VIVIR

Es muy llamativo que alrededor de esta película de 2022, adaptación de la exitosa cinta del mismo nombre de 1952, se convoquen nombres tan importantes del cine y de la literatura tal como veremos a continuación.

El origen de las dos películas mencionadas se encuentra en el libro “La muerte de Ivan Ilich” del reconocido y admirado autor ruso León Tolstoi, quien continúa teniendo, después de un siglo, enorme vigencia. La novela refiere la historia de Iván Ilich, un abogado vinculado con el servicio público, quien desarrolló su carrera como miembro del tribunal de justicia y contrajo, siendo muy joven, un matrimonio formal del que muy pronto se aburrió. Tolstoi nos recrea la vida del burócrata que se acomoda y cuyos esfuerzos se limitan a mantener su puesto, con poca preocupación del servicio a los ciudadanos: “había hecho la carrera propia de individuos que, aunque notoriamente incapaces para desempeñar cargos importantes, no pueden ser despedidos a causa de sus muchos años de servicio”. Al tiempo, el autor hace referencia a los sinsabores de la relación con su esposa: “…comprendió que la vida conyugal, si bien ofrecía algunas comodidades, era, en suma, bastante complicada y difícil”. El punto de inflexión de la narración se presenta cuando Iván se enfrenta a una enfermedad que lo va mermando y lo conduce a ser consciente de su propia muerte.

Las reflexiones alrededor de la forma en la cual vivió Iván, lo cuestionan: “Quizá haya vivido como no debía… ¿cómo es posible, cuando lo hacía todo como era menester?” “Si abandono la vida, la conciencia de que eché a perder cuanto me fue dado y de que ningún medio hay para remediarlo, ¿Qué significa esto?”. Paralelamente el autor nos remite a la situación en su oficina cuando los subalternos se enteran de la enfermedad de Iván y surgen las mayores preocupaciones sobre quien ocupará la vacante que vaya a dejar o acerca de cómo se ha de mover la cadena de ascensos y las expectativas alrededor de esta situación: “El sencillo hecho de enterarse de la muerte de un allegado suscitaba en los presentes, como siempre ocurre, una sensación de complacencia, a saber: “el muerto es él; no soy yo””.

El autor concluye su novela con el entierro del protagonista, pero a lo largo del libro la inminencia de su muerte sirve de excusa para resaltar ese balance que hace sobre su vida y para describir los pensamientos tanto de familiares como de compañeros de trabajo alrededor de un personaje que no dejó grandes huellas en ellos.

Esta introducción sobre el libro, cuya lectura vale la pena, sirve para entender la construcción del guión en las dos películas mencionadas. Ambas se centran en la persona del protagonista más que en su vida conyugal, puesto que se le trata en ellas como un viudo que ha quedado a cargo de su hijo. Ambas dan relevancia al hecho de hacer conciencia sobre la muerte ante la realidad de una enfermedad terminal. En los dos casos se apela a una última acción a favor de la comunidad con la cual el protagonista busca redimirse de su desidia por años en el servicio público.

“Vivir”, la película de Akira Kurosawa (1952) es considerada una obra maestra del cine japonés. La película incluye una voz en off y flash back que nos dan cuenta de la tragedia de Watanabe, su protagonista, interpretado por Takashi Shimura (actor icónico de este director). Es una cinta en blanco y negro que recurre a primeros planos que reflejan las emociones de este burócrata que siente que ha pasado sin relevancia por la vida, “hace 25 años está muerto”, “no quiere que se den cuenta que pueden vivir sin mí” un chiste que hace alguien en la oficina pero que lo identifica a él. Es característico así mismo el juego de luces y sombras de este director en las diferentes escenas. Watanabe quiere entender de lo que se perdió en la vida y busca la manera de relajarse y divertirse con un escritor al que encuentra en un bar pidiéndole que le enseñe a disfrutar. Igualmente busca la compañía de una joven colaboradora de su oficina, en quien ve la vitalidad y las ansias de goce que a él le han faltado. A través de estas relaciones se desarrollan los diálogos más profundos de la película y a los cuales el director les da mayor importancia.

Por otra parte, la película del mismo nombre “Vivir” (o Living) de 2022, basada como se dijo en el filme de Kurosawa, está dirigida por el Sudafricano Oliver Hermanus y su guión fue escrito por el premio Nobel Kasuo Ishiguro, británico de origen japonés. Aunque conserva muchos de los aspectos fundamentales de la película anterior, está, a mi modo de ver, más centrada en los acontecimientos que en las reflexiones mostrando aspectos cotidianos de la vida de Williams su protagonista, interpretado por un destacado Bill Nighy. Destaca la relación fría con su hijo y con los compañeros de trabajo y la amistad que encuentra al final de sus días con la colaboradora que de él dependía. En esta cinta se da más espacio a la solicitud que hace la comunidad de un parque para el barrio, la cual debe tener la aprobación de la oficina de Williams y de otras instancias gubernamentales y a los esfuerzos que éste hace al final de sus días para lograrlo, a pesar de los trámites a los que debe someterse. Dicho propósito contrasta con la pasiva actitud que por años tuvo Williams con reclamaciones similares.

Hay coincidencias en los finales de las dos películas que tratan de reivindicar una acción positiva que permitió morir en paz a su protagonista y con la escena de la velación donde los compañeros destacan el cambio de actitud que tuvo su jefe, dándole diferentes interpretaciones. En la última parte ambas muestran a los funcionarios con los cuales trabajaron sus protagonistas, asumiendo el compromiso de laborar con más conciencia y con el propósito de resolver los problemas de los ciudadanos, lo que parece muy esperanzador, pero de los que muy pronto, como se ve en el remate, todos se olvidan.

Una y otra película, la de 1952 y la de 2022 conservan el espíritu de la novela de León Tolstoi, sobre todo porque hacen evidente el espejo en el cual nos tendremos que ver reflejados cuando enfrentemos el final de nuestras vidas y surjan las reflexiones sobre lo que hicimos durante ella. Creo, sin embargo, que la película de Kurosawa difícilmente podrá ser superada no solo por la profundidad de sus diálogos sino por la técnica impecable con la que fue rodada.

La película “Vivir” de Akira Kurosawa se puede buscar en Google como ok.ru+vivir+Akira Kurosawa.

La película “Living” de Oliver Hermanus se puede ver en la plataforma de Apple TV

El libro “La muerte de Iván Ilich” se puede leer en esta dirección: https://ciudadseva.com  en donde además se pueden encontrar otros cuentos del autor así como de otros autores clásicos.

 

CLOSE

Director: Lukas Dhont

País: Bélgica

Año: 2022

Reparto: Eden Dambrine, Gustav De Waele, Emilie Dequenne

Leo y Remi son dos adolescentes, amigos entrañables que disfrutan de su mutua compañía y comparten gustos comunes como los recorridos en bicicleta, correr por el campo, explorar las casas abandonadas o recrearse con los ensayos de Remi, quien es músico, con el oboe. Viven en un pueblo belga en el campo, con sus respectivas familias.

El inicio de clases en la escuela secundaria cambia el ambiente que ambos disfrutaban. El mantenerse unidos para todas las actividades crea suspicacias dentro de los compañeros de clase quienes empiezan a cuestionar su relación asumiendo que son pareja y los tildan de niñas, de maricas, de flojos. Mientras que Remi no se siente afectado por la situación, a Leo le resulta insoportable. Como reacción a esta presión, este último decide rehuir la compañía de su amigo y así mismo dedicarse a un deporte más “varonil” como el hockey sobre hielo, por lo cual empieza a entrenar con el equipo de la escuela.

El mundo que juntos habían creado, de juegos, de hobbies e incluso de acercamiento con la familia de Remi, donde Leo comía y dormía con frecuencia, se derrumba y es ahora Remi quien lo resiente profundamente pues se da cuenta que la amistad empieza a romperse. Nada vuelve a ser igual entre este par de amigos.

La inesperada decisión que toma Remi cambia el curso de los acontecimientos y la tranquilidad de Leo desaparece, pues se siente culpable por la resolución de su amigo, pero es incapaz de compartir sus pensamientos con sus compañeros y mucho menos con sus profesores.

El día que Leo toma la iniciativa de visitar a la madre de Remi y le expresa su responsabilidad por lo que entiende como la causa de la dura medida que tomó su amigo, así como la culpabilidad que siente, empieza a desahogar sus angustias y lo obliga a entrar en el mundo adulto, con las cargas que ello supone.

Esta historia es contada a partir de los sentimientos de los adolescentes, cuando la exploración sexual apenas asoma y no hay certeza sobre las verdaderas inclinaciones, sólo dudas. La película nos lleva a reflexionar sobre la incidencia del bullying en los jóvenes y el perjuicio en el comportamiento que los vuelve temerosos y terminan, en muchas ocasiones, acomodándose a lo que los demás esperan de ellos por el deseo de agradar y pertenecer al grupo y por el miedo a ser marginados. Adicionalmente la cinta pone de relieve lo que se oculta al interior de las familias por el recelo de sus miembros a ser rechazados.

Además del tema, resulta muy relevante la forma como el director lo asume de una manera sutil y delicada. Se concentra bastante en los primeros planos de sus dos protagonistas para transmitir sus emociones a través de sus miradas, sus lágrimas, sus sonrisas, sin necesidad de recurrir a muchos diálogos. Solo al final del filme aparecen los adultos.

La fotografía es de una gran belleza, y como lo expresa el director en varias entrevistas, buscó adrede contrastar los hermosos campos en donde la familia de Remi cultiva flores y que sirven de escenario para los juegos de los protagonistas, con las escenas en el hielo del campo de hockey y la brutalidad de este deporte en la segunda parte.

El guion de esta cinta está basado en el libro “Deep secrets” de la sicóloga Niobe Way donde encuesta a jóvenes entre 13 y 18 años y destaca como va cambiando su concepción de la amistad a medida que crecen y sobre todo su forma de expresarla y manifestarla. En palabras del director “La masculinidad también debería ser replanteada porque es la consecuencia tóxica de unas relaciones humanas mal planteadas que abocan necesariamente a la ruptura: la ruptura con los demás y mucho más importante, la ruptura con uno mismo”.

Del director: Lukas Dhont es un joven director belga (nació en 1991). Su primera película “Girl” ganó el premio en Cannes en 2018 a la ópera prima. “Close” fue nominada a mejor película internacional en los premios Oscar 2023 y recibió, entre otros, el gran premio del jurado de Cannes en 2022.

"Close" se puede ven en la plataforma MUBI

 

 

  

Dos películas sobre las energías limpias y su incidencia en España

 

Dos directores que han realizado películas de enorme sensibilidad y con temas de actualidad, incursionan esta vez sobre asuntos que exponen las consecuencias de la llegada de las energías limpias para las poblaciones comprometidas, que sin cuestionar el progreso y avance que significan, modifican el entorno de quienes allí viven. En un caso como el de “As Bestas” por la instalación de antenas eólicas, que convierten la energía cinética del viento en energía eléctrica y en el relacionado con “Alcarrás” mediante los paneles solares, que convierten la luz solar en electricidad. Cualquier cambio, así sea con el loable propósito de preservar el medio ambiente, de gran apoyo para la mayoría, trae contrariedades para otros.

Rodrigo Sorogoyen es un director y guionista nacido en Madrid en 1981 (42 años), reconocido por películas como “El reino”, una denuncia a la corrupción política en España, o “La madre”, sobre el sufrimiento de una mujer a causa de la desaparición de su hijo pequeño y su incansable búsqueda. Por “As Bestas” este director se hizo merecedor al premio Goya en 2023 a la mejor película.

Carla Simón por otro lado, también directora y guionista joven (36 años) nació en Barcelona y ha sido reconocida en sus dos largometrajes. Con uno de ellos, “Verano de 1993”, representó a su país en los premios Oscar haciendo un recuento de su propia infancia cuando perdió a sus padres a causa del sida y se fue a vivir con sus tíos al campo. El otro, “Alcarrás”, fue galardonado con el oso de oro de Berlín en 2022. Ambas películas fueron rodadas en catalán.

 

AS BESTAS (Las Bestias) *

Director: Rodrigo Sorogoyen

País: España

Año: 2022

Reparto: Luis Zahera, Denis Ménochet, Marina Fois, Diego Anida

Una pareja de franceses ha decidido dejar su país para vivir en el campo, en un pueblo de Galicia, España. Allí buscan reconstruir las casas que están dentro de su terreno, esperando que otras personas retornen al pueblo, el cual poco a poco ha sido abandonado.

El conflicto surge cuando inversionistas noruegos ofrecen comprar tierras en esta localidad para instalar antenas eólicas, debiendo para ello contar con la decisión unánime de sus habitantes. Antoine y Olga, la pareja de extranjeros, se oponen a este proyecto, al que consideran anti ecológico por la contaminación visual. Además, porque sus ahorros los destinaron en su totalidad a construir una vida tranquila allí.

Esta decisión causa indisposición en la comunidad, cuyos miembros también tienen aspiraciones distintas con la venta de su tierra. El director avanza con los diálogos para mostrar los puntos de vista de unos y otros y va creando una atmósfera cada vez más tensa, que anticipa el desenlace final.

Varias escenas a destacar. La del inicio de la película cuando se muestra el oficio de los aloitadores, cuya tradición consiste en una lucha cuerpo a cuerpo con caballos que viven en libertad, a quienes logran derribar tapándoles los ojos y forzándolos a caer agarrándoles la cola, con el propósito de raparlos, sanearlos y marcarlos. Esta escena magníficamente presentada en cámara lenta, la vemos reproducida posteriormente en la cinta, pero entre los hombres en conflicto que forcejean cuando se encuentran en el bosque. Otra escena interesante es la de la discusión en la taberna entre Antoine y su vecino Xan, su mayor opositor, cuando ambos dan a conocer su posición, defendiendo uno la convivencia con la naturaleza: “esta también es nuestra casa” y el otro reclamando su derecho a salir del lugar donde siente que enterró su vida: “llevas dos años aquí jugando a las granjas, yo llevo aquí 53 rompiéndome el lomo”. Así mismo es destacable el diálogo entre Antoine y Olga, su esposa, cuando ella le reclama si todo ese enfrentamiento que ha traído malestar a sus vidas está justificado.

Unos hermosos paisajes enmarcan las actuaciones destacadas de sus protagonistas, con un final dramático pero muy bien conducido cuando acompañamos a Olga en esa demostración de amor y lealtad en búsqueda de justicia y confrontando hasta su propia hija, quien le reclama por una lucha que considera estéril pero que terminará por entender.

*Rapa das Bestas es el nombre de una fiesta cultural que consiste en cortar las crines de los caballos que se realiza en los curros (recinto cerrado y con forma redonda), en Galicia.

ALCARRÁS

Directora: Carla Simón

País: España

Año: 2022

Reparto: Jordi Pujol, Albert Bosch, Xenia Roset, Anna Otín, Berta Pipó, Ainet Jounou

Una familia, los Solé, quien ha vivido por generaciones dedicada a cultivar la tierra ve alterada su rutina con la llegada a la población de Alcarrás (Cataluña) de las nuevas energías que se producen a través de los paneles solares, instalados en terrenos que antes estaban destinados a la agricultura.

En la finca viven los abuelos con su hijo Pinyol, la esposa de éste y sus 3 hijos, así como una hermana de Pinyol y su familia, cuya vida gira alrededor del cultivo de melocotones y de productos de pancoger.

La escena inicial sorprende a los niños pequeños quienes juegan al lado del lago y son alertados por el ruido de un bulldozer arrasando la tierra aledaña. Esta es una alarma más para Pinyol, quien es consciente del desarraigo que pronto tendrá su familia, dado que su padre tiene la propiedad solo de palabra, pues la escritura de la tierra nunca se firmó a su nombre. En efecto, había sido una promesa del dueño al abuelo Rogelio por haberlo protegido en los años de la guerra civil y salvado su vida escondiéndolo en el granero, pero que finalmente nunca concretó su escrituración.

La familia pretende seguir la vida normal que allí han tenido, pero se enfrentan aunque no lo quieran, a nuevas realidades. Las cosechas son pagadas a muy bajos precios en los supermercados, lo que es motivo de protestas entre los agricultores. Los recolectores, de quienes dependen para reunir su producto, son una población flotante de inmigrantes que no hablan el idioma, y quienes van de una finca a otra para conseguir su sustento. Los hijos adolescentes no pueden sustraerse a las tensiones pues ya entienden la problemática y sufren con la privación inminente de sus tierras. La hermana de Pinyol y su esposo han decidido aceptar la situación y empiezan a trabajar como obreros para la empresa de paneles. Todo ello genera conflictos entre los miembros de la familia de los que difícilmente pueden sustraerse.

La directora nos recrea paralelamente algunos momentos de relajación con escenas como las comidas familiares cuando todos tienen la ilusión de que pueden seguir juntos compartiendo su vida en el campo, o con las fiestas del pueblo, que reflejan las tradiciones propias del lugar de las que todos disfrutan.

En la medida en que se va haciendo inminente la salida de su tierra, se genera para Pinyol un estrés que no puede disimular y al cual también reaccionan sus hijos con actos de rebeldía. Pero poco se puede hacer para remediar esta situación. En la escena final, y sin hacer spoiler pues desde el inicio nos es anunciado el desenlace, la cámara recorre los rostros de cada uno de los miembros de la familia quienes miran con impotencia como sus cultivos terminan siendo arrasados para destinar la tierra a los nuevos proyectos.

Una película que retrata el enfrentamiento entre la tradición y el progreso a través del sentimiento nostálgico de una familia de campo que enfrenta la imposibilidad de luchar contra los nuevos tiempos.

 

PELICULAS NOMINADAS A LOS PREMIOS OSCAR (Parte II)

 

TAR

Director: Todd Field

País: Estados Unidos

Año: 2022

Reparto: Cate Blanchett, Nina Hoss, Sophie Kauer, Noemie Merlant, Mark Strong.

Esta película esboza de manera muy precisa el perfil de una exitosa directora de orquesta contemporánea: Lydia TAR. Ella es construida en la ficción, pero con muchos de los rasgos que definen a las personas de éxito, tanto con sus virtudes como con sus defectos.

Interpretada por Cate Blanchett, en un destacado papel como Lydia y por la también conocida actriz Alemana Nina Hoss, la película va acompañando la agitada vida de su protagonista, quien se encuentra en la cima del éxito. Ella es la directora de la orquesta filarmónica de Bonn, y en su trabajo asiste a los ensayos con los músicos, oficia como jurado para escoger plazas vacantes en la orquesta, dicta clases en la academia Julliard de Nueva York o asiste a una entrevista para televisión, siendo reconocida y admirada.

En diálogos muy inteligentes como el que se desarrolla entre Lydia y uno de los alumnos de la escuela de música, se discute sobre los prejuicios en el arte en el momento en que el joven se resiste a tocar la composición de un músico que considera racista y ella plantea el interrogante de si podemos vetar a un artista notable por sus posiciones políticas o por aspectos personales de su vida. En esta primera parte se resaltan esas cualidades de la directora de orquesta que le han permitido llegar hasta el lugar que ocupa y que tienen que ver con su educación, su persistencia, su capacidad de decisión y su tenacidad.

A medida que va avanzando la película empezamos a descubrir otros rasgos de Lydia que coexisten con sus virtudes, pero ya no tan atractivos para quienes trabajan a su lado y que, como allí se enfatiza, son inherentes a las personas que ganan poder, fama y relevancia. Ella se sirve de sus facultades para manipular y hacer valer su criterio a cualquier precio. Lydia, quien es lesbiana, es denunciada por acoso sexual entre las alumnas que hacen su pasantía y en un caso particular, acusada por impulsar el suicidio de una de ellas con quien estuvo involucrada y después abandonó. Sobre este aspecto es relevante la conversación sostenida entre Lydia y un ex-director de la orquesta, colega suyo, donde comentan acerca de actitudes similares por parte de hombres que la antecedieron en el cargo, como Von Karajan o Bernstein, pero a quienes este hecho sólo ayudó a fortalecer su imagen pública, no a cuestionarlos. Ella en cambio, como mujer, se siente juzgada con un rasero distinto.

La presión del escándalo, a medida que los hechos se hacen públicos, lleva a Lydia a un estado máximo de tensión ante el cual sucumbe y arrastra con ello su prestigio profesional y la relación de pareja. La caída es dramática cuando vemos a una Lydia que termina dirigiendo la música de fondo para una película en un país asiático, dentro de un público fanático, ya no de la música, sino de una saga de cine a la que éste asiste disfrazado.

Una película que, en medio de muy buena música, retrata la embriaguez que producen la fama y el poder llevando a las personas a sentirse invulnerables, por encima de todo y de todos, menospreciando hechos que después contribuyen a su inevitable derrumbe.

 

AFTERSUN *

Directora: Charlotte Wells

País: Reino Unido

Año: 2022

Reparto: Paul Mescal, Frankie Corio, Celia Rowlson, Spike Fearn

Las últimas vacaciones que pasa una hija con su padre en un balneario en Turquía, es el hecho que evoca ella años después y sobre el cual tiene algunos recuerdos vívidos y otros en cambio, dentro de una penumbra en la que también nos hunde a nosotros como espectadores.

A partir de los fragmentos de la memoria de Sophie, la protagonista de 11 años, comprendemos el dolor por la prematura separación de sus padres lo cual obligó a ella y a su madre a permanecer en Glasgow mientras que su progenitor se fue a trabajar a Londres. Estas vacaciones, rememoradas en la película, posibilitan una comunicación interrumpida por ese divorcio. En este tiempo en el extranjero, aunque no sucede ningún hecho extraordinario mientras padre e hija disfrutan del sol y de los paseos, hay sin embargo algo en el ambiente que nos impide, a través de los ojos de Sophie, descubrir la verdadera personalidad del padre.

En sus recuerdos como adulta Sophie trata de entender los llantos de Calum, su padre, y ciertos episodios de tristeza que retrotrae de manera muy vaga. La narración cinematográfica no se hace a partir de flashback convencionales, lo que haría más fácil la comprensión de la cinta, sino a través de la mirada de ese pasado por parte de la niña que 20 años después tiene todavía interrogantes.

Las actuaciones de Paul Mescal y especialmente la de Frankie Corio son estupendas, con una naturalidad sorprendente pasando de la melancolía a la risa con gran facilidad. Esta es la ópera prima de su directora y ha sido aclamada en varios festivales, destacando la aproximación a los recuerdos infantiles sin alcanzar a comprender en su integralidad lo que sucede en el entorno y menos a explicar el comportamiento de los seres queridos.

*Se puede ver en la plataforma MUBI

 

TODO EN TODAS PARTES AL MISMO TIEMPO

Directores: Dan Kwan y Daniel Scheinert

País: Estados Unidos

Año: 2022

Reparto: Michelle Yeoh, Stephanie Hsu, James Hong, Jonathan Ke Quan, Jamie Lee Curtís.

Esta interesante película involucra elementos del multiverso para describir los mundos paralelos en los cuales se involucran los 4 miembros de una familia: una pareja, su hija y el abuelo materno, con roles diferenciados en cada uno de ellos de acuerdo con el modo de vida que eligieron en esas otras vidas.

Evelyn y su esposo Waymond es la pareja protagonista, dueña de una lavandería en Estados Unidos que enfrenta problemas financieros. Agobiados por los impuestos, se encuentran embargados por la hacienda pública y temen perder lo que han construido desde su llegada al país procedentes de China. El infierno que significa acudir a la cita con la auditora de impuestos, interpretada por una magnifica Jamie Lee Curtis, sirve de excusa a la pareja para buscar aislarse en alguno de los mundos paralelos, a los cuales se accede por una app que uno de los Waymond facilita.

En esos mundos alternos, Evelyn es la escogida para enfrentar la amenaza de Jobu Tupaki, quien pretende destruir el alphaverso (otro mundo alterno).

Con situaciones similares a las de Matrix, el lugar que ocupaba Neo en aquella cinta lo asume ahora Evelyn, quien debe luchar para que el mundo alpha sobreviva y recurre para ello a las habilidades que se pueden encontrar en esas ramificaciones de las otras Evelyn: la cantante, la experta en artes marciales, la actriz. Jobu, quien encarna la amenaza, es la misma Joy hija de Evelyn, pero que en uno de los mundos paralelos sufrió una fragmentación mental a causa de la presión ejercida por Evelyn y por esta razón decide tomar venganza.

Las escenas nos van trayendo y llevando de una manera intrincada entre los diferentes mundos donde por un lado están las otras Evelyn, los otros Waymond y por el otro está el mundo “real” del negocio de la lavandería, las dificultades del matrimonio y de la relación familiar.

Al final el enfrentamiento entre Evelyn y Jobu permite desvelar las frustraciones que en el plano real viven madre e hija, por el homosexualismo de esta última no aceptado por su madre y por la frustración respecto a las expectativas creadas y los sueños no cumplidos de una y de otra. Además, permite a Evelyn encarar la situación con su esposo y con su padre, precisamente para resolver aquello que no había querido, en medio de una vida en la que no se sentía satisfecha.

El colorido, la velocidad de las imágenes, la rapidez con la que se pasa de escenas en los diferentes paralelos, hacen que la película tenga un ritmo trepidante y divertido.

Algunas curiosidades de esta película: el presupuesto fue de US$ 14 millones, limitado frente a las grandes producciones de Hollywood. Los efectos digitales de la cinta estuvieron a cargo de 9 personas, entre ellas los dos directores. El papel protagónico inicialmente fue pensado para Jackie Chan, pero luego se decidieron que fuera una mujer, Michelle Yeoh. El rodaje duró solo 38 días. Los directores, con edades de 35 y 34 años, conocidos como los Daniels, han realizado videos musicales, escrito y dirigido comedias; se conocieron cuando ambos estudiaban cine en Boston.

 *Se puede ver en la plataforma de Amazon Prime

 

PELICULAS NOMINADAS A LOS PREMIOS OSCAR (Parte I)

 

LOS FABELMAN

Director: Steven Spielberg

País: Estados Unidos

Año: 2022

Reparto: Gabriel LaBelle, Michelle Williams, Paul Dano, David Lynch, Seth Rogen, Judd Hirsch

Como se ha reiterado en varios medios, esta es una película semiautobiográfica, sobre la adolescencia del director Steven Spielberg y está referida a algunos de sus recuerdos desde la edad de 8 años hasta los 20, concentrándose en su amor por el cine (que inició por el interés a los videos caseros) y en experiencias familiares.

Como sostiene la escritora Siri Hustvedt “El tiempo no es algo externo a nosotros, vive en nuestro interior”. En esa medida hay hechos que marcan nuestras vidas, y pasiones que se despiertan de manera temprana. Lo que logra esta cinta es resaltar ambas cosas.

Con un inicio demasiado convencional pues retrata una familia típica de clase media americana, la película no despierta al principio grandes expectativas. Sammy, el protagonista, comparte su vida con sus padres y sus dos hermanas en Arizona. Allí asistimos a la cotidianidad de su entorno habitual compartiendo las cenas, las celebraciones y los conflictos normales entre hermanos.

Un día Sammy acude en compañía de sus padres a ver la película “El mayor espectáculo del mundo” y se impresiona con el realismo de las escenas, lo cual despierta en él la curiosidad por grabar videos. Lo empieza a hacer con la cámara de su padre mediante ensayos con los recorridos y los accidentes de sus trenes de juguete. Más tarde realiza videos en 8 milímetros para su escuela y para su grupo de scout, descubriendo a través de la filmación la forma más efectiva de comunicarse con los otros.

La adolescencia de Sammy y las relaciones con sus amigos se vieron afectadas por su condición de judío, por su poco interés por los deportes y porque sus hobbies diferían de los de la mayoría. El trabajo de su padre, un ingeniero eléctricista bastante inteligente y creativo, obligó a la familia a trasladarse desde Arizona a California en donde le fue difícil adaptarse a sus compañeros.

A partir de las escenas de la segunda parte, cuando Sammy empieza a tomarse en serio las grabaciones de los paseos familiares y las que realiza para los eventos del colegio, la película recobra el interés. En la edición de uno de los videos, descubre un secreto que hace visible una situación que ya venía siendo insostenible entre sus padres y que concluyó con su separación. Tanto por escenas cómo esta, como por la conversación posterior que el joven mantiene con su madre, una pianista insatisfecha con su vida conyugal, vale la pena ver esta película.

Se debe resaltar igualmente el video que Sammy realiza para la fiesta de promoción del colegio donde demuestra sus aptitudes para el cine pues es capaz de captar el perfil de varios de sus compañeros. En el filme se hace igualmente un homenaje a John Ford (interpretado por el también reconocido director estadounidense David Linch), rememorando el primer encuentro que Spielberg tuvo con él en los estudios Universal.

Es una película honesta donde el director muestra la faceta anterior al éxito, tan idealizada y poca conocida cuando en la cumbre de una carrera solo se ven los triunfos y se olvida el camino de dudas, renuncias y esfuerzos que deben atravesar quienes allí llegan.

 

DECISION TO LEAVE

Director: Park Chan-Wok

País: Corea del Sur

Año: 2022

Reparto: Tang Wei, Park Hae- Il, Lee Jung-Hyun

De este director hay dos reconocidas películas que han llegado a nuestras pantallas, se trata de “La doncella” y “Soy un cyborg”, en las cuales sobresalen al igual que en ésta, “Decision to leave”, la fotografía, los paisajes y el cuidado de los escenarios en interiores. Uno de los críticos de cine caracteriza a este director como un “esteta de la imagen”.

Aunque el guión se refiere a la investigación de dos crímenes a cargo del detective Hae-Joon, su protagonista, lo que se realza es la historia de amor entre dicho detective y la presunta asesina, Seo-rae, viuda de una de las víctimas. Ella es una inmigrante China que poco a poco va develando su historia personal en los interrogatorios. Él empieza a sentir curiosidad por lo enigmático de su personalidad y termina involucrado sentimentalmente con ella.

Aunque los descubrimientos que hace el detective separan a la pareja, vuelven a encontrarse posteriormente, no por casualidad sino porque ella va en su búsqueda al pueblo a donde fue trasladado por su trabajo. En estas circunstancias, nuevos hechos de investigación criminal aparecen.

La relación obsesiva entre detective y sospechosa ronda durante toda la película, puesto que por ella él omite hechos que la involucran, traspasando las fronteras éticas que tanto ha defendido. Ella a su vez, descubre el amor que no había experimentado antes.

El final destaca por la minuciosidad con la fue construido, a través de planos en picada, que permiten apreciar el contraste de colores entre la costa, el mar y la carretera. Ello enmarca las últimas escenas de sus protagonistas donde nos espera un dramático desenlace que refleja los actos insospechados a los cuales puede conducir el amor.

ALMAS EN PENA DE INISHERIN

Director: Martin McDonagh

País: Reino Unido

Año: 2022

Reparto: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Kerry Condon, Barry Keoghan

La película se desarrolla en la irreal isla de Inisherin, la cual la sitúan al frente de Irlanda del norte, en el año 1923. Allí habitan un centenar de pobladores, conocidos todos entre sí dedicados a cuidar de sus propias tierras y de sus animales, y donde cuentan con muy poca diversión, excepto la taberna, punto de encuentro en horas de la tarde y de la noche para beber cerveza y entonar canciones.

Este contexto es necesario explicarlo para entender el argumento de la película que gira alrededor del derrumbe de la amistad entre dos hombres, vecinos en la isla cambiando de manera radical la rutina y la vida de ambos.

Padriac, un hombre joven e ingenuo, comparte sus vivencias al final de la jornada laboral con su amigo Colm, un hombre mayor, amante del violín y de la música, en sus encuentros en la taberna o cuando el primero visita al segundo en su casa. Un día, sin embargo, Colm decide sin razón particular alguna, no volver a hablar con su amigo. Padriac queda desconcertado ante esta actitud y busca por todos los medios obtener una explicación por lo cual empieza una persecución sin pausa a todos los sitios a donde Colm concurre.

Ante el acoso que siente Colm, decide darle un ultimátum a su amigo: cada vez que le dirija la palabra se cortará un dedo. A pesar de la incredulidad de Padriac, esto empieza a pasar cuando osa dirigirse a su amigo. Los hechos que suceden después caen en el absurdo e involucran la relación de Padriac con su hermana y la consecución de un nuevo amigo recayendo en el más tonto del pueblo. Las reiteradas ofensas van generando, como en una espiral, una respuesta peor, en un sinsentido donde ambos terminan olvidando las razones de su alejamiento.

Es a través de la interacción con los animales cercanos a los afectos de cada uno que la relación entre los dos amigos vuelve a cobrar importancia: una burra enana en el caso de Padriac y un perro en el caso de Colm. Solo por el amor a sus mascotas revive parcialmente la comunicación.

Tal vez por el absurdo de esta pelea es que se sugiere la realidad que se desarrolla al frente de la isla, de la lucha entre los mismos irlandeses: aquellos que quieren estar con Inglaterra y aquellos que buscan separarse, lo cual produce un conflicto interno de muchos años y muchos muertos de por medio. En la isla de Inisherin son meros espectadores de lo que pasa al frente, como comenta Colm en una escena “¿Cuá.ndo empezamos a matarnos entre nosotros?”.

Las actuaciones de Colin Farrell y de Brendan Gleeson son tan verosímiles que el espectador termina involucrándose con la testarudez de ambos personajes, y reclamando sensatez en el caso de Padriac y menos arrogancia en el de Colm.

Una película sobre la soledad, cuando los hombres descubren lo minúsculo que puede volverse el mundo cuando queda circunscrito a un número limitado de personas y a que muy pocas cosas son las que terminen realmente ganando importancia en la vida. Perderlas lleva al desconcierto y a la desubicación. Es además una representación de la irracionalidad a la cual conduce la incomunicación y el deseo de vengar los orgullos heridos.

 

 

 

 

PELÍCULAS RECOMENDADAS EN NETFLIX

 

La plataforma cuenta en la actualidad con buenas películas, de años recientes, algunas de las cuales reseño a continuación.

LOS REYES DEL MUNDO

Directora: Laura Mora

País: Colombia

Año: 2022

Esta cinta colombiana, la segunda de su directora después de “Matar a Jesús”, ha ganado varios premios internacionales, entre ellos la concha de oro en el festival de San Sebastián, España, a la mejor película.

A partir del viaje que emprende un joven desde Medellín (a donde llegó desplazado), en compañía de 4 amigos con el propósito de recuperar un terreno dejado como herencia por su abuela en un pueblo de Antioquia, el guión devela el problema de tierras y violencia en nuestro país. La cinta pone de presente las muchas dificultades que enfrenta la juventud en condiciones de pobreza: la marginalidad, el rebusque, el crimen, las frustraciones contenidas. Una radiografía cruda y a veces poca esperanzadora, con un final trágico pero representado con mucho tacto. La radiografía de una realidad que nos cuesta mucho mirar.

SIN NOVEDAD EN EL FRENTE

Director: Edward Berger

País: Alemania

Año: 2022

En el escenario de la denominada “gran guerra”, acontecida entre 1914 y 1918, un grupo de jóvenes alemanes se enlistan con entusiasmo para luchar por su país. Muy pronto la idealización de este acontecimiento se desvanece cuando se enfrentan con el horror y la muerte. Muy bien ambientada en los campos donde se lucha cuerpo a cuerpo y en los cuales el círculo de soldados es el único referente y termina constituyéndose en la única motivación concreta.

La película muestra la arrogancia de quienes estaban al frente de las tropas tanto francesas, con su pretensión de humillar a su enemigo, como de las alemanas que se resistían a declararse vencidas, y la inutilidad de continuar con un desangre donde la “carne de cañón” la constituían jóvenes, casi niños, que ni siquiera tenían claro el motivo de la lucha.

A 200 METROS

Director: Ameen Nayfeh

País: Jordania

Año: 2020

El conflicto palestino-israelí está tras la lucha que debe librar Mustafá, el protagonista, quien debe pasar desde Cisjordania hacia Israel para visitar a su hijo en el hospital donde fue internado, víctima de un accidente. Aunque la película se pierde en los obstáculos que debe vencer este hombre junto con sus compañeros para lograr el cruce de la frontera en un recorrido por carretera, deja ver los aspectos que constituyen la cotidianidad del pueblo palestino, encerrado en un territorio al que no se ha reconocido siquiera como nación: El infierno burocrático para trabajar en Israel y atravesar los controles militares, el tráfico informal de personas, los impedimentos por quienes “se adueñan” de pasos claves dentro del muro que sirve de frontera entre un territorio y otro, los asentamientos judíos y la provocación que ellos generan dentro de los palestinos, el desempleo y la falta de oportunidades.

 

LA CASCADA

Director: Chung Mong-Hong

País: Taiwán

Año: 2021

El encierro generado por la pandemia del COVID-19 se convierte en esta película en un catalizador para desatar la crisis emocional y mental de una mujer separada, quien comparte el apartamento con su hija. Ella se ve enfrentada a la soledad a causa de la separación de su esposo, al desempleo cuando es declarada cesante en su trabajo y a una relación conflictiva con su hija.

Ante la realidad de una madre que mentalmente está ausente, su hija debe asumir un rol que no tenía y que no esperaba y termina no solo tratando de comprender la situación sino de buscar salidas cuando se da cuenta que solo cuentan la una con la otra. Una película inteligente y esperanzadora.

 

PURA PASIÓN

Directora: Danielle Arbid

País: Francia

Año: 2020

Esta película está basada en una novela de la escritora recientemente galardonada con el premio Nobel de literatura Annie Ernaux.

Hélene es una mujer joven, separada y vive con su único hijo. Durante un viaje conoce a Alexandre, un personaje ruso misterioso de quien poco sabe, pero del cual queda locamente prendada. Constituye la pasión el alimento de la relación, pues hay un interés muy limitado de cada uno por la vida privada del otro. Ella solo sabe que él es casado y que trabaja con la embajada rusa en París. Cuando deja de recibir sus visitas y no vuelve a tener noticias de él, Hélene viaja hasta San Petersburgo en su búsqueda, que por cierto resulta inútil porque no tiene suficientes señas sobre su residencia.

La ausencia del amante la sume en una profunda depresión al punto que su hijo debe ser rescatado por su padre. Aunque después los dos amantes vuelven a encontrarse, el arrebato inicial ha disminuido y ya tanto uno como otro son dos personas que han seguido con sus vidas. Con escenas de sexo explícitas, esta película enfatiza en la relación basada solo en la pasión tal como su título lo expresa.

EL PRODIGIO

Director: Sebastián Lelio

País: Irlanda

Año: 2022

Este director chileno, el mismo de “Una mujer fantástica”, ganadora del premio Oscar 2018 a la mejor película extranjera y de otras películas como “Gloria” y “Desobediencia” recrea en esta ocasión una cinta de época.

Situada en la Irlanda de la segunda mitad del siglo XIX, una familia humilde es objeto de la romería incesante por parte de los habitantes de su entorno, pues los padres han divulgado que su hija tiene un don que le permite vivir sin ingerir alimentos.

Este hecho es causa de investigación por parte de las autoridades locales y hasta allí acude una enfermera de Londres para verificar la situación. Las pesquisas de ella y de un reportero de la capital, los llevan a revelar lo que se esconde detrás de los aparentes hechos. Ellos evidencian no solo que no hay nada sobrenatural, sino que descubren el secreto familiar por el cual los padres pretenden expiar sus culpas a través de su hija.

Como las autoridades se resisten a oír las verdades desveladas, la enfermera y el reportero deciden salvar a la niña de la inanición a la que se empeñan sus padres y diseñan un plan por encima de todos ellos.

Una película que señala el fanatismo y la ceguera que privan de la racionalidad y el valor requeridos para enfrentar las verdaderas causas de los problemas.

BARDO

Director: Alejandro González Iñarruti

País: Estados Unidos

Año: 2022

Este director mexicano ha realizado películas sobresalientes tales como “Amores perros”, “Babel”, “Birdman”, “21 gramos”, “Beautiful”. Sin embargo “Bardo”, la más reciente, es a mi parecer una exaltación de sí mismo.

La construcción de escenarios pomposos en esta cinta, que es autobiográfica en buena medida, sirve para manifestar su posición de rechazo frente al colonialismo español. Así mismo la ambivalencia respecto a su situación como inmigrante mexicano que vive con todos los lujos en California, resulta pedante e innecesaria. Para quienes hayan visto su cine es interesante poder comparar esta última película con las anteriores cuyos guiones resultaban mucho más atrayentes, así tengan que aguantar en “Bardo” 2:39 horas con escenas que resultan prescindibles.

PINOCHO

Directores: Guillermo del Toro y Mark Gustafson

País: Estados Unidos

Año: 2022

Se trata de una película animada sobre el libro infantil, con un guion que conmueve. Guillermo del Toro, como ya lo había dicho en otro de mis blogs, tiene un gusto particular por los personajes fantásticos o monstruosos. Esta vez enfatiza en las emociones que surgen de la relación entre el padre y sus hijos, uno real y otro “casi humano”. El logro está en acercar al espectador con la pérdida, con la generosidad, con la empatía y también con la rebeldía y la capacidad de crítica. Un filme para disfrutar y para deleitarse con su estética.

 

  

SONIDOS QUE DESCONCIERTAN: “TRES” Y “MEMORIA”

Estas dos películas, muy diferentes en su tratamiento, guardan una característica común: el sonido y la repercusión que tiene éste en la vida de sus respectivas protagonistas. En el caso de “Memoria”, todo gira alrededor de la búsqueda del origen de un extraño ruido que Jessica, el personaje central, empieza a escuchar; en el caso de “Tres”, se trata de entender la des-sincronía que surge en la mujer que la padece, entre lo que ve y lo que escucha.

 

TRES

Director: Juanjo Giménez

País: España

Año: 2021

Reparto: Marta Nieto, Miki Esparbé, Julius Cotter, Carmen Méndez, Fran Lareu

Con un desarrollo cinematográfico más convencional, en esta cinta asistimos a la experiencia que enfrenta en su trabajo una sonidista de videos y de películas cuando, en su rol de hacer compatible el guión con el sonido, es cuestionada en su labor porque no existe coordinación entre ambos.

Los compañeros de trabajo encuentran que los parlamentos en las cintas y videos presentan retraso respecto a los hechos que se suceden. Cuando ella, cuyo nombre nunca conocemos, comprueba que en realidad afronta un problema con esta des-sincronía, comienza a buscar las causas.

¿Qué sentiríamos al no poder tener una conversación porque no se acompasan las palabras con lo que visualizamos? Además de generarle aislamiento, que es lo que inicialmente padece, ella enfrenta riesgos cuando sale a la calle y no puede anticipar el ruido de un carro o el de un tren que se aproxima.

A lo anterior se suman los problemas de esta mujer en su vida personal: la muerte de su madre y el fin de la relación con su pareja. ¿O será que su situación es consecuencia del estrés que maneja? Todo ello la obliga a encontrar refugio en el campo, muy lejos de la ciudad, a donde acude además averiguando por su verdadera madre, cuando se da cuenta que ella es adoptada. Allí, poco a poco recobra la normalidad.

La escena final abre otro panorama cuando la protagonista vuelve a estar fuera de sincronía, esta vez de un modo totalmente distinto y sorpresivo.

Es una idea muy interesante la que desarrolla el guión de este filme pues mantiene en vilo al espectador y lo obliga a observar escenas en total silencio, que posteriormente se llenan con las palabras que llegan con retraso.

Del director: Juanjo Giménez nació en Barcelona en 1963. Ganó la palma de oro al mejor cortometraje por “Timecode”, en 2016. “Tres” es su segundo largometraje.

MEMORIA

Director: Apichatpong Weerasethakul

País: Colombia

Año: 2021

Reparto: Tilda Swinton, Juan Pablo Urrego, Jeanne Balibar, Elkin Díaz, Daniel Giménez Cacho, Aida Morales

El director, de origen tailandés, realizó esta película en Bogotá y en el municipio de Pijao, departamento del Quindío en Colombia, pues tuvo una relación con el país cuando estuvo dos meses como residente dentro de un programa cinematográfico. El guión se le ocurrió cuando padeció el “síndrome de la cabeza explosiva”, en el que la persona experimenta un sonido tremendamente fuerte como si procediera de su propia cabeza.

Jessica, la protagonista, es una botánica inglesa residente en Colombia, quien empieza a sentir un extraño sonido que no puede explicarse y se propone encontrar su origen. En esta búsqueda acude a un técnico de sonido, quien gracias a la descripción que ella le hace y a las diferentes pruebas, logra reproducirlo.

A partir de allí, con el viaje que Jessica emprende a un pueblo del interior andino en búsqueda de respuestas, se desarrolla la película muy lentamente, a través de planos largos y fijos, al punto que en muchas escenas parece que la cinta se congelara. La fotografía se detiene en el verde de los paisajes, la bruma, los ríos, en este recorrido por carretera.

Al pueblo donde Jessica llega se topa con un pescador con quien encuentra coincidencias pues este hombre escucha ecos del pasado. Allí empieza a entender que el sonido trasciende el presente y abarca un pasado que no vivimos. Además, espacialmente, el sonido habita más allá del planeta que ocupamos. En este momento el director rebasa las situaciones reales y empieza a mezclarlas con la ficción.

La escena final da cuenta de las dificultades de entender ciertos fenómenos y circunstancias, con las explicaciones corrientes.

Una cinta que no es fácil de ver porque es ante todo una invitación a la contemplación y a la audición. Los diálogos son casi inexistentes y tampoco hay un guión convencional. Como el mismo director lo expresa: “creo que aquí hay algo de eso: de intentar representar en imágenes y sonidos una serie de vibraciones, de ecos temporales y recuerdos anteriores y posteriores a nosotros, de excavar en lo profundo y hacer audible lo que hay allí sepultado”.

Una película que no pasa desapercibida, aunque es difícil de asimilar en su primera aproximación. Fue galardonada con el premio del jurado en Cannes en 2021. Se puede ver en la plataforma de Amazon Prime.

Del director: Apichatpong Weerasethakul nació en Bangkok, Tailandia, en 1970. Es director, productor y guionista, fundó una compañía que se dedica al fomento del cine experimental e independiente. Paralelo al cine tiene una práctica de artes visuales. Otras de sus películas: “El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas”, “Tropical Malady”, “Cementerio de esplendor”, “Síndromes y un siglo”.