LA SOMBRA DE CARAVAGGIO

Director: Michel Placido

País: Italia

Año: 2022

Reparto: Ricardo Scamarcio, Isabelle Huppert, Louis Garrel, Micaela Ramazzotti

A través de la figura de un inquisidor, autodenominado “La sombra”, el director de esta película nos lleva por los lugares y las personas que marcaron la vida del famoso pintor conocido como Caravaggio. Este recurso permite que, en la medida que “La sombra” va indagando por hechos claves en la existencia del artista, se vaya desentrañando su compleja personalidad y el genio que hubo detrás, el cual dejó huella en el arte universal.

Michelangelo Merisi, más conocido como Caravaggio, nació en Milán, Italia, en 1571, su padre era trabajador al servicio de una familia de la nobleza. Sus cualidades como pintor fueron descubiertas muy temprano y fue esta familia quien lo apoyó para que estudiara en el taller de un artista local, de donde muy pronto desertó para dirigirse a Roma. Consideraba que en la academia los pintores no hacían sino elogiarse mutuamente y que se mantenían alejados de la realidad aplaudiendo lo que es obvio a cambio de una retribución.

La película se centra en los años que siguieron a su llegada a Roma y concretamente en un hecho que cambió la vida del pintor: el asesinato que cometió en una reyerta en la persona de Ranuccio Tomasino. Caravaggio se vió obligado a exiliarse en Nápoles (era en ese momento un reino independiente) pues fue condenado a muerte en Roma como consecuencia de este crimen.

“La sombra”, personificada en un hombre de la iglesia, empieza a hacer las averiguaciones que le permitirán ahondar en la personalidad del pintor, famoso por la maestría de sus obras y por las polémicas que éstas generaban, además de controvertido por su vida disoluta, su condición bisexual y su carácter pendenciero, el cual le había generado numerosos enemigos.

El aporte más valioso de la película es enfocarse en el trabajo artístico de Caravaggio, haciendo énfasis en la producción de algunos de sus cuadros más célebres y tratando de reconstruir el ambiente que le sirvió de inspiración y los personajes que se prestaron como sus modelos.

En efecto, aunque la mayoría de sus obras eran religiosas ya que Caravaggio fue un gran conocedor y admirador de los evangelios decidió recurrir a prostitutas, mendigos y personajes de la calle para representar a los santos, a Jesucristo y a la virgen. La iglesia de la Vallicella fue el lugar para encontrar a muchos de ellos, pues allí un monje daba de comer a los hambrientos.

La reproducción de estos personajes del bajo mundo en los cuadros del artista fue cuestionada por los jerarcas de la iglesia, sin embargo, él siempre sostuvo que le gustaba pintar la realidad, el dolor humano y a los miserables del mundo, “el evangelio está aquí”, sostenía.

Vale la pena resaltar las puestas en escena de algunas sus más reconocidas pinturas, muy bien logradas. En “La muerte de la virgen” su modelo fue una prostituta que se había suicidado en el río y a quien llevó a su estudio junto con otros de sus amigos de la calle y la pintó con todo realismo. Este cuadro fue rechazado por la iglesia porque esperaban ver en él a una Virgen celestial (en su asunción acompañada de ángeles) y no a una Virgen terrenal. Este cuadro pudo salvarse gracias a que el pintor Rubens lo compró a los frailes por encargo de los Gonzaga de Mantua.

En “David con la cabeza de Goliat”, el mismo pintor sirvió de modelo para Goliat después de que su cara fue desfigurada en un intento que hicieron para matarlo. En “El triunfo del amor” pinta a un ángel que ríe y se alza sobre las guerras, el hambre y las artes. En “la conversión de San Pablo”, este santo yace bajo las patas de un caballo alzando sus brazos al cielo. En “Magdalena penitente” una prostituta sirvió de modelo y la pintó cuando adormecía. En “Cabeza de medusa” el propio pintor plasmó su rostro, coronado por serpientes y en “La crucifixión de San Pedro”, un borracho fue su modelo junto a sus amigos.

Debido a su producción artística Caravaggio fue convocado por el santo oficio quien le impidió reproducir imágenes de hombres o mujeres de la vida real, especialmente si eran malhechores o cortesanos. Paradójicamente los jerarcas de la iglesia lo criticaban en público, pero eran admiradores y coleccionistas de su obra y fueron partícipes en muchas de sus juergas.

Caravaggio siempre contó con el apoyo de la familia Colonna. De hecho, tuvo amores con Costanza y fue amigo de su hijo Fabricio ambos miembros de esa familia. El cardenal Francesco María del Monte fue otro de sus patrocinadores pues era un gran admirador de su obra, así como Scipione Borghese, cardenal sobrino del papa.

Como dato curioso, mostrado en la cinta, el pintor coincidió con Giordano Bruno cuando ambos compartían prisión, lo que resulta particular tratándose de dos hombres contemporáneos que fueron revolucionarios en sus campos y cuestionados por la iglesia.

Caravaggio estuvo esperando en Nápoles su indulto por parte del papa y una vez lo consiguió (en la cinta se presenta como una simple patraña para obligarlo a regresar a Roma) desembarcó en Porto Ercole y no se volvió a tener noticias de él. Hay muchas especulaciones sobre las causas de su muerte. Su cuerpo desapareció. Tenía 39 años.

Esta película le hace honor a uno de los grandes pintores de la historia universal, mostrando las debilidades del hombre, pero rescatando al artista que revolucionó el uso del claroscuro y la forma de representar escenas religiosas. Sus pinturas tuvieron influencia en maestros como Rubens, Rembrandt, Diego Velásquez. Su obra fue olvidada por siglos y resurgió en el siglo XX con André Berne-Joffroy un historiador de arte quien realizó una exposición de Caravaggio en 1951 en el palacio real de Milán con la cual rescató al “inventor de la forma de las sombras”.

El papel de Caravaggio está representado en la cinta por Ricardo Scamarcio, actor italiano de gran reconocimiento en su país y quien desempeña muy buen papel. Se destaca así mismo Isabelle Huppert interpretando a Costanza.

Del director: Michele Placido (nació 1946) es un actor, guionista y director de cine italiano. Otras de sus películas: “Del amor perdido”, “El gran sueño”, ”7 minutos”, “Rejas de cristal”.

Esta película se puede ver en Prime, Filmin, Movistar Plus, Apple TV+

 

 

DOS ESCRITORES. DOS PELÍCULAS

 

KAFKA: “LA GRANDEZA DE LA VIDA” Y BECKETT: “DANCE FIRST”.

Franz Kafka y Samuel Beckett dos reconocidos escritores europeos del siglo XX, uno nacido en Praga (cuando hacía parte del imperio Austrohúngaro) y el otro en Irlanda, son representados en sendas películas las cuales destacan sus aspectos personales antes que su brillo como autores. “La grandeza de la vida” se enfoca en la etapa en la vida de Kafka poco antes de morir, cuando convivió con su última amante. “Dance first” se centra en hechos relevantes de la larga vida del dramaturgo Beckett (murió a los 83 años) a partir de una severa autorreflexión.

LA GRANDEZA DE LA VIDA

Directores: Georg Maas y Judith Kaufmann

País: Alemania

Año: 2024

Reparto: Sabin Tambrea, Henriette Confurius, Manuel Rubey, Luise Aschenbrenner

Franz Kafka decide tomar unas vacaciones en Rostock, Alemania, a orillas del mar báltico luego de ser diagnosticado con tuberculosis y pensionado de manera anticipada por esa razón. Desde allí le escribe a su amigo Max Brod sobre lo acertado de haber escogido el mar y el saludable clima para su reposo. Durante su permanencia en ese lugar conoce a Dora Diamant, judía como él pero de ascendencia polaca, con quien pasaría los últimos meses de su vida.

La película recrea la relación entre Franz y Dora, en medio de la enfermedad del primero y de las presiones que surgían de parte del padre y de la hermana dada su débil salud y su precaria situación económica. Franz sigue a Dora hasta Berlín y allí viven en un cuarto en medio de grandes limitaciones, pero sin que decline el firme propósito del autor de continuar con sus escritos y con su correspondencia, bastante prolífica por cierto. A esa altura ya había publicado su libro más famoso “La metamorfosis” (1915).

La película destaca a dos personajes definitivos en la vida de Kafka: su padre y su editor. Hermann Kafka, su progenitor, no aparece personificado pero se muestra como una permanente sombra que ronda sobre sus decisiones y en general en el curso de su existencia: es él quien aprueba a sus amantes, quien decide sobre su internación en el sanatorio, quien le ayuda económicamente. De hecho, en la película se hace referencia a la “Carta al padre”, en la cual Kafka le escribe haciéndole el reclamo sobre el comportamiento que éste tuvo con él, el temor que le producía y el haberlo hecho sentir siempre como un ser débil e inferior.

Max Brod, su más cercano amigo, también fue clave en la vida de Kafka siendo su compañero desde la universidad, encargado de promocionar sus escritos y encontrar quien publicara sus libros.

Estando en Berlín viviendo con Dora, Max llega por Franz Kafka por instrucciones del padre, para llevarlo a Praga. Posteriormente es internado en un sanatorio a donde aparece Dora para acompañarlo en sus días finales. Antes de morir le expresa su voluntad a Max Brod de quemar su obra, lo que por fortuna él no cumple.

La obra literaria de Kafka introduce elementos fantásticos y tuvo una gran influencia en la corriente existencialista que surgió en la postguerra. Ella refleja la angustia existencial, la burocracia de la que hizo parte, la sociedad y la familia.

La película tiene la virtud de presentar las angustias del escritor en sus últimos días, sin pretender ser una biografía completa. Muestra, eso sí, la influencia de personajes como su padre, la de Max Brod y la de una de sus varias amantes, definitivos todos ellos para moldear su personalidad y lograr una visión del mundo que reflejó en su obra.

De los directores: George Maas es un guionista y director y Judith Kaufmann es una directora de fotografía. Ambos son alemanes y juntos hicieron otra película en 2012, “Dos vidas”.

DANCE FIRST

Director: James Marsh

País: Reino Unido

Año: 2023

Reparto: Gabriel Byrne, Aidan Guillen, Sandrine Bonnaire, Maxine Peake.

A manera de representación teatral, la película empieza y finaliza con la entrega del Nobel de literatura a Samuel Beckett, en 1969. En el momento en que sale a recibir el premio, muestra como el galardonado desaparece detrás del telón y empieza una conversación con su conciencia, representada en un doble suyo, para realizar un “viaje a través de tu vergüenza” como ésta le denomina. Beckett donó el dinero del premio al Trinity College de Dublín y siempre consideró que no lo merecía, de ahí que la cinta lo presenta incómodo en la ceremonia y escondido tras bambalinas.

A través de varios flash back, la película nos conduce por un recorrido en la vida del autor a través de 5 actos titulados: Madre, Lucia, Alfie y Suzanne, Suzanne y Barbara, el Final. Con su madre, Beckett tuvo una relación tensa pues era estricta, distante y muy religiosa. La muerte de su padre estando aun joven fue un duro golpe y se constituyó en el impulso para dejar su casa y viajar a París a codearse con los grandes escritores de la época. Allí conoce a James Joyce, por quien siente profunda admiración y afanosamente lo persigue buscando ser su secretario y traductor. “No soy el James Joyce de Ulises…soy el de la gloria que se desvanece y el de la decadencia que invade” le contesta el escritor, pero al final lo contrata. Lucía es la hija de Joyce, a quien Beckett empieza a acompañar en sus salidas nocturnas, dado el gusto de la joven por el baile. Los padres de ésta pretenden casarla con Beckett a pesar de sus reconocidos problemas mentales, razón para que él se retire de esa casa. Esto nunca se lo perdonó Joyce.

Alfie fue un compañero y amigo de Beckett, juntos hicieron parte de la resistencia durante la segunda guerra mundial y fue posteriormente arrestado por la Gestapo por su condición de judío desapareciendo para siempre. Los temores sobre el destino de Alfie inspiraron a Beckett para su conocida obra “Esperando a Godot” en la cual como lo manifiesta el mismo escritor “dos veces no pasa nada”. En ese mismo período, Beckett conoció a Suzanne e iniciaron una relación que se consolidó en la zona rural a donde escaparon juntos para evitar la muerte y que prevaleció hasta el fallecimiento de ella. “Incluso en ese lugar no pudieron apagar las estrellas”.

En una elipsis, la cinta nos lleva años más tarde, a una entrevista de Beckett para la BBC, en donde conoce a la reportera Barbara, se hacen amantes y se traslada a París cuando ella lo hace. Permanece allí hasta la muerte de Suzanne, de quien nunca se separó y fue la responsable de las relaciones comerciales que permitieron la difusión y publicación de las obras de Beckett. “Te debo todo a ti” le confiesa.

Al final, Beckett se muda de nuevo a Londres y termina su vida en una institución geriátrica. Murió en 1989. El consejo que da el escritor a un estudiante de “Baila primero, piensa después”, da nombre a esta cinta. Gabriel Byrne, en el papel del protagonista, es un reconocido actor irlandés y trabajó varios años en teatro, muy apropiado para el formato que utiliza esta cinta.

Beckett fue figura clave en el teatro del absurdo o anti teatro “se trata de un teatro estático, sin acción ni trucos escénicos, con decorados desnudos, de carácter simbólico y diálogos apenas esbozados”. Beckett es considerado uno de los grandes autores teatrales del siglo XX por su ruptura con las técnicas tradicionales dramáticas. Produjo obras como “Final de partida”, “Los días felices”, “Molloy”, “Malone muere”, “El innombrable”, en las que remarca el carácter angustioso de la condición humana. Publicó en inglés y en francés. Fue también ensayista y poeta.

Del director: James Marsh es un cineasta y documentalista británico, con reconocimientos entre otros al Oscar a mejor documental por “Man no Wire” (2008) y fue nominado a los premios Oscar en 2015 por “La teoría del todo”.

LA VIUDA DE CLICQUOT

Director: Thomas Napper

País: Estados Unidos

Año: 2023

Reparto: Haley Bennet, Tom Sturridge, Sam Riley, Ben Miles

Esta película presenta una etapa en la vida de Barbe-Nicole Ponsardin desde que contrajo matrimonio con Francoise, hijo de Philipe Clicquot, este último comerciante de textiles y dueño además de un pequeño viñedo en Reims, Francia, el cual gracias al empuje de su nuera se hizo grande y famoso no sin antes atravesar por varios fracasos.

De manera fragmentada la cinta nos presenta la unión de la joven pareja mediante escenas que van combinando el presente con los recuerdos de ella. Al inicio de su relación ellos tuvieron una convivencia idílica, muy pronto afectada por la enfermedad mental de su esposo. En efecto, Francoise era un soñador y experimentó sin éxito nuevas maneras de cultivar uva y combinar diferentes cepas, en momentos complicados para Francia pues enfrentaba las guerras napoleónicas, lo cual hacía difícil sacar adelante los negocios. Estos hechos sumados al consumo de opio afectaron la salud de Francoise y su muerte se produjo de manera temprana.

Barbe-Nicole, viuda a los 27 años y con una hija de 3, decide enfrentar a su suegro ante la solicitud de éste de vender los terrenos a la familia Möet, grandes propietarios de viñedos en la misma región, pues no se aceptaba que una mujer se pusiera al frente de los negocios. La persistencia de ella buscando nuevas formas de producir un vino burbujeante de manera más eficiente junto con el apoyo de sus trabajadores y el empuje comercial de Louis Bohne, le dieron el impulso para enfrentar los obstáculos.

La película en la segunda parte se centra en las dificultades que tuvo Barbe-Nicole especialmente en sus exploraciones para lograr una eficiente producción. Resulta que los residuos de la levadura y el azúcar, necesarios para obtener las burbujas del vino, se sedimentaban y fueron precisamente los estudios de esta mujer los que permitieron desarrollar una técnica. Esta consistió en colocar las botellas de forma invertida en mesas especiales que facilitaran girarlas diariamente, evitando los cambios de botella que era lo usual y logrando la limpieza de los sedimentos en la boca del envase para aclarar el líquido y ahorrar tiempo. Esta contribución, fundamental para la industria en el futuro, se insinúa, pero no queda suficientemente ilustrada en la cinta.

Otra de las complicaciones que debió solventar esta mujer fue la comercialización del vino burbujeante. Francia, a principios del siglo XIX, estaba atravesando por una época de guerras, entre ellas con Rusia, y las fronteras se cerraron evitando cualquier intercambio comercial con ese país. Luis Bohne fue el apoyo de Barbe-Nicole para incursionar en el mercado ruso y dar a conocer su vino en la corte del zar, pero además tuvo la audacia de buscar nuevas rutas para enviar su producto fuera de Francia rompiendo las prohibiciones vigentes y adelantándose a sus competidores. Cuando las guerras cesaron, ya se valoraba en San Petersburgo el vino producido por Barbe-Nicole.

En la última parte de la película, la viuda de Clicquot, como se le conocía, fue llevada a juicio pues sus competidores querían sacarla del mercado y argumentaron que una mujer no podía manejar un negocio y que además tenía amores secretos con Luis Bohne. En un final abrupto este le propone matrimonio a Barbe-Nicole para salvar el negocio y ella se niega. La película finaliza en este punto sin que sepamos qué pasó posteriormente. Lo que sucedió después en la vida real es que ella pudo seguir al frente de su empresa, nunca se casó e incrementó las tierras para sus cultivos.

La película es un homenaje a una mujer pionera pues fue la primera en dirigir un negocio de vitivinicultura. “La gran dama del champán” se le denominaría y aunque no se aborda en la cinta, estuvo dirigiendo su empresa hasta muy avanzada edad falleciendo a los 89 años. Actualmente viuda de Clicquot es una de las mayores casas de champán del mundo produciendo alrededor de 20 millones de botellas por año.

La interpretación de Barbe-Nicole a cargo de la actriz estadounidense Haley Bennet, es impecable pues asume totalmente el perfil de la época a lo cual ayuda la buena ambientación y los hermosos paisajes. La filmación se realizó en Chablis y Reims, en Francia. La música estuvo a cargo de Bryce Dessner compositor y guitarrista, radicado en Paris, miembro de la banda de rock The National.

Esta película se puede ver en Apple TV, Prime Video o Fandango at home.

Del director: Thomas Napper nació en Londres en 1970. Otras de sus películas: “El último asalto”, “Las nueve vidas de Tomas Kate”.

 

 

CUATRO PELÍCULAS DEL 2023

DISPARARON AL PIANISTA

Directores: Fernando Trueba y Javier Mariscal

País: España

Año: 2023

En formato de animación, esta película narra la historia de Tenorio Junior, un virtuoso pianista brasileño, desaparecido en 1976 a la edad de 35 años durante la época de la dictadura militar Argentina, cuando realizaba una gira musical acompañando a su amigo Vinicius de Moraes en ese país.

A partir de testimonios recogidos por Fernando Trueba con familiares y amigos del músico (su esposa, su amante, sus compañeros) durante 150 horas de entrevistas, el director reconstruye la vida de este compositor e intérprete. Tenorio era reconocido además de su maestría como instrumentalista de jazz y de bossa nova, por poseer una personalidad tranquila y amable. Todo parece indicar que su desaparición obedeció a su apariencia física, por su pelo largo, su barba y por su condición de extranjero (pues no estaba involucrado en política), lo cual generó sospechas dentro de la policía del régimen argentino quien lo condujo a la ESMA (escuela de mecánica de la armada), donde nunca se volvió a tener noticias de él.

Una historia bien contada, con un colorido y una estética maravillosa y con música extraordinaria de la época del bossa nova en la cual se destacan interpretaciones de Joao Gilberto, Caetano Veloso, Milton Nascimiento, Vinicius de Moraes, Toquinho y del mismo Tenorio Junior. La playlist, muy recomendable, se encuentra en Spotify con el mismo nombre de la película.

Fernando Trueba hace este segundo trabajo con el diseñador Javier Mariscal después de 10 años de su colaboración conjunta en “Chico y Rita” donde ambientaron una historia de amor en Cuba, en el mismo formato de animación, destacando la música de la isla de los 40’s y los 50’s, siendo nominada a los Oscar en el 2012.

La película se puede ver en Movistar Plus, Amazon video, Apple TV.

De los directores: Fernando Trueba es un director de cine, guionista y productor español, nacido en 1955. Otras películas suyas son: “Bella época” (ganadora a mejor película de habla no inglesa en 1993), “El artista y la modelo”, “El olvido que seremos”, “Chico y Rita”, “La niña de tus ojos”. Ha sido galardonado con numerosos premios nacionales e internacionales.

Javier Mariscal es diseñador, ilustrador, pintor, escultor. Nació en España en 1950.Jugó un papel muy activo en la movida española y en el cómic en su país. Uno de sus diseños más famosos fue Cobi, la mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. Ha expuesto en París, Londres, Corea. Su obra está en varias colecciones públicas y privadas.

 

UN AMOR

Directora: Isabel Coixet

País: España

Año: 2023

Reparto: Laia Costa, Hovik Keuchkerian, Luis Bermejo, Hugo Silva

Esta película está basada en la novela homónima de la escritora Española Sara Mesa. Narra la nueva vida de Nat una mujer profesional, urbana, una vez que toma la decisión de dejar su trabajo en la ciudad e irse a vivir al campo, lo cual constituye todo un reto pues debe enfrentar la soledad, el escrutinio de sus vecinos y las complejidades de la vida rural.

El dueño de la casa, quien se la arrendó, es un tipo descortés y grosero, uno de los vecinos solo piensa en acostarse con ella, “¿por qué no, si está sola?”, la pareja de al lado aparenta un mundo perfecto y feliz y Andreas le propone un particular intercambio.

En efecto, Andreas quien le ayuda con los arreglos de la casa que ha alquilado y la cual ha recibido en pésimas condiciones inicia con Nat una particular relación. Ella siente un apego obsesivo y para él no pasa de ser solo sexo, con la certeza de que así se lo planteó desde el principio.

Esta situación obliga a Nat a confrontar sus inseguridades y sus miedos y a actuar de manera distinta con más confianza en sí misma superando esa fragilidad inicial de la cual todos se aprovechan cuando se detecta. Como lo expresó su directora en una entrevista: “todas esas microagresiones son constantes en la vida diaria…día tras día te minan la moral y te amargan la vida”.

Aunque esta cinta no es especialmente destacable, es fiel al libro en el que se basa y hace explícito el anhelo de liberación de mujeres que aprenden a superar sus problemas de autoestima a partir de sus vivencias personales.

Esta película se puede ver en Movistar Plus, Prime video, Amazon video, Apple TV.

Del director: Isabel Coixet es una guionista y directora española, nacida en 1960. Otras de sus películas: “La Librería”, “Mi vida sin mí”, “La vida secreta de las palabras”, “Elisa y Marcela”. Ha sido ganadora de dos premios Goya como directora.

SOBRE HIERBAS SECAS

Director: Nury Bilge Ceylan

País: Turquía

Año: 2023

Reparto: Merve Dizdar, Denis Celiloglu, Musab Ekici, Ece Bagci

Samet, un profesor de escuela rural en Anatolia tiene la ilusión de abandonar el pueblo a donde fue enviado por el sistema educativo de Turquía (quien exige este trabajo por al menos 4 años), pues siente que su mundo se reduce en ese entorno. Un incidente en la escuela donde trabaja pone en riesgo sus planes de traslado a Estambul a donde aspira volver.

El hastío e inconformidad del profesor se reflejan en las relaciones con sus alumnos y en el trato con sus colegas cuyas conversaciones considera banales. Este ambiente, junto con las precarias condiciones de la comunidad donde vive exacerba el resentimiento de Samet, quien avizora sombrías perspectivas para su futuro.

El trato preferencial a una de sus alumnas de 14 años, las conversaciones y los regalos por parte de Samet, generan en ella la ilusión de un romance que al no concretarse la llevan a denunciar este comportamiento como inadecuado y lo pone en apuros con sus superiores. Las pocas oportunidades de tener contacto con personas que él pueda considerar a su altura, surgen cuando conoce a una maestra que llega de la capital, Nuray, quien se convierte en sujeto de rivalidad con su compañero de vivienda, Kenan, otro colega de la escuela.

Las reflexiones que surgen en este cerrado ambiente exponen la situación de Samet para tratar de encontrar respuestas en un mundo exterior donde siempre las busca. Es destacable la conversación sostenida entre Samet y Nuray, quien confronta las expectativas del profesor y cuestiona su posición frente a su futuro pretendiendo que el traslado que tanto espera será la solución a todos sus problemas, olvidando que estos lo acompañarán a donde quiera que él vaya.

Como nos tiene acostumbrados este director, las tomas de los paisajes rurales turcos son bellísimas, así como la dureza y soledad que refleja el invierno en estas zonas. Los planos de las caminatas en la nieve, así como las fotografías de sus habitantes, afición que practica Samet, se nos presentan una a una y son para destacar. Hay que recordar que el director también es fotógrafo y es evidente la importancia que da a este arte en sus cintas.

Es una película con 3 horas de duración que por momentos se tornan excesivas, pero que de todas maneras están llenas de buenos diálogos y de una profunda belleza.

Esta película se puede ver en Apple TV plus, Disney Plus, Amazon prime, Movistar Plus.

Del director: Nury Bilge Ceylan es fotógrafo, actor, guionista y director de cine nacido en Turquía en 1959. Ha ganado premios en varios festivales. Otras de sus películas “Sueño de invierno”, “Uzak”, “Erase una vez en Anatolia”, “Tres monos”, “El peral silvestre”.

EL MONJE Y EL RIFLE

Director: Pawo Choyning Dorji

País: Bután

Año: 2023

Reparto: Harry Einhorn, Tandin Wangchuk, Tandin Phubz, Choeying Jatsho, Deki Lhamo, Tandin Sonam, Perma Zangmo Sherpa

Esta película se enfoca en un momento de la historia reciente del reino de Bután cuando la monarquía delegó las funciones de gobierno en mandatarios elegidos por voto popular. Este hecho ocurrió en 2008, año en el cual se aprobó la monarquía constitucional democrática, donde el rey es jefe del estado y el poder ejecutivo se ejerce en el gabinete y en los entes locales.

La película tiene como escenario un pueblo de las montañas y desarrolla dos historias paralelas. Una, la de las elecciones y la pedagogía para enseñar a sus habitantes a votar por vez primera. La otra, la de la llegada de un estadounidense en busca de un rifle de colección que pretende encontrar en esas tierras.

La llegada de la democracia es un hecho inédito para una población inmersa en sus asuntos rurales cotidianos donde la figura del rey es aceptada y venerada y se ve muy lejos de sus asuntos mundanos. La posibilidad de elegir y ser elegido saca a relucir las ambiciones de quienes quieren llegar a gobernar y crea divisiones entre la comunidad y dentro de las mismas familias.

Por otro lado, la búsqueda de un rifle por parte del norteamericano es apoyada por un joven de la ciudad quien viaja hasta el pueblo indagando por el arma, ya que su venta puede generarle una comisión a él y una gran ganancia al comprador.

Estos dos hechos confluyen el día señalado para las votaciones, en un acto presidido por el Lama del pueblo (en quien todo el pueblo deposita su fervor y confianza), con el objetivo de pacificar los espíritus de la ambición y de la guerra que flotan en el ambiente.

Una película que, a partir de nuestra mirada occidental, en medio de la belleza de sus paisajes, sus gentes y con un buen sentido del humor, revela cierta ingenuidad, pero al tiempo retrata situaciones que pueden permear cualquier cultura aún aquellas menos contaminadas que la nuestra.

Al igual que en “Lunana”, del mismo director (reseñada en este blog, http://dardoalinfinito.blogspot.com/2022/07/lunana-y-un-heroe.html?m=1) donde se apreciaba la vida rural en pueblos alejados de las montañas de Bután y cuyo acceso requiere de varios días se resaltan los preciosos relieves de este país situado en el sur de Asia, en la vertiente del Himalaya oriental.

Esta película se puede ver en Apple TV Plus, Disney Plus, Amazon prime video, Movistar Plus.

Del director: Pawo Choyning Dorji es un cineasta y fotógrafo butanés, nacido en 1983. “Lunana” fue su primera película, por la cual fue nominado en los premios Oscar en la categoría de mejor película internacional. Es autor de varios libros de ensayo de fotografía.

 

Mujeres cercadas por la violencia. Dos películas

Dos películas recientes, una mexicana y otra italiana, nos ofrecen dos perspectivas sobre la violencia de género a la cual están expuestas las mujeres. La primera devela la realidad del país americano frente a un problema que por su recurrencia se ha vuelto crónico, como es el de las desapariciones femeninas las cuales mantienen un alto grado de impunidad. La segunda cinta nos remite a los años posteriores a la segunda guerra mundial en Italia, a partir de las situaciones que vive una familia obrera, con un jefe de hogar machista y misógino, bastante presente en la cultura latina de estos años.

RUIDO

Directora: Natalia Beristáin Egurrola

País: México.

Año: 2022

Reparto: Julieta Egurrola, Teresa Ruiz, Pedro de Tavira, Arturo Beristáin, Adrián Vásquez

La pérdida de su hija, pocos días después de su graduación en la universidad, obliga a Julia a emprender una búsqueda afrontando los intrincados laberintos burocráticos de las dependencias gubernamentales mexicanas, donde no solo no dan razón de ella, sino que muestran poco interés por encontrarla y resolver el caso.

La hija de Julia salió de paseo con unas amigas para celebrar la culminación de sus estudios y nunca regresó. Ante la impotencia por la poca acción por parte de las autoridades, Julia decide indagar por su cuenta y se apoya primero, en una periodista que investiga casos de desapariciones y luego en las madres víctimas de situaciones semejantes, que han abordado por su cuenta la misma lucha para encontrar las pistas que permitan hallar a sus seres queridos.

En efecto, como si se tratara de un hecho normalizado dada la magnitud de las cifras de desaparecidos en México, grupos de madres realizan búsquedas conjuntas en terrenos de poblaciones donde estos hechos tienen mayor ocurrencia, encontrando tumbas colectivas, lugares que sirvieron de paso para la trata de mujeres o para la prostitución.

En este recorrido Julia alcanza a entender la dimensión del problema y encuentra en la solidaridad de otras mujeres las fuerzas para continuar con su propósito. Las amenazas a ella y a la periodista que le acompaña son la respuesta de grupos que no quieren que esas realidades salgan a la luz, que tienen un poder que desborda las capacidades del estado o que tienen cooptadas a sus autoridades.

Al final, Julia da con el individuo clave que le revela las “razones” que llevaron al grupo responsable, a cometer el asesinato de su hija, después de violarla. La decisión de Julia después de ver la infamia de su propia situación, así como la de muchas jóvenes y madres en su país, la compromete en una batalla al lado de aquellas mujeres que denuncian y que piden al gobierno soluciones para que esos temas no queden literalmente enterrados.

Una actuación muy buena de Julieta Egurrola, una denuncia de la desidia de las autoridades de México y de la corrupción rampante, y una esperanza por la actitud solidaria de quienes siguen poniendo el empeño en visualizar un problema mayúsculo.

En México, desde 1964, año a partir del cual se tienen registros y hasta el año 2023, han desaparecido 110.000 personas. Sin embargo, y esto es lo llamativo, el 90% de dichas desapariciones ocurrieron después del 2006 y en ese grupo el 24% correspondieron a mujeres, concentradas en edades entre los 10 y los 19 años. La respuesta del gobierno ha sido poco efectiva e insuficiente. Las razones de esta situación en el caso de las mujeres obedecen a esclavitud sexual, prostitución infantil, trabajo forzado, informantes de grupos ilegales o utilización como mercancía de intercambio. Películas como “Ruido” permiten dar a conocer y poner los focos en esta problemática, sin que esta denuncia demerite sus virtudes artísticas.

De la directora: Natalia Beristáin Egurrola, nacida en ciudad de México en 1981, es una directora, documentalista, productora ejecutiva egresada del centro de capacitación cinematográfica de México. Otras de sus películas: “No quiero dormir sola”, “Los adioses”. Se ha hecho acreedora a varios premios en su país por sus notables filmes.

Esta película se puede ver en Netflix.

SIEMPRE NOS QUEDARÁ MAÑANA

Directora: Paola Cortellesi

País: Italia

Año: 2023

Reparto: Paola Cortellesi, Romana Maggiora, Valerio Mastandrea, Emanuela Fanelli, Francesco Centorame, Vinicio Marchioni.

Esta cinta, ambientada en la Italia de 1949, es filmada en blanco y negro, con una escenografía similar a la que podemos apreciar en las películas del neorrealismo italiano que retrataba con gran veracidad los años de pobreza, privaciones y los traumas que vinieron con la finalización de la segunda guerra mundial. La historia está contada a partir de las vivencias de una familia de clase obrera con un padre machista y maltratador, quien convive con su papá, su esposa Delia, una hija joven y dos hijos menores.

Mientras que Delia rebusca ingresos con oficios diversos como la aplicación de inyecciones, la reparación de ropa interior, el arreglo de sombrillas, el lavado de ropa, pero además debe cuidar de su casa debe hacerse cargo de la alimentación de la familia y del cuidado de sus hijos. Ninguna de estas labores es reconocida por su esposo quien la insulta por inútil y por no obtener dinero adicional. Solo una ilusión vino a iluminar la vida de Delia: la expectativa del matrimonio de su hija con el primogénito de una familia pudiente del barrio, dueña de una cafetería.

A escondidas de su esposo, Delia ha podido ahorrar para el traje de novia de su hija y sueña con que ella pueda tener una vida diferente a la suya. Sin embargo, un hecho casual en la relación de la joven pareja la hace dudar de que el sueño que tiene para su hija pueda llevarla a ser feliz y por ello decide cambiar el rumbo de los acontecimientos. En complicidad con un soldado americano (quien forma parte del grupo de militares que realiza custodia en el país de los vencidos), con el que ha trabado amistad, ponen en marcha un plan secreto. La resolución de este asunto, que termina siendo cómico por lo absurdo, es uno de los varios aportes que dan frescura a la película junto con otros que son abordados de manera poco convencional, como las escenas de baile de la pareja para mostrar las agresiones del esposo a Delia o la música que acompaña algunos otros momentos.

Una historia muy bien contada, con un guiño en la última parte que nos hace creer que Delia busca huir de su situación, pero que finalmente alcanza a rescatar un mensaje sobre el inicio de un futuro liberador para las mujeres que han sido maltratadas, olvidadas y subestimadas. Es el principio de una nueva era, en una sociedad que solo ha visto a las mujeres como procreadoras y esclavas de las labores domésticas.

Buenas actuaciones, escenografías de época muy bien logradas y una historia de opresión a la mujer que sin embargo termina con una mirada esperanzadora sobre el futuro que abrió para las generaciones posteriores el reclamo por sus derechos civiles.

Para la directora “esta película es un homenaje a las historias que me contaron mis abuelas, quienes fueron testigos en sus patios de muchas mujeres maltratadas por sus maridos, que se creían sus dueños”.

De la directora: Paola Cortellesi nacida en Roma en 1973, es una actriz, guionista, imitadora, cantante y directora italiana. Esta película, “siempre nos quedará mañana”, su ópera prima, tuvo más de 6 millones de espectadores en su país.

Esta película se puede ver en Amazon Prime o Disney Plus. 

 

LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD

Director: Matt Brown

País: Reino Unido

Año: 2023

Reparto: Anthony Hopkins, Mattew Goode, Jodi Balfour, Liv Lis Fries

“Todo lo que vemos o parecemos no es más que un sueño dentro de un sueño” Edgar Alan Poe, citado por Freud.

Es el año de 1939 en Londres y las noticias que se transmiten por radio se refieren a la invasión de Hitler a Polonia hace apenas dos días. Se concentran todas las expectativas en la posición que afrontará Inglaterra en medio del conflicto que la amenaza. Son los inicios de la Segunda Guerra Mundial.

Sigmund Freud, el médico creador del sicoanálisis, ha salido de Viena en donde residía huyendo de la persecución Nazi a los judíos, junto con su hija Anna, en búsqueda de un refugio seguro en Londres. El aviso definitivo para abandonar Austria fue el encarcelamiento por 12 horas de Anna, quien decidió tomar el lugar de su padre cuando iba a ser conducido a la cárcel por la Gestapo, a pesar de su enfermedad.

En este contexto se desarrolla la película, la cual transcurre en un día, durante la visita del académico de Oxford, el profesor C S Lewis a la casa donde reside Freud en Londres después de su huída. La cinta está basada en la obra de teatro homónima de Mark St Germain, a su vez basada en el libro “La cuestión de Dios” de Armand Nicholi. Aunque la película se enfoca en la conversación de Freud y Lewis, nos va llevando mediante flashback al pasado, con los recuerdos que uno y otro personaje evocan durante su encuentro.

C S Lewis fue un apologista cristiano después de haber sido ateo y eran famosas sus charlas sobre cristianismo. Sigmund Freud era un incrédulo. Precisamente las posiciones encontradas de dos hombres cultos y con poderosos argumentos sobre la religión y la existencia, están en el corazón de este filme. Por la profundidad de las discusiones vale la pena destacar temas y puntos de vista allí confrontados.

La charla se lleva a cabo en un momento crítico de la salud de Freud, quien padecía un cáncer de paladar, causa de su muerte solo tres semanas después. Los dolores producidos por su enfermedad lo hicieron adicto a la morfina y a demandar la atención permanente de su hija Anna con quien convivía.

Sobre Dios y la religión.

“Amemos a nuestro prójimo como a ti mismo, que imposibilidad tan maravillosamente simple e imbécil”. “Ponga la otra mejilla… por favor” le dice Freud a Lewis. “La religión hizo del mundo nuestra guardería, un pequeño corralito. Maduren ya”.

En la discusión sobre este tema C S Lewis le dice a Freud que su posición parece sugerir que sufre de una neurosis obsesiva y el otro responde que simplemente le está desafiando su creencia en la incredulidad.

Freud pregunta a Lewis si fueron sus padres quienes le inyectaron el cuento de hadas de la fe, lo cual da pie a que este último hable sobre su infancia, la muerte de su madre a los 10 años y la tristeza que este hecho produjo en su padre al punto que él y su hermano fueron enviados desde Irlanda, donde vivían, a un internado en Inglaterra. Freud le dice que precisamente la ausencia del padre fue el motivo que lo llevó a buscar una figura paterna divina.

A su vez Freud se refiere a su propia niñez y manifiesta que sentía el anhelo de caminar en el bosque, buscar la oscuridad y que eso le permitía estar en paz consigo mismo. Su padre fue severo y él estuvo más cerca de su niñera quien era católica. Lewis le contesta entonces a Freud que la decepción que manifiesta con su padre lo obliga a negar a Dios. “El deseo de que Dios no existe puede ser tan poderoso como la creencia de que existe”, le argumenta.

Cuando hablan sobre Cristo, Freud sostiene que fue un hombre como Mahoma o como Buda, pero niega su condición de Dios y afirma que muchos de sus pacientes decían ser cristo y que por ello no estaba obligado a tomárselos en serio.

Sobre Anna, la hija de Freud

Anna, la hija de Freud, una siquiatra y académica, mantiene con su padre una relación de codependencia. Anna fue paciente de su padre en el sicoanálisis. El jefe de ella en la universidad donde imparte clases, le manifiesta que idolatrar a los padres después de la adolescencia no es una virtud, es una compulsión. Freud sostiene una posición egoísta con su hija, manifiesta que Anna y él acordaron que ella no consideraría una relación sentimental hasta que ambos sintieran que era la adecuada.

Freud y Lewis hablan sobre la homosexualidad, habida cuenta que Anna tiene su pareja, Dorothy, también siquiatra, con quien viajó desde Viena. Freud sostiene que la homosexualidad no es inmoral, sin embargo, le cuesta aceptar esa condición de su hija y sostiene que el lesbianismo tiene su origen en el padre. Dice que el sicoanálisis se relaciona inherentemente con lo sexual. Lewis le dice a Freud que le parece terriblemente egoísta -refiriéndose a Anna- cuando antepone su dolor por encima del dolor de los demás.

Cuando abordan el tema de las relaciones Lewis confiesa su amorío con la madre de un compañero del ejército que resultó muerto cuando ambos prestaban el servicio militar durante la primera guerra mundial, pero no amplía los detalles. Freud dice, a propósito del tema, que considera más interesante lo que la gente no llega a decirle que lo que dicen.

Sobre el sufrimiento

Lewis dice que el sufrimiento es culpa del hombre a lo que Freud refuta: entonces, ¿yo provoqué mi propio cáncer? Si Dios es bueno haría a todos los hombres felices, pero no lo somos, entonces Dios carece de bondad o de poder, argumenta. A lo que Lewis responde: ¿Y si Dios quiere perfeccionarnos a través del sufrimiento? Hacernos comprender que la verdadera felicidad proviene de él. Freud habla entonces de la muerte de su hija, a la edad de 27 años por la gripe española, y de la muerte de su nieto a los 5 años por causa de la tuberculosis y entonces cuestiona: hay tanto dolor en este mundo y ¿es ese el plan de Dios?

Usted cree en la revelación. Yo creo en la ciencia. Todos nos escondemos detrás de la ignorancia, concluye Freud.

La conversación termina cuando Freud le dice a Lewis “la muerte es tan injusta como la vida. Todos somos cobardes ante la muerte”.

Esta película es exigente por la conversación densa entre estos dos personajes, interpretados de manera magistral por el reconocido Anthony Hopkins, como Freud y por Mattew Goode, como C S Lewis. El formato narrativo de la película se corresponde en mucho al del teatro y se privilegia la conversación por encima del montaje escénico.

Algunos aspectos curiosos de la película.

En la cinta se ambienta la casa de Londres donde vivió Anna hasta su muerte, la cual fue posteriormente convertida en museo.

Anthony Hopkins a sus 85 años personificó a Freud. Según el director Matt Brown memorizaba 6 páginas del guión al día que luego interpretaba sin apoyos frente a la cámara. Una composición musical de Anthony Hopkins cierra la película.

Anna Freud hizo importantes aportes a la siquiatría infantil, no tan visibles por la sombra de su padre los cuales son señalados marginalmente en la cinta.

C S Lewis escribió libros y ensayos que exploran la temática cristiana y sin embargo fue posteriormente reconocido por sus obras de ficción, especialmente por la saga de “Las crónicas de Narnia”.

Del director: Matt Brown nació en Boston, EEUU, en 1979. Es guionista y director de cine. Otras de sus películas son: “El hombre que conocía el infinito”, “London Town”, “Ropewalk”.

Esta película se puede ver en Claro, Apple TV, Amazon Prime, Google Play

CINE IRANÍ - 3 PELÍCULAS RECIENTES

Varios y muy talentosos directores de cine se destacan en Irán. Basta mencionar algunos con cintas que han reflejado la situación de las mujeres en su país como es el caso de Marjane Satrapi, recientemente galardonada con el premio príncipe de Asturias de comunicación y humanidades, y quien nos deleitó con su bella película “Persépolis”. Asghar Farhadi, con películas sobre las relaciones de pareja en la cultura de Irán mostradas en “Una separación” y en “El cliente”. Abbas Kiorostami con esa bella oda a la amistad infantil expuesta en el filme “Donde está la casa de mi amigo”, o aquella reflexión sobre la muerte que podemos apreciar en “El sabor de las cerezas”. Barman Ghobadi, con esa película sobre la búsqueda de minas en campos de guerra por parte de niños víctimas del conflicto entre Irán e Irak en “Las tortugas también vuelan”, o el contrabando ejercido por los kurdos cruzando peligros para sobrevivir en “Los caballos borrachos”. Mohammad Rasoulof con “La vida de los demás” donde retrata la vida simple de un padre de familia quien paralelamente ejerce como verdugo de los condenados a muerte, o la corrupción a la que se resigna en “Un hombre íntegro”. Esto por mencionar algunos talentos artísticos de esa maravillosa cultura persa.

Irán, un régimen teocrático, mantiene una política represiva contra las mujeres y contra las libres manifestaciones artísticas. Vale recordar que en el festival de Cannes de este 2024, celebrado en mayo, el director Mohammad Rasoulof quien huyó de su país después de estar en prisión por apoyar la revuelta de las mujeres en 2022 y quien enfrenta una nueva sentencia condenatoria, se convirtió en un símbolo de resistencia con su última película “La semilla del higo sagrado” donde muestra su rechazo ante la muerte de Masha Amini tras ser detenida por no llevar el hijab (velo). Muchos otros directores iraníes han sido perseguidos por el gobierno y han emigrado para seguir haciendo cine desde fuera de sus fronteras; por ello, entre otras cosas, es tan valiosa su labor.

Como manifestaba Rasoulof “Irán tiene muchísimos directores talentosos que pueden luchar contra la censura y encontrar su propia voz, más allá de las restricciones…” “Deberíamos preguntarnos… ¿por qué el régimen iraní está tan preocupado de que la gente cuente historias, de que hagan películas?”

Las películas que a continuación reseño son recientes: “Holy Spider”, “Los hermanos de Leyla” y “Fremont”.

HOLY SPIDER

Director: Ali Abbasi

País: Dinamarca

Año: 2022

Reparto: Zar Amir-Ebrahimi, Mendivil Bajestani, Arash Ashtiani, Forouzan Jamshidnejad

En la ciudad santa de Mashdad, en Irán, lugar de peregrinación para los chiitas localizada a 850 km de Teherán, un hombre se dedica a matar prostitutas, con el propósito según él, de “limpiar la ciudad”.

Ante la inacción por parte de la policía para investigar los 16 asesinatos, una reportera pone en riesgo su vida disfrazándose de prostituta hasta desenmascarar al asesino. Frente a la sentencia de muerte al culpable, muchos miembros de la sociedad buscan salvarlo pues justifican su labor y hasta lo consideran un héroe.

Una película que desvela la mentalidad machista, aún de las mujeres, y la doble moral que acompaña a quienes se erigen como salvadores por acabar con vidas que consideran “desechables”, dados sus estrictos códigos morales y religiosos. La cinta está basada en el caso real de un asesino en serie de trabajadoras sexuales por considerarlas impuras, apodado “el asesino de las arañas”, arrestado en 2001 en Irán.

La protagonista Zar Amir Ebrahimi, quien caracteriza a Rahimi, se llevó el premio a la mejor interpretación femenina en el festival de Cannes en 2022.

Esta película se puede ver en Netflix.

Del director: Ali Abbasi nació en 1981 en Teherán. Se nacionalizó en Dinamarca. Es graduado en artes de la escuela nacional de cine de Dinamarca. Otras películas suyas son: “Shelley”, “Border”, con la cual ganó en Cannes en 2018 en la categoría de “una cierta mirada”.

LOS HERMANOS DE LEYLA

Director: Saeed Roustayi

País: Irán

Año: 2022

Reparto: Taraneh Alidoosti, Saeed Poursamimi, Navid Mohammadzadeh, Peyman Moaadi

Leyla, una mujer soltera de 40 años, vive con sus padres octogenarios y con cuatro hermanos más. La familia atraviesa por una difícil situación financiera, que no es reciente, pues todos ellos dependen del sueldo de Leyla, la pensión del padre y los trabajos precarios de los demás hermanos.

Leyla es la más pragmática de la familia y se enfoca en buscar soluciones a la dramática situación ecónomica, por lo cual propone la compra de un local en un centro comercial, con perspectivas de valorización, para montar allí un negocio familiar. Cada uno de los hermanos aporta para dicho propósito.

Por otro lado, el padre de Leyla, Esmail, quien vive apegado a la tradición iraní, es tentado para convertirse en patriarca de su clan, un gran honor persa. La ceremonia de unción respectiva, es programada durante la fiesta de boda de uno de sus parientes ricos y según la costumbre es el escenario donde el nuevo patriarca debe dar el primer regalo a los novios, con un valor que debe ser superior a cualquiera otro de los ofrecidos por los invitados. Esmail decide que debe entregar 40 monedas de oro, lo cual es rechazado por Leyla quien, a escondidas de todos, toma una resolución que avergüenza a la familia. Frente a las recriminaciones de su padre, su madre y sus hermanos debe honrar la palabra de su padre y por tanto deshacer el negocio planteado con el local.

Cuando quieren comprar nuevamente las monedas de oro para desagraviar a quienes ofendieron, el oro ha subido de precio y no pueden cumplir con lo prometido. Al final, para tristeza de Leyla, todos vuelven a la condición de pobreza de la que ella en vano los ha querido sacar.

Una película que muestra unas tradiciones arraigadas por mantener un estatus social, aparentando muchas veces lo que no se tiene, una lucha por el honor, una sociedad patriarcal donde el papel de la mujer queda relegado así se demuestre que tiene las capacidades para tomar decisiones.

Grandes actuaciones y un muy buen guión, donde resaltan las conversaciones familiares, en un recorrido bastante largo de 165 minutos de duración. Esta película fue seleccionada para competir por la palma de oro en Cannes en 2022.

Esta película se puede ver en Google Play o gratis en esta dirección

https://m.ok.ru/video/5394118740565

Del director: Saeed Roustayi es un director, guionista y productor iraní, nacido en 1989. Se graduó en dirección de cine y televisión. En agosto de 2023 el tribunal revolucionario islámico lo condenó a 6 meses de prisión por presentar la película “los hermanos de Leyla” en Cannes. Debió cumplir 9 días de su condena y un período suspendido de 5 años. Otras películas suyas son: “La vida y un día”, “Solo 6.5”.

 

FREMONT

Director: Babak Jalali

País: Estados Unidos

Año: 2023

Reparto: Anaita Wali Zada, Gregg Turkington, Jeremy Allen White

En esta cinta, rodada en blanco y negro, una traductora que ejercía su oficio para el ejército de Estados Unidos en Afganistán, emigra y se va a vivir a San Francisco, en un barrio donde convive una importante colonia de compatriotas. Su trabajo actual en una fábrica de galletas de la fortuna sufre un cambio al momento de morirse la autora de las célebres frases que van dentro de la galleta y ella es designada para reemplazarla.

Este nuevo trabajo le da la oportunidad de salir del encierro al cual vive condenada, en una rutina que va de su trabajo a la pequeña habitación que le sirve como casa. Al tiempo que visita al sicólogo para que le ayude a superar sus problemas de sueño, decide jugar al azar incluyendo en una de las galletas su número telefónico y su nombre.

Aunque el desarrollo siguiente es un poco forzado, la película nos permite acercarnos a las angustias y depresiones de quien vive lejos de su país, obligado a huir de él para evitar la cárcel o la muerte. En el caso de Afganistán la situación se radicaliza ante la llegada al poder de grupos extremistas que sin miramientos condenan a quien no haya estado con ellos, o, como en este caso, hubiese trabajado para quien consideran su “enemigo”.

Muy buena actuación de Anaita Wali, con pocos diálogos y profundos silencios que se detienen en primeros planos de un rostro que lo dice todo.

“Fremont” ganó el premio Jhon Cassavetes en los independent Spirit awards 2024.

Esta película se puede ver en Google Play.

Del director: Babak Jalali nació en Gorgan, Irán en 1978. Creció en Londres. Es un director y escritor. Otras películas suyas son: “Heydar, un afgano en Teherán”, “Frontier Blues”, “Land”, “Radio dreams”, ganadora esta última del máximo premio en el festival de Rotterdam.