más bien exponiendo situaciones y dejando las reflexiones para la interpretación individual.

AMAL

Director: Jawal Rhalib

País: Bélgica

Año: 2023

Reparto: Lubna Azabal, Fabrizio Rongione, Catherine Salee, Kenza Benbouchta.

Una profesora de literatura francesa en una escuela pública de Bélgica se ve confrontada por sus alumnos adolescentes, cuando es testigo de la discriminación sobre una de ellas, Monia. El grupo de jóvenes estudiantes es de mayoría musulmana y sienten que la homosexualidad que sospechan de Monia atenta contra los principios religiosos del Corán.

La agresión de la cual empieza a ser víctima Monia busca ser frenada por Amal, profesora belga de origen marroquí, quien entiende la cultura de sus ancestros. Para ello recurre primero a la discusión con sus colegas y con la directora del colegio planteando el problema, pero sin encontrar eco, pues el grupo considera este tipo de conflictos usuales para esa edad y superables. Para Amal, sin embargo, estas agresiones son síntomas de radicalismos religiosos que pueden seguir escalando.

La profesora decide entonces abordar la situación dentro del ámbito de los temas de su clase y propone el estudio de un poeta árabe del siglo VIII, Abu Nuwas, quien a través de sus escritos hace una defensa del amor homosexual, de la vida hedonista y de su afición al vino. Esta apuesta desprevenida de Amal, en defensa de la razón y la cultura, crea una gran resistencia dentro del grupo de alumnos musulmanes.

En este punto es necesario decir que, tal como se aborda en la cinta, en Bélgica las escuelas públicas ofrecen enseñanza religiosa y los padres pueden elegir la denominación religiosa que desean para la educación de sus hijos estando las escuelas obligadas a ofrecer esta opción, incluyendo el islam, si ello es solicitado. La enseñanza religiosa recibe financiamiento estatal.

Amal se da cuenta que un colega, profesor del islam, está adoctrinando a sus alumnos en la corriente más radical del islamismo, el salafismo, el cual defiende un retorno a las tradiciones, haciendo una lectura literal de los textos religiosos.

Lo que se sigue es una discusión agresiva en redes por parte del entorno escolar, dada la condición abierta de homosexual que declara Monia y de la posición laicista (defensa de la independencia del hombre, la sociedad o el estado de toda influencia religiosa) y contra el fanatismo religioso de Amal. Ello deriva en amenazas anónimas de parte de alumnos, padres de familia y de los seguidores salafistas reclamando acabar con la vida de ambas.

Sin develar el final, es importante destacar el planteamiento del director del filme sobre el choque de culturas en países que han recibido un flujo importante de inmigración y de cómo se están abordando, de los límites entre la tolerancia y la permisividad de actitudes radicales, de la situación que enfrentan profesores que al defender lo políticamente correcto están permitiendo abusos por miedo a las represalias y de la injerencia muchas veces excesiva de los padres de familia.

Estos aspectos expuestos por Jawal Rhalib, de origen marroquí, tienen la valentía de cuestionar para generar debate en asuntos que no tienen una mirada única. “Alguien tiene que hablar claro y yo soy musulmán” dice el director.

Esta película puede verse en Prime, Filmin y Apple.

Del director: Jawal Rhalib, cineasta belga marroquí, nació en 1965. Fue periodista y es conocido por su cine social y comprometido. Otras películas suyas: “Cuando los árabes bailaban”, “La revolución rosa”, “Insumiso”, “Desde que nací”.

 

SUEÑOS (Drommer)

Director: Dag Johan Haugerud

País: Noruega

Año: 2024

Reparto: Ella Overbye, Selome Emnetu, Anne Marie Jacobson, Ane Dahl Torp.

El amor de una joven adolescente de 17 años, Johanne, hacia su profesora, Johanna, idealizado en un principio con sus lecturas románticas y luego con las conversaciones y las visitas a la casa de ella, se convierten en el impulso para que Johanne vuelque en la escritura de una novela todos sus sentimientos y los primeros deseos sexuales.

Mediante una voz en off, que involucra apartes de la novela con la realidad, Johanne va transmitiendo a lo largo de la película la manera como aborda este primer amor y el deseo de compartir esta sensación con las personas más cercanas a ella. Primero charla con su abuela Karin, una poeta de mente abierta con varios libros publicados, a quien da a conocer el borrador de su novela. Después aborda a su madre, Kristin, de quien no espera la misma comprensión, pero cuyo criterio también aprecia.

Las reacciones de cada una después de la lectura de la novela son bien distintas. A la abuela le despierta admiración pues la considera una demostración del potencial literario de su nieta y de gran claridad para expresar sus sentimientos. A Kristin en cambio le surgen una serie de preocupaciones por el posible abuso de una mujer adulta, la profesora, para con su hija y considera el escrito como un despertar queer. La discusión entre ambas saca a relucir las luchas de las mujeres por la defensa de sus derechos y por la libertad para expresar sus emociones. Para la abuela, el hecho de que su nieta pueda escribir sobre ellas con despreocupación es un espacio ganado por las mujeres que le causa gran orgullo.

En una caminata en el campo, Karin y Kristine sacan a relucir la película “Flash dance” que juntas vieron hace un tiempo y que muestra las perspectivas tan diferentes de dos generaciones. Karin aspiraba a que en ella se hiciera una reivindicación de la mujer y terminó viendo a la mujer como símbolo sexual; para su hija en cambio, quien tenía 10 años en ese momento, fue un entretenimiento que simplemente quiso disfrutar. Karin expresa lo duro que ha sido la lucha para que se tomen en serio a las mujeres, algo por lo que siempre combatió, aspira a que ello se mantenga y ve en su nieta una generación sin miedo de expresarse libremente.

En estas conversaciones Karin convence a Kristin que más que centrarse en los temores sobre la expresión de intimidades por parte de Johanne, debe rescatar su capacidad de comunicación y escribir tan auténtica y bellamente. Manifiesta que ella añora haber tenido más relaciones amorosas en su vida y haber vivido con más intensidad. Kristin, después de dar una nueva lectura a la novela, tiene una perspectiva diferente y no solo está de acuerdo con su publicación, sino que ahora espera un reconocimiento para Johanne.

Gracias al apoyo de las dos mujeres, Johanne se acerca a la editora de su abuela y consigue publicar su libro. Al final la joven vuelve a tener una relación con un chico y sigue su vida en búsqueda del amor que pensó no volver a encontrar.

La película tiene un ritmo mesurado, destaca los diálogos y los paisajes de la ciudad de Oslo. Pone gran énfasis en las escenas con escaleras, tanto las del apartamento de la profesora como las del parque que rememora en un sueño la abuela Karin con bailarines jóvenes que la rodean, una evocación tal vez a las etapas de la vida que representan cada una de las mujeres en el film. La actuación de Ella Overbye quien interpreta a Johanne es muy convincente, sin estridencias. No hay actuaciones masculinas relevantes pues la película se centra en las cuatro mujeres.

Esta cinta hace parte de una trilogía, la cual completan “Sex” y “Love”. “Sueños” ganó el oso de oro del festival de cine de Berlín en 2025.

Esta película estuvo en salas comerciales

Del director: Dag Johan Haugerud es un bibliotecario, novelista, guionista y director de cine nacido en 1964 en Noruega. Otras películas suyas: “La luz de la fábrica de chocolate”, “Yo pertenezco”, “Yo soy el que quieres”, “Cuidado con los niños”, “Sex”, “Love”.

 



 

NOUVELLE VAGUE

Director : Richard Linklater País: Francia Año: 2025 Reparto: Zoey Deutch, Aubry Dullin, Guillaume Marbeck   “Me gusta la idea de...