LOS DOMINGOS

 

Directora: Alauda Ruiz de Azúa

País: España

Año: 2025

Reparto: Blanca Soria, Patricia López Arnaiz, Nagore Aranburu, Juan Minujin, Miguel Garcés

 

 

“Cada uno se mueve por una verdad, otra cosa es qué es verdad”

 

Alauda Ruiz de Azúa

 

A partir de la decisión de una joven que acaba de terminar sus estudios de bachillerato y sobre la cual su familia tiene sembradas expectativas de su ingreso a la universidad con el propósito de que estudie una carrera y forje un futuro, se construye una historia muy bien contada en la medida en que la resolución que ella toma va a contracorriente de la opinión de los otros.

Ainara, la joven protagonista, es una muchacha alegre, que tiene las mismas inquietudes, miedos y preocupaciones de cualquiera de sus contemporáneas respecto a lo que quiere y espera de su vida. Comparte con las compañeras de colegio y los amigos paseos y diversiones propios de su edad. Hace parte de un coro donde encuentra a otro joven el cual despierta el deseo y el interés por los primeros acercamientos sexuales.

Ainara perdió a su madre siendo muy niña y vive con su abuela, quien la ha criado, y con su padre, bastante ausente debido al tiempo que dedica a su trabajo, a una segunda pareja y a sus otras dos hijas. La comunicación de Ainara es cercana con su abuela y con su tía Maite, quien de alguna manera asumió el rol de madre. Ambas, abuela y tía, tienen un pensamiento liberal respecto al rol de la mujer en el mundo actual.

En el colegio, regentado por monjas cristianas, Ainara empieza a manifestar curiosidad por la forma de vida centrada en el encierro, el rezo y la meditación que ellas llevan. Después de un retiro religioso con sus compañeras durante un fin de semana se da cuenta que los espacios de silencio, de oración y de conversación personal que ella mantiene con Cristo son afines con su personalidad y con su gusto. Este impulso de Ainara es apoyado tanto por la madre superiora como por el cura del colegio quienes la invitan a una convivencia en el convento para que comparta y aprecie la vida en comunidad. Ambos le reiteran que Dios está haciéndole un llamado y le sugieren que lo escuche.

Cuando ella manifiesta a su familia el interés por esta experiencia con las religiosas se topa con reacciones tan diversas que acaban generando grandes conflictos a su interior. Su padre, Iñaki, un hombre profundamente conservador, no ve mayores problemas y aunque en principio se sorprende, apoya que ella pueda conocer de cerca la clausura y la forma de vida que le va a significar el futuro que ella vislumbra. Su tía Maite en cambio ve con frustración que una mujer inteligente, que puede tener un futuro profesional destacado se encierre a orar sin disfrutar su vida. Su abuela incluso se resiste a que una mujer que puede abrir otras oportunidades se recluya en un mundo contemplativo.

Respetando finalmente la voluntad de Ainara y, algunos esperando que una semana en el convento le ayude a cambiar de opinión, ella acude a permanecer brevemente allí como una novicia más. Estando en ese lugar su tía le comunica la muerte de la abuela. Cuando Ainara asiste a la misa de despedida, en medio del dolor que le produce la partida de su abuela, tiene un momento de éxtasis donde ruega a Cristo que la ayude a tomar una decisión. Finalmente, opta por acoger la vida religiosa.

La sorpresa para la tía Maite, una mujer independiente y poco creyente, es mayúscula y se niega a aceptar esta decisión de su sobrina. Iñaki la asume, pero es cuestionado por Maite por su debilidad y por no haber luchado contra esta decisión que compromete la vida de su hija. Este hecho es apenas un desencadenante de las situaciones que surgen posteriormente. Una de ellas es la pelea entre Iñaki y su hermana Maite por la herencia y la pérdida de la casa familiar como consecuencia de los negocios de Iñaki quien había hipotecado los bienes de su madre. Igualmente salen a flote las tensiones al interior de la relación de Maite con su esposo ya que ésta venía deteriorándose de tiempo atrás.

Hay varios aspectos que resultan muy bien tratados en la cinta. Uno de ellos es la posición de los miembros de la familia respecto a la decisión de Ainara de irse para el convento. Cada uno, incluyendo a la propia joven, parece tener argumentos para defender su postura. La película no toma partido, más bien sirve de conducto para formular muchas preguntas sin que se den respuestas. El otro aspecto relevante es que la película permite reflexionar acerca de cómo un hecho se convierte en detonante de una situación, y acelera una serie de crisis que ya venían cocinándose, pero que no se habían hecho visibles.

Esos dos aspectos son presentados gradualmente en el filme a través de los diálogos (aspecto que constituye lo más relevante de la película), para que sea el espectador el que tenga su propia mirada sin ser inducido a conclusiones.

Las mejores actuaciones están en cabeza de las mujeres. Blanca Soria, quien interpreta a Ainara es una mujer muy joven que se luce en este primer papel, fue nominada al premio Goya a la mejor actriz revelación. Tanto Patricia López Arnaiz, en el papel de la tía Maite como Nagore Aranburu como la madre superiora tienen una amplia experiencia en teatro, el cine y la televisión. Aranburu se hizo acreedora al premio Goya a mejor actriz de reparto por esta película.

En la música que acompaña el filme se destacan las bellas adaptaciones corales de “Into my arms” de Nick Cave and the Bad seeds y “Ave Verum” -una pieza sacra de Mozart-. El repertorio musical de la cinta se puede escuchar en Spotify.

Esta película se puede ver en Movistar Plus.

De la directora: Alauda Ruiz de Azúa nació en Baracaldo, España, en 1978. Estudió Filología inglesa, Comunicación audiovisual y Dirección de cine. Trabajó varios años en el sector de la publicidad. Otras de sus películas son: “Cinco lobitos” con la cual ganó el premio Goya a la mejor dirección novel, la miniserie para televisión “Querer” y varios cortometrajes. Con “Los domingos” ganó la concha de oro en el festival de cine de San Sebastián y el premio Goya a la mejor dirección.

 

EL HUÉRFANO

 

“Se trata de reconciliarse con la parte más odiada de uno mismo porque no puedes deshacerte de ella”

Laszlo Nemes

 

Director: Laszlo Nemes

País: Hungría

Año: 2025

Reparto: Bojtorjan Barabas, Andrea Waskovics, Gregory Gadebois, Eliz Szabo, Marcin Czarnik

CONTEXTO

La película se sitúa en 1957 y para poder entender el momento en el cual se desarrolla es necesario precisar su contexto histórico.

Durante la segunda guerra mundial Hungría se unió a los aliados del eje, aquellos países europeos que acompañaron a la Alemania Nazi. Hungría y Alemania habían sido humillados en la primera guerra mundial perdiendo parte de sus territorios. A partir de 1938 ambas naciones se apoyaron con el propósito de recobrar lo que creían que era suyo (en el caso de Hungría zonas de Checoslovaquia, Rumania y Yugoeslavia). Consecuente con las políticas anti judías, el gobierno húngaro promulgó sus propias leyes por las cuales se excluía a los judíos de diversos aspectos de la vida económica y social. Desde 1938 y hasta 1944, 50.000 judíos fueron asesinados (primer holocausto). En 1944 y 1945 autoridades alemanas y húngaras trabajaron en conjunto y en un solo año asesinaron a unos 500.000 judíos de Hungría en lo que se llamó el segundo holocausto en ese país.

En 1945 las fuerzas húngaras y alemanas fueron derrotadas por la Unión Soviética y en 1947 se firma el tratado de paz. Hungría se convierte en parte del bloque del este, con un gobierno aliado del Soviético.

En octubre de 1956, hay una manifestación de descontento popular con el régimen de Stalin, liderada por estudiantes y trabajadores mediante la cual se exigen tanto elecciones libres como la salida de las tropas soviéticas. Esto se conoció como el “Otoño Húngaro”. En noviembre de ese año tanques soviéticos invaden Budapest causando la muerte de 2.000 ciudadanos húngaros y posteriores ejecuciones, encarcelamientos y éxodo de habitantes. Para enero de 1957 toda oposición fue reprimida.

Esta cinta se enmarca en el escenario donde la población de Hungría arrastra los traumas de la segunda guerra mundial con la muerte y persecución a los judíos, la posterior pérdida de la guerra junto con su aliado Alemania y la revolución fallida contra la unión soviética.

LA PELÍCULA

Al final de la segunda guerra mundial Andor, el joven protagonista, cuyo recorrido a través de la película nos permite entender las penurias de Hungría, es rescatado por parte de Klara, su madre, del orfanato a donde había sido llevado siendo un bebé. Ella, judía, estuvo recluída en un campo de concentración Nazi. El muchacho no la reconoce al haber sido separado de ella a una edad tan temprana.

La película hace una elipsis y nos lleva a 1957, 12 años después, cuando Andor ya es un adolescente, conviviendo con su madre y con las historias que ella le comparte sobre su padre, también judío, al que Andor nunca conoció, pero al que sueña encontrar para vivir con él.

Andor construye en su imaginación la figura de su padre y mantiene a solas conversaciones con él como si fuera un dios, contándole pormenores de su vida. Budapest está en crisis, no solo atravesó una guerra que la dejó devastada económicamente, sino que acaba de sufrir el aplastamiento inmisericorde de una revolución que pretendía liberar al país del régimen soviético. Los judíos no solo fueron despojados de sus bienes, incluso por otros ciudadanos húngaros que apoyaban las leyes antisemitas, sino que ahora son tratados con dureza y desconfianza por los militares y espías soviéticos que apagaron la revolución.

La ciudad también está físicamente destruída, las fuentes de empleo son limitadas y la mamá de Andor apenas sobrevive con su hijo como dependienta en una pequeña tienda. La situación se complica cuando de la nada aparece un hombre, rudo, tosco y ordinario que dice ser el padre de Andor y entonces su vida empeora. Lo que sigue es la investigación que el joven realiza sobre los antecedentes de este hombre y las conclusiones a las que llega y que se resiste a creer, pero que tienen que ver con el campo de concentración donde estuvo recluída su madre.

Paralelamente Andor y su mejor amiga son cómplices en el ocultamiento del hermano de ésta, quien ha participado en las revueltas de 1957 y es buscado por los organismos de represión rusos. Esta historia no tiene el final liberador que ambos habían esperado.

En las últimas escenas de la película, Andor confronta a quien dice ser su padre y al cual se niega a reconocer. En su mente había construído la imagen de una persona muy distinta, que los relatos de su madre habían llenado de expectativas elaborando una historia propia.

La película está inspirada en la vida del padre del director quien sufrió una situación similar durante la guerra. Los escenarios de filmación son muy convincentes al mostrar una Budapest en ruinas, tal como se puede apreciar en las fotografías de la época. Las actuaciones, principalmente la de Bojtorjan Barabas, quien interpreta a Andor, así como las de quienes tienen el rol de sus padres están a la altura de los personajes que interpretan.

Una película que ambienta con claridad los años de posguerra y la posterior revolución fallida en Hungría y que hace visible las secuelas de la guerra donde hasta los vencedores arrastran unos traumas de los que difícilmente pueden liberarse en toda su vida.

Esta cinta puede verse en la plataforma de MUBI.

Del director: Laszlo Nemes nació en Budapest, Hungría, en 1977. Estudió historia, relaciones internacionales y ciencias políticas en París a donde se trasladó con su madre en 1989. Su padre también es director de cine. A su regreso a Hungría trabajo como asistente del reconocido director Bela Tarr. En 2015 fue galardonado con el premio Oscar por “El hijo de Saúl”, en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Otra película suya es “Atardecer”, además de haber realizado numerosos cortos.

 

LA CHICA ZURDA

Directora: Shih-Ching Tsou

País: Taiwán

Año: 2025

Reparto: Janel Tsai, Shi-Yuan Ma, Nina Ye, Brando Huang, Akio Chen

 

Shih-Ching Tsou, de origen Taiwanés, hace su debut en solitario como directora en esta película, aunque ya había participado en otras producciones (Take-out, Tangerine, Proyecto Florida), al lado del gran director independiente estadounidense Sean Baker, quien la acompaña esta vez como coguionista, productor y editor de “La chica zurda”.

La idea original de este filme surgió por el recuerdo de Shih-Ching Tsou cuando siendo niña en su país de origen, su abuelo le decía que no podía usar la mano izquierda pues era considerada la mano del diablo.

La película fue filmada en Taipéi, la capital de Taiwán y rescata un símbolo de la ciudad como es el mercado nocturno, pero también hace referencia a muchas de las tradiciones y mitos de sus habitantes entre ellos la estigmatización por el uso de la mano izquierda.

El gran aporte de la cinta es su autenticidad al rescatar en el ambiente propio de la ciudad la simpleza de la vida cotidiana. La mayor parte de los sucesos transcurren en uno de los mercados nocturnos de Taipéi, epicentro de la gastronomía callejera taiwanesa, pero donde también se vende ropa, juguetes y se realizan juegos de feria. Este escenario típico no fue cerrado para la filmación, la cual tuvo que ser realizada en medio del público que allí asiste. Las grabaciones se hicieron con un IPhone y la cámara se colocó a la altura de la pequeña protagonista, una niña de 5 años, gran actriz revelación.

El guion se refiere a una madre y sus dos hijas quienes viajan a Taipéi en busca de trabajo y para ello abren un puesto en uno de los mercados nocturnos ofreciendo fideos como producto principal. She Fen, la madre, alquila un pequeño apartamento y espera con su trabajo dar sustento a su hija I-Ann de 20 años y a la pequeña I-Jing, de 5. A partir de la llegada al nuevo hogar la película cuenta en paralelo la forma como desarrollan su vida estos tres personajes.

La madre, poco después de su llegada es localizada por el hospital en donde fue internado gravemente enfermo su ex esposo quien la había abandonado hace 10 años. A este centro acude para enfrentar dicha situación. La hija mayor busca trabajo como vendedora de nueces de betel (semillas de la palmera de Areca que se mastican como estimulante y son muy apreciadas en el país), para lo cual tiene que desplegar encantos femeninos, simpatía y vestimenta ligera como se acostumbra en este negocio. La hija pequeña acompaña a su madre al mercado después de clases y empieza a obsesionarse con el hecho de ser zurda cuando su abuelo le repite que no puede usar esa mano porque es considerada como la del diablo.

She-Fen comienza a padecer las consecuencias de asumir los gastos de su exmarido, dificultades para pagar su arriendo y a enfrentar conflictos con I-Ann, la hija mayor, quien le reclama por este asunto. A ésta a su vez se le presentan problemas en el trabajo cuando se involucra en una relación con su jefe casado. La menor, I-Jing, inicia pequeños robos porque según ella, no puede dominar su mano zurda.

Esta situación de estrechez económica y de vicisitudes en los trabajos diarios, así como el esfuerzo por sobrevivir en el competitivo mercado generarán conflictos al interior de esta familia, que se incrementan cuando involucran a los padres de She Fen.

Las escenas en las calles de Taipéi, con la congestión del tráfico, especialmente de motos, así como las grabaciones del mercado con el ritmo acelerado de los diferentes puestos comerciales y con las correrías de la pequeña I Jing le dan un ritmo muy interesante a la cinta.

Aunque en la segunda parte la trama contiene muchos elementos adicionales que la complican de manera innecesaria, ya la directora ha mostrado aspectos suficientemente sólidos para rescatar la película. En esta última parte aparecen temas de inmigración ilegal, -aquellos ciudadanos chinos que a través de Taiwán quieren llegar a Estados Unidos-, y temas de machismo, en un país que privilegia a los hombres de la familia por encima de las mujeres.

El final es sorpresivo pues permite entender los resentimientos de la hija mayor con su madre y da un espacio a la reconciliación gracias a hechos que se habían mantenido ocultos pero que permiten sincerar la relación entre madre e hija.

Una película muy ilustrativa de un país a partir de las situaciones diarias de una familia común, con muy buenas actuaciones por parte de las tres mujeres protagonistas, con escenas a un rápido ritmo y una edición que permite apreciar varios temas en paralelo lo que cautiva la atención del espectador.

“La Chica Zurda” fue finalista en la categoría de mejor película Internacional en los premios Oscar, fue mejor película en el festival internacional de Roma 2025, entre otros. Actualmente está disponible en la plataforma Netflix.

De la directora: Shih-Ching Tson, nació en Taipéi en 1971. Es una productora, directora y actriz Taiwanesa-estadounidense. Estudió comunicación en The New School en donde conoció a Sean Baker con quien trabajo de cerca en varias películas. Con anterioridad había obtenido un título en la universidad católica de Fujen.

 

VALOR SENTIMENTAL

 

Director: Joaquim Trier

País: Noruega

Año: 2025

Reparto: Renata Reinsve, Stellan Skarsgard, Inga Ibsdotter, Elle Fanning, Anders Danielsen Lie

 

“El arte es esperanza…espero que las emociones se transmitan más allá de la lógica narrativa que se nos presenta ahora”.

Joaquim Trier, director, en entrevista en youtube.

Esta película se hizo acreedora a varios premios como el Oscar 2026 a mejor película Internacional, el gran premio del jurado en Cannes, premio del cine europeo. Sus actores fueron nominados o galardonados en varios festivales, reconocimientos todos muy merecidos.

La cinta desarrolla el sentimiento de abandono que acompaña a Nora, una de las protagonistas, cuando su padre, Gustav Borg, se divorcia dejándola a ella y a su hermana con su madre en Noruega para irse a vivir a Suecia. Nora y Agnes, su hermana menor, enfrentan este acontecimiento siendo adolescentes, con consecuencias muy diferentes para sus vidas. “Como pasó esto? Tu saliste bien y yo toda jodida”, le dice Nora a Agnes.

Nora es actriz dedicada al teatro y ocasionalmente participa en series para televisión. Vive sola y ha quedado marcada profundamente por la ausencia del padre. Agnes, es historiadora y ha organizado un hogar con su esposo e hijo. Después de varios años sin ver a su padre, éste aparece en la casa donde ambas vivieron y en la cual se celebra la recepción fúnebre por la muerte de la madre de ellas.

Vale la pena mencionar que esta casa, lugar de encuentros y desencuentros desde que vivieron allí los abuelos de Gustav, juega un papel esencial como un personaje más de la película. De hecho, al inicio hay una referencia a un ensayo que siendo niña hizo Nora sobre su casa como si fuera un ser viviente, consciente de todo lo que sucede en su interior.

Los hechos que tienen lugar a lo largo del filme sacan a flote sentimientos y recuerdos sucedidos en esa casa. En el caso de Nora, el malestar y el trauma que produjeron la separación y el posterior alejamiento de su padre. Para Gustav Borg, la necesidad de confrontar su pasado, habida cuenta que esa fue la casa donde vivieron sus padres y también sus abuelos, y de encontrar un camino de redención con sus hijas. Agnes por su parte pretende servir de puente entre padre e hija a pesar del dolor que enfrentó y que parece haber superado mejor que su hermana.

Gustav es un director de cine reconocido, pero han pasado 15 años sin realizar  película alguna y llega con un propósito definido. Trae un guión escrito por él, para realizar un proyecto cinematográfico con la intención de que su hija Nora sea la protagonista.

Nora trabaja en el teatro y maneja un permanente estado de ansiedad que manifiesta siempre que sale a escena, aunque una vez que lo vence es reconocida por su gran desempeño actoral. Cuando se reúne con su padre se niega a actuar en el filme que le propone, reclamándole además que nunca ha asistido a sus representaciones. Ante la respuesta de su hija, Gustav busca una actriz estadounidense que interprete el personaje. Agnes, sirve de mediadora entre Nora y su padre.

Estas situaciones permiten un desarrollo de la trama con varias caras al tiempo, como si se tratara de un cubo de Rubik. Por un lado, se nos presentan escenas de teatro con la actuación de Nora, haciendo guiños a obras famosas como “La gaviota” de Anton Chejov y a “Hamlet” de Shakespeare. Por otro, Gustav trabaja con Rachel (la protagonista escogida para su película) en la casa donde vivieron sus hijas ensayando los diálogos del guión a través de los cuales entendemos parcialmente su pasado y sus propios dramas. Por otra parte, Agnes investiga los antecedentes de su abuela, víctima de los Nazis en la segunda guerra mundial por hacer parte de la resistencia.

A partir de hechos que se van mostrando con cortes rápidos entre una escena y otra logra el espectador reconstruir la historia y acercarse al perfil de los personajes, manteniéndose siempre alerta pues solo al final tiene el cuadro que le permite comprender el presente. En ese sentido la película, aunque compleja, mantiene un ritmo que no decrece exigiendo una atención permanente.

Cuando Agnes recibe la solicitud de su padre para que su hijo actúe en la película, rechaza esta propuesta porque recuerda que ella hizo lo mismo, siendo niña, con el único interés de estar cerca de ese papa ausente, renunciando luego al mundo de la actuación. “No veo cómo puedes pasar de ser tan cercano y real a desaparecer”, le reclama. Cuando a pesar de su resistencia decide leer el guión entiende la profundidad de una historia que tiene que ver con la infancia de éste, pero también con los sentimientos de su hermana Nora y busca convencer a esta última para que protagonice la película.

Joaquim Trier, el talentoso director, tiene la capacidad de meter dentro de la misma cinta manifestaciones artísticas como el teatro y el mismo cine, donde muchas veces nos confundimos como espectadores al no distinguir entre la película que estamos viendo y aquella que se está filmando dentro de ella. Es el metacine, subgénero que se refiere a hacer cine consciente del cine, una contemplación del cine por el cine mismo.

La última escena tiene un excelente desarrollo al hacer visible esa confusión mencionada entre lo real y la ficción, pues en ella aparecen Nora y el hijo de Agnes, en un plano secuencia que termina con una vista en altura, en un final que permite visualizar ese acercamiento entre padre e hija solo posible a través del arte.

Las representaciones artísticas en esta película explican buena parte de su éxito. Stellan Skarsgard es un consumado actor sueco. Ha trabajado en varias películas de Lars Von Trier, ha ganado varios premios entre ellos globos de oro y ha sido nominado a los Oscar como actor de reparto. Renata Reinsve es una actriz noruega que gracias a su actuación en “La peor persona del mundo” se ganó el premio a la mejor actriz en el festival de Cannes y fue nominada en los premios Bafta y en los Oscar. Inga Ibsdotter es una actriz noruega, nominada a mejor actriz de reparto en los globos de oro y en los Oscar.

Esta película se puede ver en MUBI, Amazon Prime y Apple TV.

Del director: Joaquim Trier nació en Dinamarca en 1974. Otras películas suyas son “La peor persona del mundo” (nominada a los premios Oscar), “Oslo, 31 de agosto”, “Thelma”, “Reprise”.

 

HAMNET

Directora: Chloe Zhao

País: Reino Unido

Año: 2025

Reparto: Jessie Buckley, Paul Mescal, Jacobi Jupe, Joe Alwyn, Emily Watson, Noah Jupe.

 

“El dolor llena la habitación de mi hijo ausente

Se acuesta en su lecho, camina a mi lado de arriba abajo,

Se cubre con su hermoso rostro, repite sus palabras,

Me recuerda sus bellos rasgos,

Llena sus ropas vacías con la forma de su cuerpo”

“La vida y la muerte del rey Juan” William Shakespeare

 

Nota: Este blog contiene spoilers.

EL LIBRO

Maggie O’Farrell (nacida en 1972) es una novelista irlandesa, inicialmente periodista y editora, autora de novelas que le han hecho acreedora a varios premios y reconocimientos. Dos de sus novelas se refieren a personajes históricos: “Hamnet” (2020) y “Retrato de casada” (2022). La primera fue llevada al cine en 2025 con el mismo nombre por la directora Chloe Zhao, a la cual me referiré más adelante.

La escritora O’Farrell construye una versión ficcionada de la vida de William Shakespeare sobre quien no existen demasiados datos reales, así que hasta donde le es posible, aprovecha antecedentes existentes en documentos sobre su vida, pero gran parte del libro lo alimenta con su imaginación. En sus primeros años hasta su juventud, Shakespeare vivió con sus padres, trabajando desde muy temprano ayudando a su progenitor en la confección de guantes de cuero, oficio que esperaba tuviera continuidad con su hijo. Este, sin embargo, siempre cultivó el deseo de escribir, desarrollado de manera paralela con su posterior trabajo de maestro de latín. En la aldea donde vivió Shakespeare con su familia conoció a la que sería su esposa, Agnes, 7 años mayor que él, con quien se casó estando ella embarazada. Fueron 3 los hijos del matrimonio, Susana, la mayor y los gemelos Hamnet y Judith. Estando aún pequeños, Shakespeare se dirigió a Londres donde se estableció a vivir solo, dedicándose a la escritura y a la realización de obras para teatro.

El libro dedica buena parte de la historia a Agnes y a sus hijos, especialmente porque la muerte de uno de los gemelos ocurre en ausencia de su padre y es la madre junto con su suegra quien debe enfrentar el drama. El dolor por la muerte del hijo lo canaliza el escritor escribiendo el drama de “Hamlet”, nombre que para la época es indistinto con el de “Hamnet”, y constituye su homenaje.

La escritura de este libro es intimista, la narración no es cronológica. Va y viene en diferentes tiempos y momentos y es claro que da más espacio a la descripción de la esposa que al mismo Shakespeare.

LA PELÍCULA

Chloe Zhao toma como base el libro de O’Farrell (colaborando esta última en la escritura del guión) y se da libertades para que la película no sea exactamente igual. El desarrollo de la trama es cronológico, inicia con el trabajo de Shakespeare al lado del padre, su posterior matrimonio a causa del embarazo de Agnes, la vida del campo que por pocos años alcanzó a disfrutar la pareja y se concentra luego en la enfermedad de uno de sus gemelos y su posterior muerte a causa de la peste. La cinta hay que verla y entenderla en el contexto del libro de O’Farrell más que en el drama “Hamlet” escrito posteriormente por Shakespeare.

La primera parte de la cinta transcurre en el campo, donde la familia Shakespeare vive en medio de la naturaleza, y las escenas enfocan planos abiertos con hermosa fotografía. Aunque el libro es bastante amplio en describir el origen de Agnes, los conocimientos heredados de su madre sobre las plantas medicinales y sus posibilidades curativas, la muerte prematura de su progenitora siendo Agnes muy niña y luego la mala relación que tuvo con su madrastra, la película pasa relativamente de largo frente a estos hechos. Se enfoca más bien en la vida doméstica del matrimonio, en el interés de Shakespeare de buscar en Londres una oportunidad para sus escritos impulsado por su misma esposa y en los eventos que surgen cuando la peste bubónica llega a Inglaterra a fines del siglo XVI.

La segunda parte de la película se centra en la enfermedad de los gemelos de la pareja como consecuencia de la peste, la cual ataca inicialmente a Judith, pero es su hermano quien padece las mayores consecuencias y finalmente fallece. Estas escenas transcurren en espacios cerrados, lúgubres, que permiten participar del dolor de Agnes por la muerte del pequeño y el reclamo a su esposo cuando llega a la aldea, por no haber estado en esos terribles días acompañándolos.

Meses después de la muerte de su hijo, Agnes se desplaza a Londres donde vive su esposo, escribiendo y dirigiendo para una compañía de teatro y del cual se ha mantenido alejada dada la distancia que los separa. Sabe muy poco sobre sus condiciones de vida, ni siquiera del precario lugar donde él residía. Asiste de incógnita al estreno de su obra de teatro “Hamlet”, donde hay una gran concurrencia del público porque Shakespeare ha empezado a tener reconocimiento. La puesta en escena del drama le permite entender a Agnes lo que ha significado para su esposo la ausencia del hijo.

La última escena de la película se desarrolla en el Globe Theatre, reproducido en la película de manera muy realista, con la interpretación del drama de “Hamlet” escrito por Shakespeare donde además él asume un papel. Agnes comprende que el fantasma que aparece en la obra, representando al padre de Hamlet que ha sido asesinado, es una evocación del ser amado que se ha ido y ya no volverá.

La obra no tiene que ver directamente con el hijo de Shakespeare, pero sus diálogos hacen unas profundas reflexiones sobre la vida y la muerte, pues como sabemos, la muerte del padre de Hamlet está en el corazón del drama y su fantasma aparece para reclamar venganza al haber sido asesinado. Esta situación es la que permite los pensamientos, meditaciones y dudas de Hamlet y desde su inicio hasta nuestros días ha suscitado la admiración de la obra. La representación del drama de Hamlet y la comprensión de Agnes del dolor de su esposo es la escena final de la cinta.

Jesse Buckley es quien interpreta a Agnes en una actuación excelente que la hizo ganadora a la mejor actriz en los recientes premios Oscar. Paul Mescal interpreta a Shakespeare, en un rol que no desentona, pero no tan notable como el de su compañera. Volvemos a ver a Emily Watson interpretando a la madre de Shakespeare, en un papel marginal pero siempre con una valiosa caracterización.

“Hamnet” es una película sensible, sutil frente al dolor, muy próxima al mensaje que transmite el libro, aunque no narra con tanta amplitud todos los hechos, con una banda sonora que permanece en segundo plano pero que deja apreciar el ambiente de la época y los personajes.

De la directora: Chloe Zhao nacida en Beijing en 1982, es además de directora, productora y guionista. Se educó en Reino Unido y también en Estados Unidos donde se encuentra actualmente radicada. Su película “Nomadland” se hizo acreedora al Oscar a la mejor película y el Oscar a la mejor dirección en 2020 siendo la segunda mujer que lo logró en la historia de estos premios. Otras películas suyas: “Canciones que me enseñaron mis hermanos”, “The Rider”, “Eternals”, (cómic de Marvel).

 

“UNA BATALLA TRAS OTRA” Y “PECADORES”

Estas dos cintas están ampliamente nominadas en varias categorías de los premios Oscar 2026. “Una batalla tras otra” aunque es una película de acción tiene un mensaje político muy actual. “Pecadores”, de un género inclasificable, contiene igualmente un mensaje contra otra forma de discriminación como es el racismo, combinado con otras propuestas audaces.

UNA BATALLA TRAS OTRA

 

Director: Paul Thomas Anderson

País: Estados Unidos

Año: 2025

Reparto: Leonardo DiCaprio, Teyana Taylor, Sean Penn, Benicio del Toro, Chase Infiniti, Regina Hall

Se trata de una película de acción que involucra críticas a la política anti inmigración del presidente Trump, así como referencias al afán de quienes quieren ascender en la escala social aceptando y promoviendo decisiones del gobierno actual de los Estados Unidos a costa de arrasar a otros. Temas estos de gran impacto en el presente.

En la primera parte de la cinta se muestran los centros de reclusión donde están encerrados extranjeros que huyeron de sus países de origen, no tienen sus papeles en orden y para los cuales se busca su liberación por parte de un grupo clandestino que se ha constituído con ese propósito. Se trata de la French 75, y de ella hacen parte Perfidia y Bob, quienes mantienen una relación de pareja y sobre los cuales se concentra la persecución de las autoridades. El acoso sobre Perfidia se vuelve obsesivo para un coronel del ejército, Lock Jaw, al sentirse al mismo tiempo humillado y atraído por ella.

En la convivencia de Bob y Perfidia esta última parece no haber encontrado su lugar, pues a pesar de haber tenido una hija no se adapta a tener una familia común y prefiere abandonarla y continuar la lucha que la compromete.

Muchos años después la película hace una elipsis y nos traslada a un lugar en el campo donde vive Bob con su hija adolescente Willa, a quien crió ante el abandono y la desaparición de su madre. Esa hija, sin embargo, no puede sustraerse a las consecuencias de los actos del pasado de sus progenitores y es secuestrada por sus perseguidores.

La trama de esta segunda parte se centra en el acoso de las autoridades sobre Bob y en su propósito por rescatar a su hija recurriendo a sus antiguos compañeros de luchas subversivas. Se suceden una serie de escenas de acción, muy bien realizadas, donde aparecen las personas y refugios clandestinos para inmigrantes que le permiten escapar a Bob. Paralelamente se han constituído grupos Xenófobos y racistas, enfocados en perseguir a los que consideran indeseados, promoviendo políticas que garanticen la supremacía de la raza blanca y de sus intereses económicos.

El filme tiene la virtud de combinar el ritmo trepidante de las acciones de persecución, con una crítica a la política antiinmigración y de menosprecio a quienes considera de categoría inferior. Una clara referencia a la política actual de la administración de los EEUU. Sin caer en la militancia política, la película hace que la denuncia paralela con una acción muy bien representada tenga más apertura y aceptación.

Excelente actuación de Leonardo DiCaprio quien desempeña un rol de rebelde en su juventud y luego de padre dedicado, aunque vicioso, siendo creíble en ambos papeles. Teyana Taylor sobresale por su papel duro y desenfadado caracterizando a quien ha sido agredida y busca venganza. Benicio del Toro por su parte representa al ciudadano que busca ayudar a extranjeros contra los abusos de las autoridades. Sean Penn consigue generar temor y repudio con su caracterización.

Una película entretenida, bien realizada, con buenas actuaciones y con toques políticos que seguramente tendrá gran acogida. Está basada en la novela “Vineland” de Thomas Pynchon de 1990 sobre los movimientos radicales en los años 60’s, aunque el director Paul Thomas Anderson ha dicho que su interés era captar el espíritu del libro sin hacer una adaptación literal. Se rodó en escenarios de California y Texas y la banda sonora es de Jenny Greenwood, guitarrista de Radiohead.

Esta película se puede ver en HBO Max y en Amazon Prime.

Del director: Paul Thomas Anderson es un exitoso director, guionista y productor de cine nacido en 1970 en Studio City, California. Ha dirigido 10 largometrajes y ha sido nominado a 8 premios Oscar. Dentro de sus películas más conocidas están: “Boogie nights”, “Magnolia”, “The master”, “El hilo invisible”, “Licorece Pizza”, donde han actuado conocidas estrellas del cine como Daniel Day -Lewis, Tom Cruise, Joaquin Phoenix, Juliane Moore, Amy Adams.

PECADORES

Director: Ryan Coogler

País: Estados Unidos

Año: 2025

Reparto: Michael B Jordan, Hailee Steinfeld, Wunmi Mosaku, Miles Caton, Delroy Lindo

Ambientada en los años 30 en el sur de los Estados Unidos, la película brinda un panorama de esta época de segregación en contra de los negros, cuando los espacios para ellos estaban demarcados y diferenciados del de los hombres blancos. Era el tiempo del Ku Klux Klan, movimiento aceptado y promovido por algunos habitantes e ignorado por las autoridades, el cual persiguió y asesinó a muchos ciudadanos negros.

La trama de la cinta se desarrolla a partir del inicio de un negocio por parte de dos hermanos gemelos negros, quienes estuvieron trabajando en Chicago como empleados de la mafia durante los años de su auge y vuelven a su lugar de origen en Misisipi. Sus vecinos y amigos trabajan en las plantaciones de algodón como recolectores, en un medio que ofrece muy pocas perspectivas para aspiraciones diferentes. Elijah “Smoke” y Elias “Stack”, en cambio, huyeron de su tierra buscando posibilidades y las encontraron en los negocios ilegales y buscan ahora asentarse en el lugar donde crecieron, pero en mejores condiciones. (Cabe mencionar que estos dos papeles los representa el mismo actor, Michael B Jordan).

El montaje de un bar solo para negros es la decisión de inversión de los hermanos con la ayuda de antiguos conocidos, buscando brindar un espacio de buena música y donde su comunidad pueda actuar y gozar con libertad. Como la música juega un importante papel, reclutan con ese propósito a su primo guitarrista y a un conocido pianista quien trabaja en el hotel del pueblo, para recrear el nuevo lugar. El guitarrista es hijo del pastor de la iglesia del lugar, el pianista es un gran intérprete del blues.

En la inauguración del bar, situado en una antigua bodega de un hombre blanco, tiene lugar la fiesta a la que acuden miembros de la comunidad negra. Estas escenas de fiesta, música y baile constituyen lo más interesante de la película ya que se interpretan muy buenas canciones de blues y diferentes bailes de épocas distintas, incluyendo la moderna, con una libertad que el director se da para resaltar la importancia de los ritmos.

Lo que viene después resulta un poco desconcertante. Quizás porque el guión sobre un tema tan ampliamente tratado como el racismo logra avanzar hasta su clímax en el momento de la fiesta; sin embargo, cuando hacen su aparición extraños seres, hay una ruptura que aporta muy poco y hace perder no solo el ritmo sino la temática del filme. Muchos verán en las escenas finales una metáfora para interpretar, un recurso del cual se está abusando en la medida en que el deseo de hacer propuestas disruptivas y distintas no siempre resulta auténtico o convincente.

Por lo anterior es sorprendente que esta película se haya hecho merecedora al mayor número de nominaciones en toda la historia de los premios Oscar, más aún cuando la comparamos con películas estrenadas en el mismo año 2025 como “Frankenstein”, “Valor sentimental” o “Hamlet”, más completas desde el punto de vista cinematográfico.

Esta película se puede ver en HBO Max y en Amazon Prime.

Del director: Ryan Coogler es un director y guionista estadounidense. Nació en Oakland, California en 1986. Es graduado de la universidad del Sur de California y conocido por hacer películas sobre la identidad afroamericana y que han resultado éxitos de taquilla como “Creed” y “Black Panther”.

 

NOUVELLE VAGUE

Director: Richard Linklater

País: Francia

Año: 2025

Reparto: Zoey Deutch, Aubry Dullin, Guillaume Marbeck

 

“Me gusta la idea de hacer películas sobre absolutamente nada. Me gusta lo irrelevante, lo tangencial, la excursión secundaria a ninguna parte que de repente se convierte en reveladora. De eso tratan todas mis películas”.

 Jean Luc Godard

CONTEXTO

La película “Nouvelle Vague” (Nueva ola francesa), está dedicada al movimiento conocido con ese nombre que a principios de los años 60 dió un giro a la cinematografía en Francia con repercusiones en Europa y reconocimiento a nivel global. El amor por el cine de un grupo de amigos los impulsó a fundar junto con su mentor André Bazin “Cahiers du Cinema” (cuadernos de cine), revista dedicada a la crítica de películas. De ese grupo hicieron parte Francoise Truffaut, Claude Chabrol, Eric Rohmer, Jacques Rivette, Alan Resnais, Agnes Varda, Louis Malle.

En los años 50 en plena época de postguerra, Europa sufría el trauma de las muertes, la destrucción y las dificultades económicas. Lo anterior marcó la visión de estos jóvenes franceses, acompañado de hechos adicionales que rondaban el entorno: el cine de los Estados Unidos tenía un momento de gloria con directores haciendo propuestas que suscitaban la admiración de este grupo hacia Orson Wells, Alfred Hitchcock, John Ford, entre otros. Las propuestas del cine de grandes estudios que se hacían en Europa antes de la guerra empezaban a sentirse decadentes. En Italia el neorrealismo italiano estaba produciendo nuevas apuestas, reflejando con su cinematografía la cruda y triste realidad de la postguerra.

En esa coyuntura y con la pasión que habían alimentado gracias al estudio de películas a través de la crítica en sus escritos, este grupo de cinéfilos franceses se animó a hacer sus primeras películas. La inicial de esta nueva propuesta fue “Los 400 golpes” de Francoise Truffaut en 1959, seguida de “Al final de la escapada” (conocida también como “Sin aliento”) de Jean Luc Godard en 1960.

Este es el momento al cual hace referencia la película “Nouvelle Vague” de 2025, que según el director Linklater pretende ser un homenaje a Godard a quien admira y así mismo es un deseo manifiesto para que el cine se mantenga libre e independiente. El filme se concentra en el rodaje de “Al final de la escapada”, resaltando aquellos elementos que hicieron esta cinta disruptiva frente a lo que hasta entonces se había hecho.

DE LA PELÍCULA “AL FINAL DE LA ESCAPADA” DE GODARD, 1960

En realidad, la trama es muy simple: Michel, un ladrón de poca monta se dirige de Marsella a París en un auto robado y en el camino tiene un incidente con un policía. Al llegar a París se encuentra con Patricia su amiga estadounidense con quien pretende escapar, pero en el entretanto huye de un sitio a otro de quienes lo buscan para aprehenderlo. La construcción de ese relato que hizo Godard con elementos totalmente nuevos es lo que busca resaltar “Nouvelle Vague” (1).

DE LA PELÍCULA “NOUVELLE VAGUE”, 2025

En esta película que es un detrás de cámaras de “Al final de la escapada” sus protagonistas representan a Jean Paul Belmondo y a Jean Seberg, los actores de 1960, con un gran parecido físico, haciendo parte de un casting muy destacable que los hace reconocibles no solo a ellos sino a los varios directores del momento que hicieron parte del movimiento en Francia y que allí aparecen. Se muestra que el rodaje de Godard se hizo en plena calle en contraposición a las películas de estudio. Así mismo que no hubo guión predeterminado y que este se iba construyendo en el camino por parte del director para desconcierto de la protagonista, enseñada a saber de antemano la trama y ceñirse a ella. Adicionalmente la filmación se hizo con cámara de 16 milímetros lo que facilitaba la movilidad y en la edición de la película, Godard hizo cortes dentro de una misma escena (jump cut) lo que rompía la continuidad del relato.

Además del proceso de filmación se pueden apreciar otros espacios en la relación de Godard con los demás miembros del grupo francés, especialmente con Truffaut y el éxito que este último tuvo en Cannes con la película que se considera inaugural de la nueva ola como fue “Los 400 golpes”. Se resalta la admiración de Godard por el director italiano Roberto Rosellini, así como las dificultades que enfrentó con el productor de su película ante el temor de este último por la acogida que iba a tener dentro del público.

El cine de la nueva ola francesa, como nos lo resalta la cinta “Nouvelle Vague” rompió con la estructura del cine clásico al permitir rodar en lugares reales (no construídos para las películas), permitir la improvisación de los actores, filmar con equipos portátiles, utilizar música asincrónica (no coherente con las escenas), introducir personajes desencantados con la vida, dar a la mujer un papel protagónico y no adyacente en los filmes, recurrir a la citas tanto con los personajes como con otras cintas y darle importancia a los cotidiano. Lo más importante, dar al director el papel de artista creador, en un cine más allá del espectáculo.

“Nouvelle Vague” nos ilustra sobre todos estos aspectos para entender la revolución que significó el cine propuesto por estos jóvenes franceses que se atrevieron a innovar y a quebrantar las reglas del momento y la manera como nace con ellos el cine de autor donde prevalece el punto de vista del director.

Del director: Richard Linklater es un guionista y director estadounidense, nacido en Texas en 1960. Otras de sus películas son: “Slacker”, “Escuela de rock”, “Boyhood”, la serie de tres películas: “Antes del amanecer”, “Antes del atardecer”, “Antes del anochecer”.

1: Es recomendable ver previamente la película de Godard para entender la que aquí se reseña.