jueves, 15 de mayo de 2025

TRES DOCUMENTALES DE GRAN INTERÉS

 

DE ROCKSTAR A ASESINO. EL CASO CANTAT

Miniserie de 3 capítulos de Netflix

En 2003 Marie Trintignant murió a consecuencia de los múltiples golpes sufridos después de una golpiza por parte de su pareja Bertrand Cantat. Este hecho conmocionó a Francia pues él era una popular estrella de Rock, voz principal del grupo Noir Desir en auge en ese momento y ella una reconocida actriz, hija del famoso actor Jean Louis Trintignant y de la directora de cine Nadine Marquand.

Ambos, Bertrand y Marie, se encontraban en Lituania donde la madre de ella filmaba una película que Marie protagonizaba. Después de una discusión originada por un mensaje de texto que recibió Marie de su ex-esposo y que produjo celos a Bertrand, la pareja se dirigió al hotel y tal como él mismo confesó en sus primeras declaraciones, le dio golpes a Marie después de los cuales ella nunca despertó. Aunque fue trasladada a París nada pudo hacerse y allí murió 6 días más tarde.

Posteriormente se conoció que Bertrand sólo hizo una llamada a un hermano de Marie 6 o 7 horas después de que ella hubiera caído inconsciente. No hubo duda de que él fue el causante de su muerte. El documental se enfoca entonces en el juicio llevado a cabo contra Bertrand. La defensa que contrató este último se centró en la persona de Marie, donde expuso las dificultades de sus relaciones amorosas, los hijos que tuvo con varias parejas, cuestionó su moral relajada, el hecho de que Bertrand había cortado toda comunicación con su primera esposa y al parecer Marie no. En conclusión, los argumentos de defensa se basaron en exponer a Marie como causa del crimen que lo enfocaron como pasional.

El propósito de Bertrand y su abogado se cumplió pues dada la calificación que se le dio al asesinato, el culpable fue condenado a solo 8 años de prisión de los cuales sólo pagó 4. Lo que sigue en la vida de Bertrand a su salida de la cárcel es muy interesante y no haré spoiler sobre esta última parte del documental donde se refleja no solo el comportamiento de un misógino sin redención como Cantat, sino también la benevolencia de la sociedad ante un hecho delictivo cuando está de por medio un personaje popular. Los medios, los fans del grupo musical y el público en general fueron indulgentes con el victimario y pronto se olvidaron de la víctima.

 

LA ESTAFA DE LOS 50 MIL MILLONES

Miniserie de 4 capítulos de Max.

En enero de 2008, en los inicios de la crisis global de los mercados financieros, el presidente del Grupo Financiero Société Genérale, segundo más grande de Francia, comunicaba a los medios de comunicación que este banco había tenido pérdidas finales de 4.900 millones de Euros como consecuencia de un fraudeE en solitario de uno de sus funcionarios: Jerome Kerviel.

Aunque esas fueron las declaraciones de la cabeza del grupo, el documental busca entender las causas de semejante descalabro, en el contexto de las debilidades de control develadas durante la crisis financiera de esos años y de la ambición de las entidades financieras que, mientras registraran millonarias ganancias estaban dispuestas a mirar para otro lado sobre la manera de obtenerlas.

Kerviel, originario de un pequeño pueblo de Bretaña, de madre peluquera y padre herrero y quien terminó sus estudios en las universidades de Nantes y de Lyon, ingresó a la Société Genérale en un cargo administrativo medio. Gracias a su dedicación y a sus habilidades informáticas pudo ascender como trader. Las ganancias que pudo obtener para el Banco en unas primeras operaciones y que permitieron además enormes bonificaciones para sus jefes, generaron confianza en el mismo Kerviel, quien fue incrementando de manera arriesgada los montos de las transacciones.

En efecto, cuando empezó la crisis de las hipotecas subprime, Kerviel había invertido 50.0000 millones de euros en cartera, cubriendo esas posiciones con una cartera ficticia para generar una cuenta de negociación neutra, confiando en que la situación financiera mejoraría lo cual no sucedió.

Cuando el Banco detectó la operación empezó a vender activos de forma controlada, pero acelerada durante 3 días. Sin embargo, dada la coyuntura de caída en los índices bursátiles del mercado, el balance final al cierre fue negativo en 4.900 millones de euros.

Kerviel no pudo ser acusado de fraude sino de abuso de confianza y de abuso informático por lo cual fue condenado en 2010 a 5 años de cárcel y a devolver 4.900 millones de euros. En 2014 el tribunal ratifica la sentencia. Posteriormente la pena se redujo a 3 años y la indemnización a pagar se disminuyó a 1 millón de euros.

Habida cuenta que no se le pudo comprobar a Kerviel interés de enriquecimiento personal y además había una hostilidad pública abierta hacia las instituciones financieras, su caso generó simpatía entre la mayoría de la población francesa. Como lo manifestó en sus declaraciones “Mis posiciones generaban ganancias así que … legitimaba lo que estaba haciendo”, “Ante todo mi objetivo era ganar dinero para el banco”.

Aunque se pudo verificar que los jefes de Kerviel no hicieron seguimiento a las alarmas, la Société Genérale recibió apoyo del gobierno francés para evitar una crisis sistémica. Fue muy cuestionado el hecho de que un solo individuo pudiera manejar tal monto de operaciones y que todo se hubiera hecho sin que, aparentemente, nadie en el banco se hubiera percatado de ello. Kerviel siempre sostuvo que su manejo era conocido por sus superiores.

 

NO OTHER LAND

Directores: Basel Adra, Yuval Abraham, Hamdan Ballal, Rachel Szor

País: Palestina

Año: 2024

Basel Adra, uno de los directores de este documental, recorrió con su cámara durante 5 años los territorios de las aldeas de Masafer Yatta en Cisjordania donde habita con su familia, dejando testimonio de los atropellos cometidos por el ejército israelí. Esta zona fue declarada por el tribunal supremo de Israel como zona de entrenamiento de su ejército lo que le ha permitido expulsar a los residentes Palestinos en una acción paulatina pero continua, destruyendo sus casas, cortando los servicios de agua y electricidad y acabando con las escuelas de los niños.

Este drama es compartido por Yuval, el amigo israelí de Basel, quien a pesar de pertenecer al país agresor es consciente de los abusos cometidos y se ha unido en su papel de periodista en la labor de difundir esta situación.

La cinta muestra la dura realidad de esta lucha diaria en la que muchos terminan por rendirse ante la impotencia frente a un poder y una fuerza muy superior. Vale la pena resaltar las tomas en vivo que logra realizar Basel sobre los desalojos y que ponen en riesgo su vida. Las imágenes sobre la destrucción de una escuela con una retro excavadora, con niños evacuando por las ventanas o el lanzamiento de piedras de los colonos israelíes a los habitantes palestinos ante la mirada indiferente de los soldados de Israel, son desgarradoras.

El documental aborda también las conversaciones entre Basel y Yuval en las cuales hacen visibles las circunstancias de uno y de otro frente a las oportunidades de educación, en la búsqueda de un empleo y del ejercicio de su profesión o en las posibilidades mínimas de desplazamiento. Todo ello permite contrastar dos mundos, el palestino y el israelí, absolutamente disímiles.

Después de la realización de la película, con los hechos de terrorismo por parte de Hamas a Israel, la ofensiva contra gaza se agravó. En Israel hubo 1200 muertes, en Gaza van más de 40000 y la guerra continúa.

Esta película ganó El premio Oscar al mejor documental en 2025, el premio Bafta, el premio del cine europeo, el festival de Berlín y otros más.

La película se puede ver en Prime, Apple TV, Filmin.

 



  

jueves, 1 de mayo de 2025

TRES PELÍCULAS INTERNACIONALES EN LOS PREMIOS OSCAR 2025

LA CHICA DE LA AGUJA

Director: Magnus Von Horn

País: Dinamarca

Año: 2024

Reparto: Vic Carmen Sonne, Trine Dyrholm, Besir Zeciri, Joachim Fjelstrup

Situada durante de la Primera Guerra Mundial, la película en su primera parte cuenta la vida de Karoline, obrera de una fábrica dedicada a construir armas durante el conflicto. Ella vive sola en una pensión y supuestamente ha enviudado ya que no volvió a tener noticias de su esposo, un soldado que marchó al frente de batalla.

En una historia muy convencional, el jefe de la fábrica donde labora Karoline quien pertenece a una familia aristocrática, la seduce y ella ingenuamente cree en sus promesas de matrimonio. Cuando queda en embarazo su jefe la conduce a casa de su madre quien al amenazarlo con desheredarlo se aparta rápidamente de la joven.

En la segunda parte de la cinta Karoline se encuentra sola, trata de abortar y allí se topa con una mujer que pretende ayudarla cuando tenga su bebé y la lleva consigo. A partir de este momento se desarrolla una historia truculenta que le permite descubrir a Karoline los verdaderos motivos detrás de la bondad de su salvadora. En la última parte viene el reencuentro de Karoline con su esposo y el juicio al que tiene que asistir ella dado su carácter de testigo de unos horrendos hechos.

Este filme en blanco y negro, desarrolla una historia que a pesar de ser atroz está muy bien narrada. Involucra aspectos de la vida real de Dagmar Overbye (representada en la cinta por la aparente salvadora de Karoline) quien fue célebre en Dinamarca por varios crímenes cometidos. Las dos protagonistas tienen excelentes actuaciones y la puesta en escena de época es impecable.

Del director: Magnus Von Horn, nacido en 1983, es director y guionista sueco-polaco. Se educó en la escuela nacional de cine y televisión de teatro en Lodz. Vive actualmente en Varsovia. “La chica de la aguja” fue nominada a mejor película internacional en los premios Oscar. Otras películas de este director son: “Sweat”, “Después de esto”, “Echo”.

 

FLOW

Director: Gints Zilbalodis

País: Letonia

Año: 2024

Esta película de animación se caracteriza por carecer tanto de diálogos como de personajes humanos. Como afirma su director “Los diálogos no me resultan naturales. Mis películas favoritas no se basan en palabras, sino en imágenes y experiencias. La animación permite diseñar cada detalle con precisión, lo que la hace ideal para este tipo de narración”.

El argumento tiene que ver con el cambio climático, las inundaciones que se producirían como su consecuencia y la manera como son enfrentadas por un gato, su protagonista, y un grupo de animales (perros, capibara, lémur, pájaro secretario, ballena, ciervos) que lo acompañan en su recorrido para salvar sus vidas.

Las vicisitudes que debe enfrentar el gato en la convivencia con otros animales, las estrategias para sobrevivir frente a la falta de comida y de lugares secos y los amigos y enemigos que deja en su camino están allí representados.

Claramente la película se enmarca dentro del discurso ecologista y la necesidad de reaccionar frente a acontecimientos que están llevando al mundo por un camino de devastación.

La película, según los especialistas en tecnología, tiene el mérito de “ser renderizada con blender” -software de código abierto, sin costo, que cualquiera puede utilizar-. “Renderizar es el proceso de generar una imagen o video a partir de un modelo digital, aplicando luces, sombras y efectos para obtener un resultado final realista o estilizado”. Por esta razón se cree que la cinta marca un hito ya que muchas otras personas podrán hacer lo mismo pues blender es fácil de descargar, no tiene límites de licencias de usuario y es gratuito. De hecho, Flow con un presupuesto de US$ 3.6 millones logró superar en varios festivales a gigantes de la industria como Pixar y Disney cuyo presupuesto por película puede estar entre los US$100 y los US$ 200 millones.

Esta producción ha ganado numerosos premios entre ellos el de mejor película de animación en los Oscar (primera película letona en obtenerlo) y en los globos de oro.Sus canciones fueron compuestas por el director y por Rihards Zalupe.

El director Gints Zilbalodis, con 31 años, es un cineasta y animador nacido en Riga, Letonia. Estudió por su cuenta animación 3D y composición musical. Otras películas suyas: “Away”, “Aqua” y “Rush”.


AUN ESTOY AQUÍ

Director: Walter Salles

País: Brasil

Año: 2024

Reparto: Fernanda Torres, Fernanda Montenegro, Selton Mello, Valentina Herszage, Olivia Torres, Barbara Luz, Luiza Kosovski, Antonio Saboia.

“Aún estoy aquí” está basada en el libro homónimo de Marcelo Rubens Paiva sobre su drama familiar durante los años de la dictadura en Brasil con la desaparición de su padre Rubens Paiva, Congresista de la cámara de diputados de Brasil.

En 1971 agentes del gobierno invadieron la casa de Rubens deteniéndolo a él, a su esposa Eunice y a una de sus hijas. Esta última fue liberada al día siguiente, Eunice permaneció incomunicada 12 días y su esposo nunca apareció.

La película recrea estos acontecimientos, destacando el cambio de vida que ello significo para la familia. Las escenas mezclan videos que refieren el pasado, antes de que este desafortunado hecho ocurriera, con situaciones posteriores logrando un contraste entre la estabilidad y tranquilidad que un día tuvieron los miembros de la familia frente a la incertidumbre y ansiedad en años posteriores. La entereza de Eunice le permitió tomar decisiones radicales para afrontar las nuevas condiciones como cabeza de familia, tuvo que trasladarse junto con sus hijos de Río de Janeiro a São Paulo a vivir con sus padres, trabajar y emprender el estudio de la carrera de derecho.

Eunice no cesó en su propósito de desentrañar la historia oculta tras la desaparición de su marido y en el de evidenciar que su asesinato había sido cometido por militares con la complicidad de entes gubernamentales.

Se destacan varios méritos como la estructura narrativa, la música que acompaña las escenas interpretada por conocidos cantantes brasileños de la época como Gal Costa, Roberto Carlos y Caetano Veloso. El papel de Eunice es interpretado por una magnífica Fernanda Torres, gracias al cual ganó el Globo de oro como mejor actriz y fue nominada en la misma categoría en los premios Oscar. El rol de Eunice anciana lo asume Fernanda Montenegro, madre de Fernanda Torres en la vida real y famosa por la película “Estación Central” de 1998, del mismo director.

Del director: Walter Salles nació en Rio de Janeiro en 1956. Es guionista, director y productor de cine. Ha recibido numerosos premios y nominaciones en festivales como Berlín, Cannes, Venecia, Sundance y San Sebastián. Salles era amigo de uno de los hijos de Eunice y Rubens Paiva y compartieron vivencias en Río de Janeiro. El día que “Aún estoy aquí” obtuvo el Oscar a mejor película internacional este director dedicó el triunfo a Eunice. Otras de sus películas: “Estación Central”, “Diarios de motocicleta”, “Tierra extranjera” y “La contadora de películas”.

Como anécdota vale la pena mencionar que en el festejo en redes que realizaron los brasileños por haber ganado este año 2025 el premio Oscar, uno de los memes de los muchos que se hicieron comentaba: “Brasil entero tiene una deuda con Walter Salles, la mitad por el cine, la otra mitad por lo que debe al Itau”. Lo anterior dado que la familia del director es dueña de este Banco.

Dardo del recuerdo: La categoría a “Mejor película en lengua extranjera” se entrega desde 1956 a películas de habla no inglesa. Son los países quienes presentan las candidaturas y debe ser nominada solo una al año. La primera ganadora fue “La Strada” de Federico Fellini. Posteriormente esta categoría cambió su nombre a “Mejor película Internacional”.



 

 

lunes, 31 de marzo de 2025

PELÍCULAS NOMINADAS A LOS PREMIOS OSCAR Y GLOBO. II PARTE

 


Esta es la segunda entrega sobre algunas de las películas nominadas en los premios Oscar y las destacadas en los globos de oro.

EL BRUTALISTA

Director: Brady Corbet

País: Estados Unidos

Año: 2024

Reparto: Adrien Brody, Felicity Jones, Guy Pearce, Joe Alwyn, Raffey Cassidy

Esta película está basada en la vida de Laszlo Toth, un personaje ficticio pero cuyas experiencias se reconstruyen a partir de hechos sucedidos durante la Segunda Guerra Mundial. En efecto Laszlo, un arquitecto judío de nacionalidad húngara, fue víctima de la persecución Nazi y tuvo que huir a los Estados Unidos para salvar su vida.

Aunque era arquitecto, le tocó ejercer varios oficios, incluso como obrero en las minas a su llegada al país americano. Inicialmente fue acogido por un primo quien tenía una fábrica de muebles, pero pronto fue desalojado pues la esposa de este último lo acusó falsamente de pretender seducirla. Estuvo en varios hospicios y finalmente fue rescatado por un millonario quien lo involucró en un megaproyecto urbanístico en Pensilvania.

La mayor parte de la película se centra en esta parte de la vida de Laszlo, dedicado a sacar adelante el proyecto de construcción en Pensilvania que abarcaba un gran teatro con iglesia y varias salas culturales. Esta propuesta la basó en un concepto arquitectónico innovador que tuvo mucha resistencia pues consistía en una gran mole de hormigón, de amplias paredes, muy pocos ventanales, pero cuya grandiosidad estaba por dentro con las entradas de luz y los espacios de altos techos.

La construcción exigía mármol para lo cual Laszlo y su jefe viajaron a Carrara, donde se pueden apreciar las escenas más bellas de la película en las montañas y las cuevas de mármol. Los hechos posteriores nos muestran la culminación de la obra, interrumpida varias veces por unos presupuestos excedidos. En el entretanto llegan    su esposa y su sobrina, después de 5 años de no verlas y continúan los conflictos tanto con su jefe como con sus fantasmas internos que atenúa con su adicción a la heroína.

El final de la cinta es un homenaje a la obra del arquitecto, pero en realidad tiene como propósito destacar las contribuciones del estilo llamado brutalista, surgido en los años 50 y que se caracterizó por construcciones con mucha simplicidad, bloques grandes de concreto, de apariencia pesada y exposición de los materiales.

La película dura 3 horas y media y está dividida en varios capítulos, lo que a mi modo de ver resulta excesivo. Cuenta con una actuación excelente de Adrien Brody, quien se hizo merecedor al Oscar por este papel. Hay escenas muy bien filmadas relativas al avance del proyecto, destacando la monumentalidad de la obra que se construye. Igualmente se resaltan los efectos psicológicos de la persecución y de la guerra en las actuaciones de personajes como Laszlo, su esposa y su sobrina.

Del director: Brady Corbet es un actor y director de cine estadounidense, nacido en Arizona en 1988. Empezó su carrera actoral a los 11años y ha participado en varias series de TV. Otras películas dirigidas por él son: “la infancia de un líder”, “Vox Lux”. “El brutalista” ganó el León de plata en el Festival de Venecia 2024 y Corbet se llevó el globo de oro como mejor director 2025.


QUEER

Director: Luca Guadagnino

País: Italia

Año: 2024

Reparto: Daniel Craig, Drew Starkey, Jason Schwartzman, Henry Zaga, Leslie Manville

William Lee, interpretado por Daniel Craig en un rol poco convencional pues estamos acostumbrados a verlo personificando papeles en películas de acción, es un estadounidense gay que vive en ciudad de México disfrutando del ocio, del vicio y del placer.

Con un grupo de amigos se divierte en los bares y en las fiestas, en relaciones pasajeras que olvida a la mañana siguiente, hasta que conoce un día a Eugene Allerton, un estudiante joven con el cual se obsesiona. Este hombre desconcierta a Lee por su temperamento huidizo, reservado y por la distancia que mantiene en la relación que ambos inician al punto de ponerlo a dudar si es realmente gay.

Lee planifica un viaje a Ecuador para probar el yagé con el propósito de experimentar la telepatía, que suponía se lograba al consumir esta bebida. Acude junto con Eugene a la selva al encuentro con una científica conocedora de los secretos de la planta de ayahuasca y allí se desarrollan unas escenas psicodélicas que reflejan los efectos de la yerba, las cuales están muy bien logradas. De la selva regresa Lee solo y nunca vuelve a saber de Eugene.

La película está basada en la novela “Queer”, que parece ser autobiográfica, de William Burroughs autor estadounidense quien exploró en sus escritos los temas de la adicción y la marginalidad. Fue miembro de la generación Beat, movimiento transgresor que surgió en los años 50 y 60 en Estados Unidos que propendía por la libertad sexual y las adicciones, rechazando la moralidad existente de la época. Sus miembros eran anticapitalistas, anti materialistas y anti autoritarios, muy inclinados hacia las filosofías del taoísmo y el budismo. Todo ello lo expresaban en obras de poesía, en ensayos y en novelas.

La película refleja ese mundo de sexualidad, libertad y vicio a través de escenas de sexo explícito, fiestas con drogas y relaciones abiertas. Sin embargo, cae en la monotonía que propicia un ambiente que se circunscribe a estos escenarios y que solo rompe con el mencionado viaje a la selva. De todos modos, el papel de Daniel Craig es destacable pues asume con total naturalidad la condición de gay y de hedonista.

Del director: Luca Guadagnino es director, guionista y productor italiano, nacido en Palermo en 1971. Pasó su infancia en Etiopía y se graduó en la universidad de la Sapiensa en Roma. Otras películas dirigidas por el son: “Llámame por tu nombre”, “Suspiria”, “Melissa P”,”Hasta los huesos”, “Soy el amor”.


UN COMPLETO DESCONOCIDO

Director: James Mangold

País: Estados Unidos

Año: 2024

Reparto: Timothee Chalamet, Edward Norton, Elle Fanning, Monica Barbaro

Sobre un período muy concreto en la vida del cantante Bob Dylan, esta película se enfoca en sus inicios en Nueva York una vez llega proveniente de su ciudad natal, Minnesota. Con esta decisión su carrera empieza a ser reconocida y a conquistar el éxito. Posteriormente, él rompe con la música de sus orígenes en búsqueda de su propio estilo.

Dylan llegó a Nueva York en 1961, con 20 años de edad. Era un profundo admirador de la música Folk, lo que le llevó a conocer al cantautor Woody Guthrie, de quien fue su fan. Gracias a la oportunidad que le dio un amigo de éste, el también músico Pete Seeger, mentor en sus inicios, empezó a tocar en bares y a promocionar sus propias composiciones.

Aunque al principio se acogió al estilo del Folk, muy pronto Bob Dylan empezó a evolucionar combinándolo con el rock, involucrando además temas sociales en sus composiciones. La ruptura con este estilo inicial por parte del artista se cristalizó en el Newport Folk Festival a donde fue invitado para que interpretara las canciones tradicionales, pero donde tomó la decisión de introducir rock eléctrico en lugar de los instrumentos de cuerda tradicionales.

El final de la película donde se muestra su actitud rebelde frente al tipo de música convencional que todos esperaban, es el inicio de una carrera con un sello muy personal reflejado en sus letras, su guitarra, su armónica y la combinación de estilos.

La película muestra esa personalidad hermética y conflictiva de Dylan, pero no agota su biografía. Los años entre 1961 y 1965 en los que se centra la cinta, muestran su relación inicial con Sylvie Russo, una activista social y también con la cantante Joan Báez con quien compartía escenario, en una época donde ella generaba gran admiración y atraía mucho público.

La película brinda un espacio importante a los temas musicales compuestos durante esta época por Bob Dylan con interpretaciones realizadas por el propio Timothee Chalamet, su protagonista, quien además toca la guitarra y la armónica. Para ello, como lo confesó en varias entrevistas, tuvo un entrenamiento para este papel durante 5 años, a través de videos y entrevistas del artista. Mónica Barbaro en el papel de Joan Báez también interpreta sus canciones directamente, así como Edward Norton actuando como Pete Seeger. Muy buena la actuación de este trío, pero muy destacable la de Chalamet.

El filme está basado en el libro “Dylan goes electric” de Elijah Wald y el título se debe a la canción “Like a Rolling Stone”. Hay que recordar que Bob Dylan recibió el Premio Nobel de literatura en 2016 por sus composiciones musicales y su poesía.

Del director: James Mangold es un director y guionista estadounidense nacido en New York en 1963. Estudió en la escuela de artes de la universidad de Columbia y en el instituto de artes de California. Otras películas por él dirigidas son: “Inocencia interrumpida”, “En la cuerda floja”, “Identidad”, “Logan”, “Ford vs. Ferrari”.

 

 

 

 

 

 

 

viernes, 28 de febrero de 2025

PELÍCULAS NOMINADAS A LOS PREMIOS OSCAR Y A LOS PREMIOS GLOBO.

PARTE I.  EMILIA PEREZ -  CONCLAVE -  ANORA

Resumo a continuación algunas de las películas nominadas a los premios Oscar a llevarse a cabo el 2 de marzo del 2025 y aquellas destacadas o ganadoras en los globos de oro realizados el 5 de enero en Los Ángeles, California. Esta es la primera de dos entregas.


EMILIA PÉREZ

Director: Jacques Audiard

País: Francia

Año: 2024

Reparto: Karla Sofía Gascón, Zoe Saldaña, Selena Gómez

Es una película con formato de musical en algunas escenas, cuyo argumento se centra en un narcotraficante mexicano que decide cambiar de sexo. “Manitas del monte”, así apodado, se apoya en una abogada para hacerse una operación de cambio de sexo en el exterior, simular su muerte y desaparecer. Cuando años después quiere volver a su país para reencontrarse con sus hijos, la película adopta un giro, la verdad poco creíble cuando “Emilia Pérez”, el otrora mafioso ahora convertido en mujer, busca su redención contribuyendo en la búsqueda de desaparecidos de estos grupos criminales.

Aunque tiene aspectos interesantes, el tema de la violencia producto del narcotráfico que azota a un pueblo como el mexicano involucrando asesinatos y desaparecidos, se trivializa. El solo hecho de convertir casi en héroe a quien fue un narco despiadado, una vez se transforma en mujer, es un aspecto que le quita veracidad al guión. Como lo sostiene la misma cinta al inicio, el hecho de cambiar solo físicamente no va a significar cambios dramáticos en la esencia de una persona, por lo que esta transformación se ve como una traición al perfil del personaje. Es como si hubiéramos visto en “El padrino” a un Vito Corleone que se vuelve bueno y compasivo al final, por el hecho de haber envejecido.

Ocurre algo similar con la trama forzada en el remate de la cinta, donde concurren hechos que se atropellan con un resurgimiento de la violencia, para demostrarnos que el crimen tiene su castigo. En resumen, hay actuaciones buenas, escenas interesantes pero un argumento que, aunque audaz resulta forzado.

Debe destacarse la actuación de Zoe Saldaña, quien con naturalidad canta, baila y desarrolla un magnífico papel, en principio como una abogada subvalorada y luego como una mujer empoderada y decidida.

Esta película estuvo en el ojo del huracán por dos razones. Primero, por su pobre acogida en México donde consideraron que la realidad que se reflejaba en el film no se correspondía con la situación padecida por sus habitantes y especialmente por las víctimas del narcotráfico y la corrupción. Segundo, por las expresiones en redes de su protagonista, la española Karla Sofía Gascón, una actriz trans quien antes de hacerse popular usó términos xenófobos contra los árabes musulmanes, los cuales salieron a relucir y la hicieron objeto de cancelación al punto que no volvió a asistir a los festivales y eventos de premiación.

Esta película se puede ver en salas de cine y a partir del 28 de marzo en Movistar plus y filmin.


Del director: Jacques Audiard, nacido en Francia en 1952, ha sido ganador del premio César, el Bafta y en el festival de Cannes. Otras de sus películas: “Un profeta”, “De latir, mi corazón ha parado”, “Dheepan”.

 

CÓNCLAVE

Director: Edward Berger

País: Reino Unido

Año: 2024

Reparto: Ralph Fiennes, Stanley Tucci, John Lithgow, Sergio Castellito, Isabella Rossellini, Lucian Msamati.

Esta película trata sobre las intrigas alrededor de la elección de un nuevo pontífice ante la muerte de quien ejerce el papado, lo cual obliga a la reunión de cardenales provenientes de diferentes países para realizar el correspondiente cónclave.

Las confabulaciones para acceder a ese primer cargo de la iglesia católica, muestra que ellas son intrínsecas en la búsqueda de cualquier dignidad que signifique poder e influencia. Las corrientes sobre posiciones al interior de la iglesia se hacen evidentes en la cinta: una liberal que propende por dar énfasis a los aspectos sociales, con más acercamiento a las necesidades de la gente; otra conservadora que busca poner a la iglesia como una institución distante, que más bien genere adoración y respeto y donde no caben posiciones de apertura respecto a las mujeres o a cuestiones de género.

Precisamente para conseguir el número de votos necesarios que permitan un ganador, el film nos muestra cómo se van armando bandos y se sacan a relucir los aspectos que pueden eliminar potenciales candidatos con escándalos que puedan perjudicarlos, o mediante ofrecimientos a cambio de votos o por revelaciones de maltratos y vicios del pasado. En ese sentido, el guión es coherente con la realidad de la naturaleza humana, pues, aunque se trate de cardenales ellos no son ajenos a las vanidades y como cualquier mortal pueden ser víctimas de algunos de los “pecados capitales” como la lujuria, la envidia, la ira o la soberbia.

Esta trama, que busca sacar a flote las maquinaciones detrás de cualquier elección incluyendo en este caso la del papa, es lo más interesante de la película, así como las poderosas actuaciones de Ralph Fiennes en el papel de Lawrence y las de otros conocidos actores como Stanley Tucci y Sergio Castellito. Isabella Rossellini tiene un papel mínimo, bien interpretado sí, pero no para ser nominada como mejor actriz secundaria.

Hay que decir sin embargo que después de un argumento bien desarrollado, el final de la cinta decepciona pues resulta bastante forzado e impredecible. Es una lástima porque hay diálogos muy bien logrados y un ritmo que se mantiene durante casi toda la película.

Del director: Edward Berger es un guionista y director alemán nacido en 1970, educado en la universidad de Nueva York. Ha dirigido varias series y películas para televisión. Otra de sus películas es “Sin novedad en el frente” (2022).

 

ANORA

Director: Sean Baker

País: Estados Unidos

Año: 2024

Reparto: Mikey Madison, Mark Eydelshteyn, Yuriy Borisov, Karen Karagulian

Esta reciente película del gran director Estadounidense Sean Baker, sigue siendo fiel a su temática al abordar situaciones a las cuales se enfrentan personas marginales o que no encajan del todo en la sociedad. Así lo hizo en cintas como “Proyecto Florida”, “Red Rocket” y “Tangerine”. Es un director con gran fuerza que nunca nos deja indiferentes con sus propuestas cinematográficas.

“Anora” tiene como protagonista a una trabajadora sexual de un club nocturno en Nueva York y que gracias a su conocimiento del idioma ruso es puesta en contacto con un joven oligarca extranjero, Vanya, quien acude allí en busca de juerga y diversión. Después de pasar una noche con ella, él paga por tener exclusividad para que puedan estar juntos durante una semana.

La conexión entre Anora y Vanya es evidente y en esta primera parte de la película hay un ritmo trepidante de sexo, fiestas y derroche. Con el deseo de continuar con la celebración, los jóvenes junto con unos amigos se dirigen a las Vegas y allí en medio de la euforia del momento, Vanya le propone matrimonio a Anora y dada la facilidad con la cual puede legalizarse la unión en esa ciudad, el hecho queda consumado. Ella, ilusionada con su nueva condición y asumiendo lo que cree será la nueva realidad, hace planes para cambiar su vida: dejar su trabajo, vivir en una mansión, olvidarse de las afugias económicas. Es el cuento de la cenicienta que ha encontrado a su príncipe azul.

Cuando vuelven de regreso a Nueva York, la película tiene un quiebre, pues pasa del ímpetu y la efervescencia de la fiesta al aterrizaje forzoso en la realidad. Los padres del joven vuelan desde Rusia para buscar la anulación del matrimonio. Vanya desaparece y se desarrolla una búsqueda que involucra a los hombres que cuidan los intereses de los padres millonarios para que los asuntos recuperen el rumbo deseado.

En medio de esta confrontación sólo una persona tiene entendimiento de la situación de Anora y juega un rol compasivo frente a la fractura de una ilusión que poco duró.

La actuación de Mikey Madison como Anora es excelente. La película tiene un ritmo fabuloso por la velocidad con la cual se desenvuelven los hechos durante un día y porque es capaz de diferenciar los dos momentos, uno de furor y otro de decepción, manteniendo la coherencia del guion.

Del director: Sean Baker nació en Nueva Jersey en 1971. Estudio en la universidad de Nueva York. Baker escribe sus propios guiones. Una de sus películas “tangerine” fue filmada utilizando 3 teléfonos inteligentes. Anora ganó la palma de oro en el festival de Cannes en 2024.

Dardo del recuerdo: los premios de la academia, luego llamados premios Oscar, se fundaron en 1927 y la constituyeron 36 personas, Hoy son 7000 miembros los que votan. Los personajes más nominados: Walt Disney, La actriz Meryl Streep (ganó en 3 ocasiones), el actor Jack Nicholson (ganó en 3 ocasiones), el compositor John Williams (ganó en 5 ocasiones). Las películas más nominadas: Titanic, La La Land y Eva al desnudo. Solo 3 mujeres han ganado el Oscar a mejor director: Kathryn Bigelow, Chloe Zhao, Jane Campion. Los premios sólo se cancelaron una vez, en 2002. Por su parte los globos de oro celebran los logros del cine y la televisión. Se iniciaron en 1944, solo se suspendieron en 2008 por la huelga de guionistas. Se les considera la antesala de los premios Oscar.



sábado, 1 de febrero de 2025

Crossing y Bluebird, BlackBerry. Dos películas con origen en Georgia

 “Creo que las imágenes, los libros, el cine, nos dan ideas y con ello nos dan otras posibles vías o caminos que recorrer en la vida”

Levan Akin


Estas dos películas tienen varios aspectos en común, sus directores están relacionados con Georgia, la ex República de la URSS, el uno porque sus padres provienen de allí y después emigraron y la otra porque allí nació; hoy los dos realizadores viven en Europa. Además, las cintas tienen como protagonistas a mujeres de edad madura, las cuales viven en zonas rurales bastante conservadoras. Son películas reflexivas y contemplativas, muestras del cine que se está produciendo en Georgia, posterior a sus dos guerras y después de la crisis económica que trajo consigo la disolución de la URSS y la independencia del país.


CROSSING (Caminos cruzados)

Director: Levan Akin

País: Suecia

Año: 2024

Reparto: Mzia Arámbula, Denis Dumanli, Lucas Kankava

En la búsqueda de su sobrina Tekla y para dar cumplimiento a la promesa que le hizo a su hermana, Lía una mujer de 70 años que vive en Batumi, Georgia, decide emprender un viaje de búsqueda a Estambul, Turquía, hacia donde ella se dirigió varios años atrás.

Antes de iniciar el recorrido, Lía indaga con los habitantes del barrio donde Tekla estuvo viviendo y encuentra que Achi, un joven vecino que la conoció, tiene su dirección y se ofrece a acompañarla, más que nada porque su propósito es abandonar el pueblo y a su familia en busca de nuevas oportunidades.

Lía vende las pocas joyas que tiene de valor e inicia junto con Achi el trayecto, en un barco que navega por el mar negro hasta llegar a Estambul; una vez allí, buscan la dirección que tiene Achi la cual conduce al barrio trans de la principal ciudad de Turquía.

Aquí la película nos lleva de la mano de estos dos personajes para visitar las residencias donde convive la población trans, permitiéndonos apreciar ese otro Estambul marginal, alejado de los centros históricos, las mezquitas, el turismo y el comercio, que obliga a una lucha diaria por la supervivencia, pero donde también se puede disfrutar de la música, de la comida y sobre todo de la solidaridad que crea una minoría excluida para apoyarse mutuamente y seguir adelante.

Con la ayuda de Evrim, una abogada trans que defiende las causas de sus compañeras, Lía y Achi pueden acceder a varias viviendas y en una de ellas dan razón sobre Tekla quien estuvo allí y cualquier día desapareció. Paralelamente se desarrolla una historia de romance de Evrim con un taxista y una posibilidad para Achi de conseguir trabajo y de entablar amistad con la administradora del hotel donde pernocta con Lía. En uno y otro caso se nos permite apreciar que la vida busca salidas en cualquier espacio así sea limitado y se puede hallar lugar para el amor y el esparcimiento.

Poco a poco en los diálogos sostenidos en las jornadas de averiguación, entendemos las razones por las cuales Tekla fue repudiada por su familia y tuvo que huir en medio del ambiente machista y cerrado de su pueblo, que no le dió chance para entenderla. Cuando Lía le pregunta a la abogada como fue que su sobrina eligió esta vida, ella solo responde “dudo que hubiera tenido elección”. Achi, a su vez interroga a Lía sobre aquello que le gustaría decirle a Tekla en caso de encontrarla y ella le contesta: le diría que nosotras le fallamos…no hicimos nada para ayudarla…solo importaba lo que los otros dirían de nosotras.

El final, bastante sugestivo, cuando Lía decide volver sola a su pueblo, nos lleva a través de su imaginación al escenario que hubiera querido que fuera real en compañía de su sobrina.

Una película que trata el tema de la exclusión de género con respeto y delicadeza y nos lleva a abrir la mente sobre otras realidades existentes más allá de las convencionales que hemos aceptado por cultura, por religión o por costumbre. La actuación de Mzia Arabuli es excelente, por su sobriedad y por la elocuencia de sus silencios.

Del director: Levan Akin nació en Estocolmo en 1979. Sus padres son de origen georgiano, pero se mudaron a Suecia en 1960 cuando Georgia hacía parte de la URSS. Ha dirigido varías series para televisión. Otras de sus películas son: “Solo nos queda bailar”, “Katinkas Kalas”.

La película se puede ver en MUBI


BLACK BIRD, BLACKBERRY

Directora: Elene Naveriani

País: Georgia

Año: 2023

Reparto: Eka Chavleishvili, Temiko Chichinadze

La vida de Etero se desarrolla en medio de la monotonía de un pequeño pueblo de Georgia donde, como es común dentro de estas pequeñas comunidades, se espera de sus habitantes el cumplimiento de ciertos patrones sociales. Más aún, tratándose de un país caracterizadamente patriarcal y conservador donde el papel de la mujer sigue relegado y condicionado a roles definidos.

Etero no se ha casado ni ha tenido hijos por lo que es mirada con recelo por las otras mujeres de su comunidad. Ella maneja una tienda de productos de aseo y vive una vida apacible y solitaria, sin familia conocida por razones que solo descubriremos después. La hace feliz ir a recoger moras y a disfrutar de los paisajes en la ribera del río, donde precisamente casi muere en una ocasión al rodar por un barranco cuando estaba apreciando a un mirlo trinar (de allí el título de la película). Este último hecho la expone ante la fragilidad de la vida.

Un día la rutina de Etero se rompe y empieza a descubrir el amor hacia Murman, uno de los repartidores que lleva su pedido de mercancías y con quien debe mantener oculto su romance pues el forastero es casado y en su cerrado círculo, no se aceptaría que tuviera un amante.

Para ella el descubrimiento del sexo y del amor a sus casi 50 años se vuelve en una razón de vida y en una motivación que no había vislumbrado por estar a la sombra de un padre y de un hermano opresores, los cuales la obligaban a atenderlos y a servirlos en reemplazo de la madre del hogar quien murió siendo Etero una niña. Sus viajes a la ciudad más cercana son aprovechados por Etero para los encuentros furtivos con su amante sin que ninguna de sus amigas se entere de su relación.

En una de las visitas Murman le manifiesta a Etero que se irá a trabajar como transportador a Turquía donde puede recibir un mejor salario y que por esa razón no volverá a verla. Esta triste noticia coincide con síntomas de deterioro que empieza a manifestar Etero en su salud y que la hacen pensar en una enfermedad grave.

Poco antes de la cita que ha solicitado con un médico de la ciudad para realizarse los exámenes, pues teme por un cáncer que evite su retorno al pueblo, vuelve a aparecer Murman a proponerle que se vayan juntos a Turquía porque ya tiene un trabajo estable. Etero se niega porque por ningún motivo quiere renunciar a su independencia y teme así mismo por su salud. Ella visualiza y así lo manifiesta, que el futuro ofrecido la convertirá en la ama de casa que nunca ha querido ser y asumir un papel del cual se liberó.

El final de la película con Etero visitando el médico de la ciudad (después de una serie de mentiras a sus amigas para salir del pueblo con tranquilidad), para recibir su diagnóstico es bastante sorprendente, para ella y para el espectador.

Una película con un ritmo lento, pero que nos permite acercarnos a la cultura rural en un país machista y patriarcal. Como lo manifestó en una entrevista Elene Naveriani, quien dirige esta cinta, “cuanto más te alejes de la ciudad, la sociedad se vuelve más rígida, más cerrada”. Etero representa en esta película ese deseo de libertad y de autonomía en comunidades donde la mujer aún tiene frenos para desenvolverse en papeles distintos a los del  hogar y de los hijos. Como sostiene la misma directora “En este tipo de sociedad en la que se ambienta la historia, la sexualidad de las mujeres de cierta edad parece que ya no existe”.

La película se puede ver en Prime video y en MUBI.

De la directora: Elene Naveriani, nació en Tiflis, Georgia, en 1985. Reside actualmente en Suiza. Otra película suya: “Soy un rayo de sol en la tierra”



 

sábado, 28 de diciembre de 2024

PEDRO PÁRAMO

 


“Yo creía que aquella mujer estaba loca. Luego ya no creí nada. Me sentí en un mundo lejano y me dejé arrastrar”.

Frase de la novela


“Pedro Páramo”, novela del mexicano Juan Rulfo publicada en 1955, es uno de los libros representativos de la literatura latinoamericana del siglo XX y ha sido adaptada en un largometraje de Netflix de 2 horas de duración y con producción mexicana.

Llevar a la pantalla una obra literaria de gran complejidad como ésta genera profundas discusiones, especialmente por la dificultad para reflejar la calidad del texto literario. En este caso, un escritor como Juan Rulfo combina la realidad y la ficción, con una imaginación desbordada, en un libro donde los vivos hablan con los muertos y donde los recuerdos reviven y se materializan. El mismo Rulfo decía que su novela había que leerla al menos tres veces.

La cinta es fiel al argumento del libro y en ese sentido plasma los acontecimientos narrados en ella, así que más que una adaptación libre del director busca conservar el espíritu que quiso imprimir el escritor. Todo ocurre en Comala, el pueblo en donde nació y vivió Doloritas, la mamá de Juan Preciado uno de sus coprotagonistas, y al cual acude éste en busca de su padre, Pedro Páramo, a quien nunca conoció. “No vayas a pedirle nada, exígele lo nuestro”, fue la recomendación de la madre a Juan Preciado antes de morir. Después de lo que padece Juan en su visita al pueblo en el encuentro con muchos de los fantasmas, se narra la historia del segundo coprotagonista, Pedro Páramo quien da nombre al libro, y de los hechos acontecidos en Comala. Este último tuvo gran relevancia e influencia en la vida y muerte de muchos de sus pobladores.

En el libro de Rulfo, el escritor nos obliga a armar los acontecimientos como en una especie de rompecabezas. Basta decir que del personaje Juan sólo nos enteramos de su nombre cuando ha transcurrido la tercera parte de la novela. Además, la relación entre los seres vivos y los muertos es difusa y solo al final entendemos quienes son los unos o los otros. Los hechos históricos de la revolución mexicana, así como la guerra cristera (conflicto que enfrentó al gobierno mexicano con milicias católicas entre los años 1926 y 1929), sirven de marco al relato, al igual que las denuncias sobre la situación de desigualdad y atropello de unos terratenientes, aliados con las autoridades y la iglesia, frente a unos campesinos desamparados que a nadie importan. El tema que aborda mantiene su vigencia por el abuso de poder y los conflictos por la tierra, especialmente en América Latina.

La película mantiene con acierto el juego de los personajes en el tiempo, mezclando diferentes momentos lo cual resulta entendible para quien haya leído el libro, pero difícil para quienes no lo hubiesen abordado, sin embargo, la voz en off ayuda a mantener el hilo del argumento. Están bien concebidas las escenas con las almas que deambulan en Comala y la interpretación de los personajes, especialmente la de Juan Preciado y la de Damiana así como las locaciones escogidas para la filmación, llevadas a cabo en San Luis Potosí. Para destacar, las escenas del baile de los personajes desnudos en el cielo y la fiesta nocturna que presencia Juan Preciado en la plaza del pueblo, de gran factura artística y acompañadas con bella música.

El resultado final es una película que resulta bastante entretenida e invita a la lectura de la novela, muy recomendable además porque es un texto desafiante y muy bien escrito, caracterizado por una narración fragmentada y una historia que salta entre diferentes tiempos.

Como pasa con muchas de las novelas o cuentos que son llevadas a la pantalla, en Pedro Páramo el filme toma su propio impulso y hay que aprender a verlo y disfrutarlo de esta manera. El esfuerzo que están haciendo las plataformas de streaming de llevar al cine obras de gran reconocimiento debe celebrarse porque independientemente de que guste o no su adaptación, están logrando difusión de la literatura y despertando la curiosidad acerca de grandes escritores que, a pesar de su fama, muchas veces no son leídos.

Del director: Rodrigo Prieto nació en México en 1965. Ha trabajado como director de fotografía con personajes de la talla de Ang Lee, Spike Lee, Oliver Stone, Alejandro González Iñarruti, Almodóvar, Martín Scorsesse. Por su trabajo como fotógrafo ha ganado 5 veces el premio Ariel de México y ha sido nominado a los premios Oscar. Pedro Páramo es su primera experiencia como director de largometrajes.

Esta película se puede ver en Netflix.

Dardo del recuerdo: Una de las adaptaciones de novela al cine fue “El gran Gatsby”, del escritor norteamericano Scott Fitzgerald. Las más famosas fueron las de 1974 la cual contó con la participación de Mía Farrow y Robert Redford, con guión de Francis Ford Coppola y la del año 2013 en la cual actuaron Leonardo Dicaprio, Tobey Maguire y Carey Mulligan. Esta última con un gran despliegue de lujo y con un ritmo que retrata la locura de la época que describe la novela.



 

 

jueves, 28 de noviembre de 2024

LA SOMBRA DE CARAVAGGIO

Director: Michel Placido

País: Italia

Año: 2022

Reparto: Ricardo Scamarcio, Isabelle Huppert, Louis Garrel, Micaela Ramazzotti

A través de la figura de un inquisidor, autodenominado “La sombra”, el director de esta película nos lleva por los lugares y las personas que marcaron la vida del famoso pintor conocido como Caravaggio. Este recurso permite que, en la medida que “La sombra” va indagando por hechos claves en la existencia del artista, se vaya desentrañando su compleja personalidad y el genio que hubo detrás, el cual dejó huella en el arte universal.

Michelangelo Merisi, más conocido como Caravaggio, nació en Milán, Italia, en 1571, su padre era trabajador al servicio de una familia de la nobleza. Sus cualidades como pintor fueron descubiertas muy temprano y fue esta familia quien lo apoyó para que estudiara en el taller de un artista local, de donde muy pronto desertó para dirigirse a Roma. Consideraba que en la academia los pintores no hacían sino elogiarse mutuamente y que se mantenían alejados de la realidad aplaudiendo lo que es obvio a cambio de una retribución.

La película se centra en los años que siguieron a su llegada a Roma y concretamente en un hecho que cambió la vida del pintor: el asesinato que cometió en una reyerta en la persona de Ranuccio Tomasino. Caravaggio se vió obligado a exiliarse en Nápoles (era en ese momento un reino independiente) pues fue condenado a muerte en Roma como consecuencia de este crimen.

“La sombra”, personificada en un hombre de la iglesia, empieza a hacer las averiguaciones que le permitirán ahondar en la personalidad del pintor, famoso por la maestría de sus obras y por las polémicas que éstas generaban, además de controvertido por su vida disoluta, su condición bisexual y su carácter pendenciero, el cual le había generado numerosos enemigos.

El aporte más valioso de la película es enfocarse en el trabajo artístico de Caravaggio, haciendo énfasis en la producción de algunos de sus cuadros más célebres y tratando de reconstruir el ambiente que le sirvió de inspiración y los personajes que se prestaron como sus modelos.

En efecto, aunque la mayoría de sus obras eran religiosas ya que Caravaggio fue un gran conocedor y admirador de los evangelios decidió recurrir a prostitutas, mendigos y personajes de la calle para representar a los santos, a Jesucristo y a la virgen. La iglesia de la Vallicella fue el lugar para encontrar a muchos de ellos, pues allí un monje daba de comer a los hambrientos.

La reproducción de estos personajes del bajo mundo en los cuadros del artista fue cuestionada por los jerarcas de la iglesia, sin embargo, él siempre sostuvo que le gustaba pintar la realidad, el dolor humano y a los miserables del mundo, “el evangelio está aquí”, sostenía.

Vale la pena resaltar las puestas en escena de algunas sus más reconocidas pinturas, muy bien logradas. En “La muerte de la virgen” su modelo fue una prostituta que se había suicidado en el río y a quien llevó a su estudio junto con otros de sus amigos de la calle y la pintó con todo realismo. Este cuadro fue rechazado por la iglesia porque esperaban ver en él a una Virgen celestial (en su asunción acompañada de ángeles) y no a una Virgen terrenal. Este cuadro pudo salvarse gracias a que el pintor Rubens lo compró a los frailes por encargo de los Gonzaga de Mantua.

En “David con la cabeza de Goliat”, el mismo pintor sirvió de modelo para Goliat después de que su cara fue desfigurada en un intento que hicieron para matarlo. En “El triunfo del amor” pinta a un ángel que ríe y se alza sobre las guerras, el hambre y las artes. En “la conversión de San Pablo”, este santo yace bajo las patas de un caballo alzando sus brazos al cielo. En “Magdalena penitente” una prostituta sirvió de modelo y la pintó cuando adormecía. En “Cabeza de medusa” el propio pintor plasmó su rostro, coronado por serpientes y en “La crucifixión de San Pedro”, un borracho fue su modelo junto a sus amigos.

Debido a su producción artística Caravaggio fue convocado por el santo oficio quien le impidió reproducir imágenes de hombres o mujeres de la vida real, especialmente si eran malhechores o cortesanos. Paradójicamente los jerarcas de la iglesia lo criticaban en público, pero eran admiradores y coleccionistas de su obra y fueron partícipes en muchas de sus juergas.

Caravaggio siempre contó con el apoyo de la familia Colonna. De hecho, tuvo amores con Costanza y fue amigo de su hijo Fabricio ambos miembros de esa familia. El cardenal Francesco María del Monte fue otro de sus patrocinadores pues era un gran admirador de su obra, así como Scipione Borghese, cardenal sobrino del papa.

Como dato curioso, mostrado en la cinta, el pintor coincidió con Giordano Bruno cuando ambos compartían prisión, lo que resulta particular tratándose de dos hombres contemporáneos que fueron revolucionarios en sus campos y cuestionados por la iglesia.

Caravaggio estuvo esperando en Nápoles su indulto por parte del papa y una vez lo consiguió (en la cinta se presenta como una simple patraña para obligarlo a regresar a Roma) desembarcó en Porto Ercole y no se volvió a tener noticias de él. Hay muchas especulaciones sobre las causas de su muerte. Su cuerpo desapareció. Tenía 39 años.

Esta película le hace honor a uno de los grandes pintores de la historia universal, mostrando las debilidades del hombre, pero rescatando al artista que revolucionó el uso del claroscuro y la forma de representar escenas religiosas. Sus pinturas tuvieron influencia en maestros como Rubens, Rembrandt, Diego Velásquez. Su obra fue olvidada por siglos y resurgió en el siglo XX con André Berne-Joffroy un historiador de arte quien realizó una exposición de Caravaggio en 1951 en el palacio real de Milán con la cual rescató al “inventor de la forma de las sombras”.

El papel de Caravaggio está representado en la cinta por Ricardo Scamarcio, actor italiano de gran reconocimiento en su país y quien desempeña muy buen papel. Se destaca así mismo Isabelle Huppert interpretando a Costanza.

Del director: Michele Placido (nació 1946) es un actor, guionista y director de cine italiano. Otras de sus películas: “Del amor perdido”, “El gran sueño”, ”7 minutos”, “Rejas de cristal”.

Esta película se puede ver en Prime, Filmin, Movistar Plus, Apple TV+



 

 

LOS DOMINGOS

  Directora: Alauda Ruiz de Azúa País: España Año: 2025 Reparto: Blanca Soria, Patricia López Arnaiz, Nagore Aranburu, Juan Minujin...