PATRICIO GUZMÁN (1941-2026)

 

“El documental es una fuente de creación artística.

Representa la conciencia crítica de una sociedad.

Representa el análisis histórico, ecológico, científico

artístico y político de una sociedad.

Un país que no tiene cine documental

es como una familia sin álbum de fotografías”

Patricio Guzmán

El pasado 15 de septiembre murió en París a los 85 años Patricio Guzmán. Un documentalista que retrató con toque auténtico y personal los temas de su país, Chile, en especial durante los años del gobierno de Salvador Allende, de su muerte y el posterior golpe de estado. Así mismo con gran acierto abordó el asunto de los desaparecidos durante la dictadura de Augusto Pinochet. Siempre, en toda su producción, estuvo presente su país, por quien sentía un gran apego y devoción.

Guzmán nació en Santiago de Chile en 1941. Allí inició estudios de historia y filosofía, pero no los concluyó. Emigró a España donde estudio cinematografía. A su regreso a Chile apoyó la candidatura de Allende a la presidencia pues siempre fue un militante de izquierda. Se encargó de filmar lo que significó el triunfo de este líder para los chilenos, así como también los errores en los cuales incurrió el gobierno, la presión de Estados Unidos y las reacciones de la derecha. Así mismo el idealismo de una población que esperaba con el ascenso de Allende a la primera magistratura tener una voz y acceso a mejores condiciones de vida, el posterior golpe de estado y el gobierno de la dictadura.

Poco después del golpe, Guzmán fue detenido en el estadio nacional y estuvo preso 15 días. Logró salir del país y se dirigió a Cuba, donde vivió 6 años. Desde 1980 residió en España y en Francia y en este último falleció. Su relación con Chile continuó mediante sus vínculos con la Universidad de Chile donde impartió seminarios de cine documental y con la fundación del festival internacional de cine de este género.

Patricio Guzmán fue un gran preservador de la memoria de Chile a través de sus películas. Su primer documental “El primer año” se refiere a los primeros 12 meses del gobierno de Allende. Posteriormente hizo la trilogía denominada “La batalla de Chile”, la cual abarca el último año del presidente hasta el 11 de septiembre de 1973, cuando es asesinado y derrocado mediante golpe de estado. Realizó otros documentales en la década del 80 y del 90 como “En nombre de Dios”, “La cruz del sur”, “Pueblo en vilo”, “La memoria obstinada”, “El caso Pinochet”. En la década del 2000 obtuvo importantes premios internacionales gracias a filmes como “Nostalgia de la luz”, “el botón de nácar”, “La cordillera de los sueños”, los cuales hacen parte de un tríptico que compara las últimas décadas del siglo XX con hechos sobresalientes de la historia de su país.

A continuación, reseño algunas de las películas más destacadas de la filmografía de Patricio Guzmán.

LA BATALLA DE CHILE

Se realizó entre 1972 y 1973. Se enfoca en el partido de la unidad popular, coalición de partidos de izquierda que llegó al poder en 1970 de la mano de Salvador Allende. A través de testimonios, fotografías, documentos de archivo y entrevistas, da cuenta del sentimiento del momento, las expectativas que se crearon y las posteriores frustraciones. En Chile, al igual que en otros países de Latinoamérica, confluyen las desigualdades, una clase dirigente que solo piensa en sus propios intereses y unos partidos que ofrecen cambios frente a realidades que de antemano saben difíciles de alterar. Estos aspectos son los revelados en el documental.

Apreciadas hoy, las tres películas tienen un claro enfoque militante, pero sin duda constituyen un testimonio del momento que no logró borrar ninguna dictadura. Fue una labor titánica concluir este trabajo. El director no tenía rollos de película para grabar pues había bloqueo a las importaciones y el material se traía desde el exterior. Chris Marker, el gran documentalista francés, le hizo llegar a Guzmán las cintas para desarrollar su trabajo, las cuales fueron sacadas de manera clandestina del país. Finalmente, en la edición de las tres películas se invirtieron varios años. El director de fotografía de “La batalla de chile” a quien dedica esta serie, Jorge Muller Silva, fue torturado y desaparecido.

NOSTALGIA DE LA LUZ (2010)

Fue filmada en el desierto de Atacama en Chile, situado a 3000 metros de altura constituyendo uno de los mejores observatorios astronómicos del mundo. La cinta hace una relación entre los astrónomos que investigan vida extraterrestre y las mujeres que buscan en este desierto restos de sus seres queridos desaparecidos durante la dictadura de Pinochet, los cuales fueron llevados a Chacabuco, una cárcel localizada allí, en lo que antes era una mina. Es de resaltar que la salinidad y sequedad del suelo en este lugar preserva los restos humanos, momificando los cadáveres. Como lo manifiesta la familiar de una de las víctimas “ojalá los telescopios no pudieran mirar solo al cielo sino a la tierra para poderlos encontrar”.

El propio director expresa: “con 'Nostalgia de la luz' me he abierto más a la metáfora, la poesía, los símbolos y las alegorías que en otras películas”.

Esta película ganó el premio al mejor documental europeo en el 2010.

EL BOTÓN DE NÁCAR (2015)

Aquí el director conecta el exterminio de los pueblos indígenas de la Patagonia Chilena con los desaparecidos durante la dictadura de Pinochet, muchos de los cuales fueron arrojados al océano pacífico. El relato se desarrolla mediante una voz en off y preciosas imágenes del mar y de las costas chilenas.

El título hace alusión a dos hechos. El primero, es el recuento de una historia del siglo XIX cuando el indígena bautizado como Jemmy Button fue capturado por los colonizadores en la Patagonia a cambio de un botón de nácar con el objetivo de ser “civilizado” en Inglaterra. Durante este período una comunidad que convivía y estaba conectada con el mar, fue barrida de su territorio a través de las misiones católicas y los cazadores de indígenas. Las primeras los confinaron y acabaron con su cultura y los otros obtenían recompensas por sus cabezas. El segundo hecho narrado en el filme, hace alusión al botón de nácar adherido a un riel, entre muchos de los recuperados del mar, con los cuales amarraban a los prisioneros que arrojaban desde los aviones para que pudieran hundirse y se perdieran sus huellas.

Lo que conecta ambas historias es la aniquilación del otro. Como lo expresa Patricio Guzmán "con 'El botón de nácar' aprendí una sola cosa: la intolerancia. Matar al otro porque piensa distinto”.

Esta película se hizo acreedora al Oso de plata al mejor guión en el festival de cine de Berlín en el 2015.

El trabajo de Patricio Guzmán hace evidente la necesidad de rescatar la memoria para entender la historia. La construcción de sus documentales con apego a hechos reales al recurrir a imágenes de archivo, testimonios, fotografías de la época permite que la verdad difícilmente pueda controvertirse, pero además deja espacio para la reflexión. Sus últimas películas tienen adicionalmente un recuento bastante poético expresado mediante una voz en off y poderosas imágenes artísticas que lo acompañan. En ellas el director es capaz de contar el horror sin recurrir a él.

Los documentales de Patricio Guzmán quedarán como testimonio de la historia de Chile a quien tanto quiso: “Quería que el público reflexionara sobre la importancia del pasado en nuestras vidas, tanto del pasado histórico como del personal, y sobre lo efímero que es el presente”.

Estas películas pueden verse en la plataforma de MUBI (las tres que hacen parte de “La batalla de Chile”) y en Netflix (“Nostalgia de la luz”, “El botón de nácar”, “La cordillera de los sueños”).

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SONG SONG BLUE Y BLUE MOON

 

Estas dos películas hacen homenaje a la música cada una a su manera: “Song Song blue” de forma más ligera a través del dúo que interpreta las canciones de Neil Diamond, “Blue Moon” reconociendo el trabajo de Lorenz Hart quien compuso junto con Richard Rodgers numerosas canciones para obras de teatro.

 

SONG SONG BLUE (Canción para dos)

“Se que no soy una estrella ni un compositor, solo quiero entretener a la gente y ganarme la vida”.

 Mike Sordina

Director: Craig Brewer

País: Estados Unidos

Año: 2025

Reparto: Hugh Jackman, Kate Hudson, Ella Anderson, Jim Belushi, King Princess

En una película sin grandes pretensiones, pero con muy buenas interpretaciones por parte de la pareja protagonista se evocan las canciones de Neil Diamond -a quien rinden tributo- reconocido guitarrista, compositor y cantante de gran relevancia en los años 60’s, 70’s y 80’s. Al tiempo se narran las dificultades personales por las cuales atravesaron los miembros de este dueto.

Mike Sordina era un mecánico, tuvo participación en la guerra de Vietnam y posteriormente cayó en el alcoholismo. Después de su recuperación gracias en parte a alcohólicos anónimos se dedicó a cantar en bares y en pequeñas ferias. Claire Stingl era una peluquera, madre soltera, quien también cantaba en ferias las canciones de Patsy Cline (intérprete de música country fallecida a los 30 años). Ambos, Mike y Claire, personas comunes del medio oeste americano, originarias de Milwaukee, coinciden en una de las tantas ferias estatales en las que participan e inician no solo una relación sentimental, sino que también deciden empezar a cantar juntos los temas de Neil Diamond.

Conformado el dueto al que denominan como “Rayo y trueno” son conocidos en algunos estados y reciben un impulso cuando el grupo Pearl Jam (uno de las bandas más importantes del movimiento grunge, subgénero del rock alternativo) los invita a una presentación e interpretan una canción con Eddie Vedder, uno de sus integrantes.

Ese impulso sin embargo se ve frustrado cuando Claire es atropellada por un carro en el jardín de su casa con consecuencias funestas para ella tanto físicamente, pues perdió una pierna, como sobre su salud mental lo que incidió para caer en una profunda depresión. El apoyo y sostenimiento de Mike le permitieron a ella  recuperarse y consigue que vuelvan a cantar juntos.

Esta historia basada en la vida real de Mike y Claire, fue objeto de un documental realizado en 2008 por Greg Kohs. La película de ficción que recrea esta historia resulta estimulante por su ligereza gracias a las buenas interpretaciones musicales de temas bien conocidos (especialmente para la generación de los baby boomers). En ella se reviven canciones como “Sweet Caroline” (seleccionada por la biblioteca del congreso de Estados Unidos para su preservación en el registro nacional de grabaciones), “Cherry cherry”, “Soolaimon”, “Holly holly”. Piezas que además han sido utilizadas en el cine en películas como “Pulp fiction”, “Erase una vez en Hollywood”, “Shrek”. Así que esta película nos brinda una oportunidad para la nostalgia y es una ocasión de conocer esta música para quienes no disfrutaron de ella.

Al margen de las historias de Mike y Claire están las de los hijos de cada uno. Ellos imprimen un drama adicional a sus vidas, pero no agregan mucho a la película pues lo mejor de ella está en la historia de la pareja y en sus temas musicales.

Una cinta realmente auténtica, amable por la música y las historias humanas, soportada en dos excelentes actores. Hugh Jackman tiene un espacio ganado como intérprete musical no solo en el cine sino en el teatro y Kate Hudson dramatiza muy acertadamente las tragedias de su personaje. Ella fue nominada a los Oscar y a los globos de oro por este papel.

El buen ritmo con el cual se combinan las secuencias musicales con las historias personales permite disfrutar de los 130 minutos de proyección.

Esta película se puede ver en Filmin y Movistar Plus.

Del director: Craig Brewer es un guionista y director nacido en 1971 en Virginia, Estados Unidos. Otras películas suyas son: “Ritmo de un sueño”, ganadora del festival de Sundance en 2005, “El lamento de la serpiente negra”, “Mi nombre es Dolemite”, “Footloose”, “La leyenda de Tarzán”. También ha dirigido varias series para televisión.

 

BLUE MOON

“…es lo que la gente quiere oír, pero ¿quién quiere arte inofensivo?”

 Lorenz Hart

 

Director: Richard Linklater

País: Estados Unidos

Año: 2025

Reparto: Ethan Hawke, Andrew Scott, Margot Qualley, Bobby Cannavale, Patrick Kennedy

 

En los años 20’s y 30’s del siglo pasado la pareja compuesta por Lorenz Hart y Richard Rodgers compuso más de 28 musicales y 500 canciones de gran éxito, triunfando en Broadway a donde llevaron sus producciones. Lorenz era el autor de la letra y Rodgers de la música.

La película “Blue Moon” es el título de una de esas canciones. Transcurre en una noche, el 31 de marzo de 1943, dentro de un solo lugar, el bar “Sardi” frecuentado por actores y público participantes de los espectáculos de Broadway. La escenificación corresponde a la de una obra de cámara (por su formato reducido con un elenco y un espacio pequeños). Está acompañada con muchos diálogos centrados en el recuento que hace Lorenz sobre su historia de éxitos al lado de Rodgers, del cual posteriormente se separó.

En el inicio de la película hay un guiño a “Casablanca”, cinta de la que son fanáticos Lorenz y Eddie, el barman de Sardi, quienes son contertulios gracias a la afición del primero por el alcohol. La noche en que todo transcurre, se va a celebrar una cena después de la premier del musical “Oklahoma” obra a cargo de Rodgers, pero trabajada con un nuevo socio, Oscar Hammerstein, quien escribió el texto.

El hecho del cual es testigo Lorenz que consiste en la celebración del éxito de “Oklahoma” obra de la que ya no es partícipe, así como el encuentro que tendrá en esa misma noche con una joven estudiante de Yale a quien ha tomado como su pupila, son las dos fuentes de inspiración para sus reflexiones a lo largo de la proyección.

Cuando Rodgers se aparece en el bar para el festejo, sostiene un diálogo con Lorenz en el cual salen a relucir los motivos de la separación del equipo que ambos formaban, relacionadas con el alcoholismo del primero y que llevaron a que descuidara su trabajo. Lorenz por su parte le reclama a Rodgers sobre el tipo de obras que está realizando, orientándose en lo que la gente quiere oír y le reclama que no se trata de consentir al público sino de ponerlo a pensar. Esta discusión saca a relucir el propósito de los musicales y las circunstancias del momento que atraviesan con la segunda guerra mundial de por medio y sus padecimientos, principalmente en Europa.

Muy poco después de ese encuentro murió Lorenz a los 48 años a consecuencia de una caída cuando salía ebrio de un bar y permaneció unas horas a la intemperie por lo que contrajo una neumonía de la cual nunca se recuperó.

Las actuaciones de E. Hawke y Andrew Scott quienes personifican a estos brillantes escritor y músico respectivamente, constituyen las escenas más logradas de la película. Retratan no solo el ocaso de Lorenz y su nostalgia por una época y un momento en el que ya no tiene vigencia. Por contraste la persistencia de Rodgers, quien mantuvo la disciplina en su trabajo y supo adaptarse a las nuevas circunstancias, lo llevaron a continuar triunfando con sus musicales.

En cuanto a los diálogos de Lorenz con Elizabeth su pupila, con la cual esta deslumbrado, al parecer revive a través de ella el goce sentimental que ya también le es ajeno. Ella representa la juventud, vitalidad y la aventura de un tiempo añorado, pero que ya pasó. Una idealización del amor en quien era abiertamente homosexual, pero que como el mismo Lorenz lo expresó “Diles que estoy ebrio de belleza”.

En el mismo bar surge un encuentro con E.B. White (escritor y ensayista estadounidense, autor de varios libros infantiles), con quien intercambia palabras y a quien Lorenz le da ideas que al parecer le sirvieron de inspiración para “Stuart Little”, una de sus obras.

Una cinta para deleitarse con los diálogos, que transcurre de manera muy pausada, dejando ver la decadencia de quien un día tuvo los reconocimientos del éxito, pero que sabe que sus días de gloria quedaron atrás.

Esta película se puede ver en HBO, Amazon Prime, Claro

Del director: Richard Linklater nació en Estados Unidos en 1960. Dirigió la trilogía “Antes del amanecer”, “Antes del atardecer”, “Antes de la medianoche” e igualmente, las películas “Boyhood” y “Nueva ola”.

 

LOS DOMINGOS

 

Directora: Alauda Ruiz de Azúa

País: España

Año: 2025

Reparto: Blanca Soria, Patricia López Arnaiz, Nagore Aranburu, Juan Minujin, Miguel Garcés

 

 

“Cada uno se mueve por una verdad, otra cosa es qué es verdad”

 

Alauda Ruiz de Azúa

 

A partir de la decisión de una joven que acaba de terminar sus estudios de bachillerato y sobre la cual su familia tiene sembradas expectativas de su ingreso a la universidad con el propósito de que estudie una carrera y forje un futuro, se construye una historia muy bien contada en la medida en que la resolución que ella toma va a contracorriente de la opinión de los otros.

Ainara, la joven protagonista, es una muchacha alegre, que tiene las mismas inquietudes, miedos y preocupaciones de cualquiera de sus contemporáneas respecto a lo que quiere y espera de su vida. Comparte con las compañeras de colegio y los amigos paseos y diversiones propios de su edad. Hace parte de un coro donde encuentra a otro joven el cual despierta el deseo y el interés por los primeros acercamientos sexuales.

Ainara perdió a su madre siendo muy niña y vive con su abuela, quien la ha criado, y con su padre, bastante ausente debido al tiempo que dedica a su trabajo, a una segunda pareja y a sus otras dos hijas. La comunicación de Ainara es cercana con su abuela y con su tía Maite, quien de alguna manera asumió el rol de madre. Ambas, abuela y tía, tienen un pensamiento liberal respecto al rol de la mujer en el mundo actual.

En el colegio, regentado por monjas cristianas, Ainara empieza a manifestar curiosidad por la forma de vida centrada en el encierro, el rezo y la meditación que ellas llevan. Después de un retiro religioso con sus compañeras durante un fin de semana se da cuenta que los espacios de silencio, de oración y de conversación personal que ella mantiene con Cristo son afines con su personalidad y con su gusto. Este impulso de Ainara es apoyado tanto por la madre superiora como por el cura del colegio quienes la invitan a una convivencia en el convento para que comparta y aprecie la vida en comunidad. Ambos le reiteran que Dios está haciéndole un llamado y le sugieren que lo escuche.

Cuando ella manifiesta a su familia el interés por esta experiencia con las religiosas se topa con reacciones tan diversas que acaban generando grandes conflictos a su interior. Su padre, Iñaki, un hombre profundamente conservador, no ve mayores problemas y aunque en principio se sorprende, apoya que ella pueda conocer de cerca la clausura y la forma de vida que le va a significar el futuro que ella vislumbra. Su tía Maite en cambio ve con frustración que una mujer inteligente, que puede tener un futuro profesional destacado se encierre a orar sin disfrutar su vida. Su abuela incluso se resiste a que una mujer que puede abrir otras oportunidades se recluya en un mundo contemplativo.

Respetando finalmente la voluntad de Ainara y, algunos esperando que una semana en el convento le ayude a cambiar de opinión, ella acude a permanecer brevemente allí como una novicia más. Estando en ese lugar su tía le comunica la muerte de la abuela. Cuando Ainara asiste a la misa de despedida, en medio del dolor que le produce la partida de su abuela, tiene un momento de éxtasis donde ruega a Cristo que la ayude a tomar una decisión. Finalmente, opta por acoger la vida religiosa.

La sorpresa para la tía Maite, una mujer independiente y poco creyente, es mayúscula y se niega a aceptar esta decisión de su sobrina. Iñaki la asume, pero es cuestionado por Maite por su debilidad y por no haber luchado contra esta decisión que compromete la vida de su hija. Este hecho es apenas un desencadenante de las situaciones que surgen posteriormente. Una de ellas es la pelea entre Iñaki y su hermana Maite por la herencia y la pérdida de la casa familiar como consecuencia de los negocios de Iñaki quien había hipotecado los bienes de su madre. Igualmente salen a flote las tensiones al interior de la relación de Maite con su esposo ya que ésta venía deteriorándose de tiempo atrás.

Hay varios aspectos que resultan muy bien tratados en la cinta. Uno de ellos es la posición de los miembros de la familia respecto a la decisión de Ainara de irse para el convento. Cada uno, incluyendo a la propia joven, parece tener argumentos para defender su postura. La película no toma partido, más bien sirve de conducto para formular muchas preguntas sin que se den respuestas. El otro aspecto relevante es que la película permite reflexionar acerca de cómo un hecho se convierte en detonante de una situación, y acelera una serie de crisis que ya venían cocinándose, pero que no se habían hecho visibles.

Esos dos aspectos son presentados gradualmente en el filme a través de los diálogos (aspecto que constituye lo más relevante de la película), para que sea el espectador el que tenga su propia mirada sin ser inducido a conclusiones.

Las mejores actuaciones están en cabeza de las mujeres. Blanca Soria, quien interpreta a Ainara es una mujer muy joven que se luce en este primer papel, fue nominada al premio Goya a la mejor actriz revelación. Tanto Patricia López Arnaiz, en el papel de la tía Maite como Nagore Aranburu como la madre superiora tienen una amplia experiencia en teatro, el cine y la televisión. Aranburu se hizo acreedora al premio Goya a mejor actriz de reparto por esta película.

En la música que acompaña el filme se destacan las bellas adaptaciones corales de “Into my arms” de Nick Cave and the Bad seeds y “Ave Verum” -una pieza sacra de Mozart-. El repertorio musical de la cinta se puede escuchar en Spotify.

Esta película se puede ver en Movistar Plus.

De la directora: Alauda Ruiz de Azúa nació en Baracaldo, España, en 1978. Estudió Filología inglesa, Comunicación audiovisual y Dirección de cine. Trabajó varios años en el sector de la publicidad. Otras de sus películas son: “Cinco lobitos” con la cual ganó el premio Goya a la mejor dirección novel, la miniserie para televisión “Querer” y varios cortometrajes. Con “Los domingos” ganó la concha de oro en el festival de cine de San Sebastián y el premio Goya a la mejor dirección.

 

EL HUÉRFANO

 

“Se trata de reconciliarse con la parte más odiada de uno mismo porque no puedes deshacerte de ella”

Laszlo Nemes

 

Director: Laszlo Nemes

País: Hungría

Año: 2025

Reparto: Bojtorjan Barabas, Andrea Waskovics, Gregory Gadebois, Eliz Szabo, Marcin Czarnik

CONTEXTO

La película se sitúa en 1957 y para poder entender el momento en el cual se desarrolla es necesario precisar su contexto histórico.

Durante la segunda guerra mundial Hungría se unió a los aliados del eje, aquellos países europeos que acompañaron a la Alemania Nazi. Hungría y Alemania habían sido humillados en la primera guerra mundial perdiendo parte de sus territorios. A partir de 1938 ambas naciones se apoyaron con el propósito de recobrar lo que creían que era suyo (en el caso de Hungría zonas de Checoslovaquia, Rumania y Yugoeslavia). Consecuente con las políticas anti judías, el gobierno húngaro promulgó sus propias leyes por las cuales se excluía a los judíos de diversos aspectos de la vida económica y social. Desde 1938 y hasta 1944, 50.000 judíos fueron asesinados (primer holocausto). En 1944 y 1945 autoridades alemanas y húngaras trabajaron en conjunto y en un solo año asesinaron a unos 500.000 judíos de Hungría en lo que se llamó el segundo holocausto en ese país.

En 1945 las fuerzas húngaras y alemanas fueron derrotadas por la Unión Soviética y en 1947 se firma el tratado de paz. Hungría se convierte en parte del bloque del este, con un gobierno aliado del Soviético.

En octubre de 1956, hay una manifestación de descontento popular con el régimen de Stalin, liderada por estudiantes y trabajadores mediante la cual se exigen tanto elecciones libres como la salida de las tropas soviéticas. Esto se conoció como el “Otoño Húngaro”. En noviembre de ese año tanques soviéticos invaden Budapest causando la muerte de 2.000 ciudadanos húngaros y posteriores ejecuciones, encarcelamientos y éxodo de habitantes. Para enero de 1957 toda oposición fue reprimida.

Esta cinta se enmarca en el escenario donde la población de Hungría arrastra los traumas de la segunda guerra mundial con la muerte y persecución a los judíos, la posterior pérdida de la guerra junto con su aliado Alemania y la revolución fallida contra la unión soviética.

LA PELÍCULA

Al final de la segunda guerra mundial Andor, el joven protagonista, cuyo recorrido a través de la película nos permite entender las penurias de Hungría, es rescatado por parte de Klara, su madre, del orfanato a donde había sido llevado siendo un bebé. Ella, judía, estuvo recluída en un campo de concentración Nazi. El muchacho no la reconoce al haber sido separado de ella a una edad tan temprana.

La película hace una elipsis y nos lleva a 1957, 12 años después, cuando Andor ya es un adolescente, conviviendo con su madre y con las historias que ella le comparte sobre su padre, también judío, al que Andor nunca conoció, pero al que sueña encontrar para vivir con él.

Andor construye en su imaginación la figura de su padre y mantiene a solas conversaciones con él como si fuera un dios, contándole pormenores de su vida. Budapest está en crisis, no solo atravesó una guerra que la dejó devastada económicamente, sino que acaba de sufrir el aplastamiento inmisericorde de una revolución que pretendía liberar al país del régimen soviético. Los judíos no solo fueron despojados de sus bienes, incluso por otros ciudadanos húngaros que apoyaban las leyes antisemitas, sino que ahora son tratados con dureza y desconfianza por los militares y espías soviéticos que apagaron la revolución.

La ciudad también está físicamente destruída, las fuentes de empleo son limitadas y la mamá de Andor apenas sobrevive con su hijo como dependienta en una pequeña tienda. La situación se complica cuando de la nada aparece un hombre, rudo, tosco y ordinario que dice ser el padre de Andor y entonces su vida empeora. Lo que sigue es la investigación que el joven realiza sobre los antecedentes de este hombre y las conclusiones a las que llega y que se resiste a creer, pero que tienen que ver con el campo de concentración donde estuvo recluída su madre.

Paralelamente Andor y su mejor amiga son cómplices en el ocultamiento del hermano de ésta, quien ha participado en las revueltas de 1957 y es buscado por los organismos de represión rusos. Esta historia no tiene el final liberador que ambos habían esperado.

En las últimas escenas de la película, Andor confronta a quien dice ser su padre y al cual se niega a reconocer. En su mente había construído la imagen de una persona muy distinta, que los relatos de su madre habían llenado de expectativas elaborando una historia propia.

La película está inspirada en la vida del padre del director quien sufrió una situación similar durante la guerra. Los escenarios de filmación son muy convincentes al mostrar una Budapest en ruinas, tal como se puede apreciar en las fotografías de la época. Las actuaciones, principalmente la de Bojtorjan Barabas, quien interpreta a Andor, así como las de quienes tienen el rol de sus padres están a la altura de los personajes que interpretan.

Una película que ambienta con claridad los años de posguerra y la posterior revolución fallida en Hungría y que hace visible las secuelas de la guerra donde hasta los vencedores arrastran unos traumas de los que difícilmente pueden liberarse en toda su vida.

Esta cinta puede verse en la plataforma de MUBI.

Del director: Laszlo Nemes nació en Budapest, Hungría, en 1977. Estudió historia, relaciones internacionales y ciencias políticas en París a donde se trasladó con su madre en 1989. Su padre también es director de cine. A su regreso a Hungría trabajo como asistente del reconocido director Bela Tarr. En 2015 fue galardonado con el premio Oscar por “El hijo de Saúl”, en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Otra película suya es “Atardecer”, además de haber realizado numerosos cortos.

 

LA CHICA ZURDA

Directora: Shih-Ching Tsou

País: Taiwán

Año: 2025

Reparto: Janel Tsai, Shi-Yuan Ma, Nina Ye, Brando Huang, Akio Chen

 

Shih-Ching Tsou, de origen Taiwanés, hace su debut en solitario como directora en esta película, aunque ya había participado en otras producciones (Take-out, Tangerine, Proyecto Florida), al lado del gran director independiente estadounidense Sean Baker, quien la acompaña esta vez como coguionista, productor y editor de “La chica zurda”.

La idea original de este filme surgió por el recuerdo de Shih-Ching Tsou cuando siendo niña en su país de origen, su abuelo le decía que no podía usar la mano izquierda pues era considerada la mano del diablo.

La película fue filmada en Taipéi, la capital de Taiwán y rescata un símbolo de la ciudad como es el mercado nocturno, pero también hace referencia a muchas de las tradiciones y mitos de sus habitantes entre ellos la estigmatización por el uso de la mano izquierda.

El gran aporte de la cinta es su autenticidad al rescatar en el ambiente propio de la ciudad la simpleza de la vida cotidiana. La mayor parte de los sucesos transcurren en uno de los mercados nocturnos de Taipéi, epicentro de la gastronomía callejera taiwanesa, pero donde también se vende ropa, juguetes y se realizan juegos de feria. Este escenario típico no fue cerrado para la filmación, la cual tuvo que ser realizada en medio del público que allí asiste. Las grabaciones se hicieron con un IPhone y la cámara se colocó a la altura de la pequeña protagonista, una niña de 5 años, gran actriz revelación.

El guion se refiere a una madre y sus dos hijas quienes viajan a Taipéi en busca de trabajo y para ello abren un puesto en uno de los mercados nocturnos ofreciendo fideos como producto principal. She Fen, la madre, alquila un pequeño apartamento y espera con su trabajo dar sustento a su hija I-Ann de 20 años y a la pequeña I-Jing, de 5. A partir de la llegada al nuevo hogar la película cuenta en paralelo la forma como desarrollan su vida estos tres personajes.

La madre, poco después de su llegada es localizada por el hospital en donde fue internado gravemente enfermo su ex esposo quien la había abandonado hace 10 años. A este centro acude para enfrentar dicha situación. La hija mayor busca trabajo como vendedora de nueces de betel (semillas de la palmera de Areca que se mastican como estimulante y son muy apreciadas en el país), para lo cual tiene que desplegar encantos femeninos, simpatía y vestimenta ligera como se acostumbra en este negocio. La hija pequeña acompaña a su madre al mercado después de clases y empieza a obsesionarse con el hecho de ser zurda cuando su abuelo le repite que no puede usar esa mano porque es considerada como la del diablo.

She-Fen comienza a padecer las consecuencias de asumir los gastos de su exmarido, dificultades para pagar su arriendo y a enfrentar conflictos con I-Ann, la hija mayor, quien le reclama por este asunto. A ésta a su vez se le presentan problemas en el trabajo cuando se involucra en una relación con su jefe casado. La menor, I-Jing, inicia pequeños robos porque según ella, no puede dominar su mano zurda.

Esta situación de estrechez económica y de vicisitudes en los trabajos diarios, así como el esfuerzo por sobrevivir en el competitivo mercado generarán conflictos al interior de esta familia, que se incrementan cuando involucran a los padres de She Fen.

Las escenas en las calles de Taipéi, con la congestión del tráfico, especialmente de motos, así como las grabaciones del mercado con el ritmo acelerado de los diferentes puestos comerciales y con las correrías de la pequeña I Jing le dan un ritmo muy interesante a la cinta.

Aunque en la segunda parte la trama contiene muchos elementos adicionales que la complican de manera innecesaria, ya la directora ha mostrado aspectos suficientemente sólidos para rescatar la película. En esta última parte aparecen temas de inmigración ilegal, -aquellos ciudadanos chinos que a través de Taiwán quieren llegar a Estados Unidos-, y temas de machismo, en un país que privilegia a los hombres de la familia por encima de las mujeres.

El final es sorpresivo pues permite entender los resentimientos de la hija mayor con su madre y da un espacio a la reconciliación gracias a hechos que se habían mantenido ocultos pero que permiten sincerar la relación entre madre e hija.

Una película muy ilustrativa de un país a partir de las situaciones diarias de una familia común, con muy buenas actuaciones por parte de las tres mujeres protagonistas, con escenas a un rápido ritmo y una edición que permite apreciar varios temas en paralelo lo que cautiva la atención del espectador.

“La Chica Zurda” fue finalista en la categoría de mejor película Internacional en los premios Oscar, fue mejor película en el festival internacional de Roma 2025, entre otros. Actualmente está disponible en la plataforma Netflix.

De la directora: Shih-Ching Tson, nació en Taipéi en 1971. Es una productora, directora y actriz Taiwanesa-estadounidense. Estudió comunicación en The New School en donde conoció a Sean Baker con quien trabajo de cerca en varias películas. Con anterioridad había obtenido un título en la universidad católica de Fujen.

 

VALOR SENTIMENTAL

 

Director: Joaquim Trier

País: Noruega

Año: 2025

Reparto: Renata Reinsve, Stellan Skarsgard, Inga Ibsdotter, Elle Fanning, Anders Danielsen Lie

 

“El arte es esperanza…espero que las emociones se transmitan más allá de la lógica narrativa que se nos presenta ahora”.

Joaquim Trier, director, en entrevista en youtube.

Esta película se hizo acreedora a varios premios como el Oscar 2026 a mejor película Internacional, el gran premio del jurado en Cannes, premio del cine europeo. Sus actores fueron nominados o galardonados en varios festivales, reconocimientos todos muy merecidos.

La cinta desarrolla el sentimiento de abandono que acompaña a Nora, una de las protagonistas, cuando su padre, Gustav Borg, se divorcia dejándola a ella y a su hermana con su madre en Noruega para irse a vivir a Suecia. Nora y Agnes, su hermana menor, enfrentan este acontecimiento siendo adolescentes, con consecuencias muy diferentes para sus vidas. “Como pasó esto? Tu saliste bien y yo toda jodida”, le dice Nora a Agnes.

Nora es actriz dedicada al teatro y ocasionalmente participa en series para televisión. Vive sola y ha quedado marcada profundamente por la ausencia del padre. Agnes, es historiadora y ha organizado un hogar con su esposo e hijo. Después de varios años sin ver a su padre, éste aparece en la casa donde ambas vivieron y en la cual se celebra la recepción fúnebre por la muerte de la madre de ellas.

Vale la pena mencionar que esta casa, lugar de encuentros y desencuentros desde que vivieron allí los abuelos de Gustav, juega un papel esencial como un personaje más de la película. De hecho, al inicio hay una referencia a un ensayo que siendo niña hizo Nora sobre su casa como si fuera un ser viviente, consciente de todo lo que sucede en su interior.

Los hechos que tienen lugar a lo largo del filme sacan a flote sentimientos y recuerdos sucedidos en esa casa. En el caso de Nora, el malestar y el trauma que produjeron la separación y el posterior alejamiento de su padre. Para Gustav Borg, la necesidad de confrontar su pasado, habida cuenta que esa fue la casa donde vivieron sus padres y también sus abuelos, y de encontrar un camino de redención con sus hijas. Agnes por su parte pretende servir de puente entre padre e hija a pesar del dolor que enfrentó y que parece haber superado mejor que su hermana.

Gustav es un director de cine reconocido, pero han pasado 15 años sin realizar  película alguna y llega con un propósito definido. Trae un guión escrito por él, para realizar un proyecto cinematográfico con la intención de que su hija Nora sea la protagonista.

Nora trabaja en el teatro y maneja un permanente estado de ansiedad que manifiesta siempre que sale a escena, aunque una vez que lo vence es reconocida por su gran desempeño actoral. Cuando se reúne con su padre se niega a actuar en el filme que le propone, reclamándole además que nunca ha asistido a sus representaciones. Ante la respuesta de su hija, Gustav busca una actriz estadounidense que interprete el personaje. Agnes, sirve de mediadora entre Nora y su padre.

Estas situaciones permiten un desarrollo de la trama con varias caras al tiempo, como si se tratara de un cubo de Rubik. Por un lado, se nos presentan escenas de teatro con la actuación de Nora, haciendo guiños a obras famosas como “La gaviota” de Anton Chejov y a “Hamlet” de Shakespeare. Por otro, Gustav trabaja con Rachel (la protagonista escogida para su película) en la casa donde vivieron sus hijas ensayando los diálogos del guión a través de los cuales entendemos parcialmente su pasado y sus propios dramas. Por otra parte, Agnes investiga los antecedentes de su abuela, víctima de los Nazis en la segunda guerra mundial por hacer parte de la resistencia.

A partir de hechos que se van mostrando con cortes rápidos entre una escena y otra logra el espectador reconstruir la historia y acercarse al perfil de los personajes, manteniéndose siempre alerta pues solo al final tiene el cuadro que le permite comprender el presente. En ese sentido la película, aunque compleja, mantiene un ritmo que no decrece exigiendo una atención permanente.

Cuando Agnes recibe la solicitud de su padre para que su hijo actúe en la película, rechaza esta propuesta porque recuerda que ella hizo lo mismo, siendo niña, con el único interés de estar cerca de ese papa ausente, renunciando luego al mundo de la actuación. “No veo cómo puedes pasar de ser tan cercano y real a desaparecer”, le reclama. Cuando a pesar de su resistencia decide leer el guión entiende la profundidad de una historia que tiene que ver con la infancia de éste, pero también con los sentimientos de su hermana Nora y busca convencer a esta última para que protagonice la película.

Joaquim Trier, el talentoso director, tiene la capacidad de meter dentro de la misma cinta manifestaciones artísticas como el teatro y el mismo cine, donde muchas veces nos confundimos como espectadores al no distinguir entre la película que estamos viendo y aquella que se está filmando dentro de ella. Es el metacine, subgénero que se refiere a hacer cine consciente del cine, una contemplación del cine por el cine mismo.

La última escena tiene un excelente desarrollo al hacer visible esa confusión mencionada entre lo real y la ficción, pues en ella aparecen Nora y el hijo de Agnes, en un plano secuencia que termina con una vista en altura, en un final que permite visualizar ese acercamiento entre padre e hija solo posible a través del arte.

Las representaciones artísticas en esta película explican buena parte de su éxito. Stellan Skarsgard es un consumado actor sueco. Ha trabajado en varias películas de Lars Von Trier, ha ganado varios premios entre ellos globos de oro y ha sido nominado a los Oscar como actor de reparto. Renata Reinsve es una actriz noruega que gracias a su actuación en “La peor persona del mundo” se ganó el premio a la mejor actriz en el festival de Cannes y fue nominada en los premios Bafta y en los Oscar. Inga Ibsdotter es una actriz noruega, nominada a mejor actriz de reparto en los globos de oro y en los Oscar.

Esta película se puede ver en MUBI, Amazon Prime y Apple TV.

Del director: Joaquim Trier nació en Dinamarca en 1974. Otras películas suyas son “La peor persona del mundo” (nominada a los premios Oscar), “Oslo, 31 de agosto”, “Thelma”, “Reprise”.

 

HAMNET

Directora: Chloe Zhao

País: Reino Unido

Año: 2025

Reparto: Jessie Buckley, Paul Mescal, Jacobi Jupe, Joe Alwyn, Emily Watson, Noah Jupe.

 

“El dolor llena la habitación de mi hijo ausente

Se acuesta en su lecho, camina a mi lado de arriba abajo,

Se cubre con su hermoso rostro, repite sus palabras,

Me recuerda sus bellos rasgos,

Llena sus ropas vacías con la forma de su cuerpo”

“La vida y la muerte del rey Juan” William Shakespeare

 

Nota: Este blog contiene spoilers.

EL LIBRO

Maggie O’Farrell (nacida en 1972) es una novelista irlandesa, inicialmente periodista y editora, autora de novelas que le han hecho acreedora a varios premios y reconocimientos. Dos de sus novelas se refieren a personajes históricos: “Hamnet” (2020) y “Retrato de casada” (2022). La primera fue llevada al cine en 2025 con el mismo nombre por la directora Chloe Zhao, a la cual me referiré más adelante.

La escritora O’Farrell construye una versión ficcionada de la vida de William Shakespeare sobre quien no existen demasiados datos reales, así que hasta donde le es posible, aprovecha antecedentes existentes en documentos sobre su vida, pero gran parte del libro lo alimenta con su imaginación. En sus primeros años hasta su juventud, Shakespeare vivió con sus padres, trabajando desde muy temprano ayudando a su progenitor en la confección de guantes de cuero, oficio que esperaba tuviera continuidad con su hijo. Este, sin embargo, siempre cultivó el deseo de escribir, desarrollado de manera paralela con su posterior trabajo de maestro de latín. En la aldea donde vivió Shakespeare con su familia conoció a la que sería su esposa, Agnes, 7 años mayor que él, con quien se casó estando ella embarazada. Fueron 3 los hijos del matrimonio, Susana, la mayor y los gemelos Hamnet y Judith. Estando aún pequeños, Shakespeare se dirigió a Londres donde se estableció a vivir solo, dedicándose a la escritura y a la realización de obras para teatro.

El libro dedica buena parte de la historia a Agnes y a sus hijos, especialmente porque la muerte de uno de los gemelos ocurre en ausencia de su padre y es la madre junto con su suegra quien debe enfrentar el drama. El dolor por la muerte del hijo lo canaliza el escritor escribiendo el drama de “Hamlet”, nombre que para la época es indistinto con el de “Hamnet”, y constituye su homenaje.

La escritura de este libro es intimista, la narración no es cronológica. Va y viene en diferentes tiempos y momentos y es claro que da más espacio a la descripción de la esposa que al mismo Shakespeare.

LA PELÍCULA

Chloe Zhao toma como base el libro de O’Farrell (colaborando esta última en la escritura del guión) y se da libertades para que la película no sea exactamente igual. El desarrollo de la trama es cronológico, inicia con el trabajo de Shakespeare al lado del padre, su posterior matrimonio a causa del embarazo de Agnes, la vida del campo que por pocos años alcanzó a disfrutar la pareja y se concentra luego en la enfermedad de uno de sus gemelos y su posterior muerte a causa de la peste. La cinta hay que verla y entenderla en el contexto del libro de O’Farrell más que en el drama “Hamlet” escrito posteriormente por Shakespeare.

La primera parte de la cinta transcurre en el campo, donde la familia Shakespeare vive en medio de la naturaleza, y las escenas enfocan planos abiertos con hermosa fotografía. Aunque el libro es bastante amplio en describir el origen de Agnes, los conocimientos heredados de su madre sobre las plantas medicinales y sus posibilidades curativas, la muerte prematura de su progenitora siendo Agnes muy niña y luego la mala relación que tuvo con su madrastra, la película pasa relativamente de largo frente a estos hechos. Se enfoca más bien en la vida doméstica del matrimonio, en el interés de Shakespeare de buscar en Londres una oportunidad para sus escritos impulsado por su misma esposa y en los eventos que surgen cuando la peste bubónica llega a Inglaterra a fines del siglo XVI.

La segunda parte de la película se centra en la enfermedad de los gemelos de la pareja como consecuencia de la peste, la cual ataca inicialmente a Judith, pero es su hermano quien padece las mayores consecuencias y finalmente fallece. Estas escenas transcurren en espacios cerrados, lúgubres, que permiten participar del dolor de Agnes por la muerte del pequeño y el reclamo a su esposo cuando llega a la aldea, por no haber estado en esos terribles días acompañándolos.

Meses después de la muerte de su hijo, Agnes se desplaza a Londres donde vive su esposo, escribiendo y dirigiendo para una compañía de teatro y del cual se ha mantenido alejada dada la distancia que los separa. Sabe muy poco sobre sus condiciones de vida, ni siquiera del precario lugar donde él residía. Asiste de incógnita al estreno de su obra de teatro “Hamlet”, donde hay una gran concurrencia del público porque Shakespeare ha empezado a tener reconocimiento. La puesta en escena del drama le permite entender a Agnes lo que ha significado para su esposo la ausencia del hijo.

La última escena de la película se desarrolla en el Globe Theatre, reproducido en la película de manera muy realista, con la interpretación del drama de “Hamlet” escrito por Shakespeare donde además él asume un papel. Agnes comprende que el fantasma que aparece en la obra, representando al padre de Hamlet que ha sido asesinado, es una evocación del ser amado que se ha ido y ya no volverá.

La obra no tiene que ver directamente con el hijo de Shakespeare, pero sus diálogos hacen unas profundas reflexiones sobre la vida y la muerte, pues como sabemos, la muerte del padre de Hamlet está en el corazón del drama y su fantasma aparece para reclamar venganza al haber sido asesinado. Esta situación es la que permite los pensamientos, meditaciones y dudas de Hamlet y desde su inicio hasta nuestros días ha suscitado la admiración de la obra. La representación del drama de Hamlet y la comprensión de Agnes del dolor de su esposo es la escena final de la cinta.

Jesse Buckley es quien interpreta a Agnes en una actuación excelente que la hizo ganadora a la mejor actriz en los recientes premios Oscar. Paul Mescal interpreta a Shakespeare, en un rol que no desentona, pero no tan notable como el de su compañera. Volvemos a ver a Emily Watson interpretando a la madre de Shakespeare, en un papel marginal pero siempre con una valiosa caracterización.

“Hamnet” es una película sensible, sutil frente al dolor, muy próxima al mensaje que transmite el libro, aunque no narra con tanta amplitud todos los hechos, con una banda sonora que permanece en segundo plano pero que deja apreciar el ambiente de la época y los personajes.

De la directora: Chloe Zhao nacida en Beijing en 1982, es además de directora, productora y guionista. Se educó en Reino Unido y también en Estados Unidos donde se encuentra actualmente radicada. Su película “Nomadland” se hizo acreedora al Oscar a la mejor película y el Oscar a la mejor dirección en 2020 siendo la segunda mujer que lo logró en la historia de estos premios. Otras películas suyas: “Canciones que me enseñaron mis hermanos”, “The Rider”, “Eternals”, (cómic de Marvel).