ALGO EN QUÉ CREER

Directores: Varios

Creador: Adam Price, también uno de los directores

Año: 2017- actual

País: Dinamarca

Protagonistas: Lars Mikkelsen, Ann Eleonora Jorgensen, Simon Sears, Morten Hee Anderson, Fanny Louise Bernth, Camila Lau.

Se trata de una serie danesa, presentada por Netflix, con 20 capítulos en dos temporadas. Dado el papel fundamental que en ella juega la religión, hay que decir, como parte del contexto, que en Dinamarca el cristianismo de tipo protestante luterano es la religión oficial de la cual hace parte cerca del 60% de la población. Los sacerdotes pueden contraer matrimonio, las mujeres pueden ser ordenadas y llegar a ser obispos, se acepta el matrimonio entre personas del mismo sexo. La iglesia danesa es liberal y abierta y se considera parte de la cultura, las tradiciones y las costumbres del país. 

Alrededor de los Krogh, familia sobre la cual gira la temática, con una tradición de pastores por más de 250 años, se hacen visibles dos aspectos que constituyen el corazón del guión. Uno, las tensiones permanentes entre los principios religiosos y las pasiones y vicios de una sociedad, frente a los cuales no son ajenos los sacerdotes. El otro aspecto es la culpa, la cual surge de los comportamientos que se consideran equivocados o de decisiones que acarrean nefastas consecuencias. 

La familia presidida por Johanes, patriarca y pastor, está compuesta por su esposa y 2 hijos. Uno de ellos, August, sigue la vocación del padre, que además debe ser el legado transmitido por generaciones. Por decisión propia, se alista por su país en una guerra ajena, en un territorio de mayoría musulmana. Durante una emboscada, asesina por error a una mujer inocente y este hecho marca su vida. A su regreso a casa sufre de estrés post traumático, el cual desemboca en esquizofrenia. El ocultar la verdad de lo que pasó, por consejo del padre, lo lleva a su muerte. A partir de este momento, el argumento gira alrededor del deceso de August.

La serie revela el abismo entre lo que se proclama a través del libro sagrado y las vivencias cotidianas, a pesar de las mejores intenciones de sus protagonistas. Las tentaciones humanas están allí, presentes en los actos del día a día. 

El pastor tiene sus propias ambiciones de ascender como obispo, las cuales se frustran dado su férreo y agresivo temperamento. El desengaño lo lleva a recaer en el alcoholismo con el que ha convivido, pues tanto las mujeres como el alcohol han rondado su vida. La soberbia ronda al padre y a su hijo August, pues al apegarse a la Fe en Dios, para quien todo es posible, se le niega a éste cualquier tratamiento mental. La esposa de Johanes reacciona a las infidelidades de su esposo teniendo sus propios romances. El otro hijo, Cristian, empieza a buscar su camino espiritual y tiene éxito convirtiendo sus creencias en una fórmula comercial a la cual renuncia posteriormente cuando se da cuenta de su banalidad. 

Con la muerte de August se despiertan las culpas al interior de la familia, y en la búsqueda de las razones, cada uno de sus miembros va despejando el camino para su propia redención. Johannes se da cuenta de la carga que significó para él aceptar un padre que lo oprimió y lo dirigió por el camino del sacerdocio. A pesar del amor por su oficio, él repitió la historia con sus hijos. Elizabeth, la madre, se da cuenta que debido al esfuerzo por contener a su marido no defendió suficientemente a sus hijos, especialmente a August. Cristian se siente culpable porque subestimó la enfermedad de su hermano y empieza a comprender el comportamiento de su padre, contra el cual mantenía una permanente rabia. 

Alrededor de la familia Krogh se muestran los conflictos de toda sociedad. La difícil convivencia de los cristianos con musulmanes, con judíos y aún con quienes no tienen ninguna religión. Las posiciones frente a las relaciones homosexuales, muchas veces tratada como una enfermedad que requiere ser curada. La drogadicción, y su dificultad para superarla. La eutanasia y la confrontación con los avances de una medicina que busca prolongar la vida a cualquier costo. El perdón, más difícil de aplicar para uno mismo que para los demás. Situaciones todas que enfrentan visiones diferentes y se confrontan contra las creencias y valores arraigados en la religión, la educación y la familia, pero que son presentadas con honestidad y claridad.

Las conversaciones del capítulo final constituyen un excelente epílogo. El reclamo que hace Elizabeth a su esposo, Johanes, sobre el peso de callar las verdades al interior de su familia, lo cual fue heredado de su padre; el desgaste de seguir peleando contra él por parte de su hijo y su nuera.  La conversación de Cristian con su padre, donde le expresa su miedo y el de su hermano August, por no llegar a ser tan competentes como él. El reconocimiento de que fue un padre horrible pero también fue un padre fantástico, al cual siempre vieron como un Dios. 

Son estos matices de los personajes construidos a lo largo de los capítulos, los que impiden clasificarlos entre buenos o malos, el mayor logro de la serie. Todos tienen un lado oscuro, pero también son capaces de las mayores entregas y sacrificios.  Johanes encarna estas contradicciones entre lo mejor y lo peor de un ser. Este personaje, interpretado de manera brillante por Lars Mikkelsen, tiene tal presencia en la pantalla que nos hace sentir la presión por él ejercida sobre su familia y su feligresía. 

En conclusión, un buen retrato de la familia y la sociedad, con excelentes actuaciones y una muy buena música que acompaño los inicios y los fines de los capítulos. 

LA CASA DE JACK

Director: Lars Von Trier

Año: 2018

País: Dinamarca

Protagonistas: Matt Dillon, Bruno Granz, Uma Thurman

No hay término medio ni indiferencia para los espectadores de esta película, la última de Lars Von Trier, genera gusto o aborrecimiento. Dentro del estilo de filmografía del Director, la casa de Jack está repleta de excesos, pero también de belleza. Como el mismo lo manifestó en una entrevista "Si no cometemos errores o provocaciones o algo que vaya más allá, las cosas se detendrán". 

La cinta tiene dos secciones, la primera, más cruda y en momentos molesta, está concentrada en 5 crímenes. La segunda, más filosófica y artística, en el camino al infierno que Jack recorre con Verge, la voz de la conciencia o del juez, con quien mantiene un diálogo durante toda la película. 

Jack, un ingeniero, con trastorno obsesivo compulsivo, se convierte en un asesino en serie. Su frialdad y apatía fueron evidentes desde su niñez y matar se ha vuelto una adicción para él. Cinco episodios nos muestran el afán del criminal por garantizar la pulcritud de los asesinatos, la búsqueda de la estética a través de las fotografías a los cadáveres y el afán de trascender del "señor sofisticación", como el mismo asesino se hace llamar. 

El perfil de este sociópata está bien definido como el ser solitario, compulsivo con el orden, indiferente con el mundo que le rodea, que no manifiesta ningún remordimiento por sus actos. A diferencia de las series o películas sobre las mentes criminales, Jack no parece moverse por un trauma ni sus actos responden a un propósito. El mata por el solo placer de hacerlo. Es precisamente este aspecto alrededor del cual gravitan las digresiones que el director nos quiere mostrar. 

"Cuando acabo de cometer un asesinato me siento fuerte y contento, después viene el dolor y el dolor es más grande que el placer. Finalmente, el dolor es tan insoportablemente intenso que tengo que actuar”. Jack justifica su actuar criminal como un arte "el arte es más vasto de lo que pensamos". Verge, insiste en que "sin amor no hay arte". Jack contra-replica "si la glorificación podía degradar un trabajo, por qué la destrucción y la demolición no pueden hacer lo mismo y crear arte”. "Un artista debe ser cínico y no preocuparse por el bienestar de los humanos o de los dioses en el arte". 

Los asesinatos se muestran de manera bastante explícita y provocadora con el espectador.  El director parece burlarse para que haya una reacción, así sea con fastidio. Las mujeres son protagonistas en los crímenes de Jack. Una mujer que lo reta y exaspera; una viuda que se deja tentar por el aumento que podría tener la pensión que dejó su marido, la ingenuidad de una madre quien no es capaz de proteger a sus dos hijos; el exceso de confianza y la ligereza para las relaciones; la liviandad y la falta de propósito de su novia. Detrás de todos ellos, Jack manifiesta ese odio hacia las mujeres y justifica sus acciones por el proceder de estas.  "Por qué siempre es culpa del hombre?...Si uno fue tan desafortunado de haber nacido varón, entonces también has nacido culpable". 

La película ambienta el recuento que Jack hace a Verge de los crímenes, con referentes pictóricos de grandes artistas, con las imágenes del pianista Glen Gould en plena práctica de su oficio, con iconos de grandes obras arquitectónicas y así mismo con personajes de la historia reciente mundial. Con una muestra trepidante de grandes manifestaciones del hombre, artísticas, pero también de horror, el Director parece insinuar que matar es otra expresión humana más. La categoría de las imágenes y la combinación con el relato y las acciones de Jack son de una gran riqueza visual. 

En la segunda parte, Verge y Jack recorren el camino al infierno de Dante, por un túnel oscuro que desemboca en un hoyo de fuego profundo. El recorrido es impactante porque logra ambientar un final lleno de alegorías, recuerdos, y el hueco en el que finalmente cae Jack, es el epílogo de una vida sin sustancia, envuelta en la soledad y el vacío de su existencia. 

La referencias y variedad de temas de la película difícilmente se pueden abordar en su totalidad. Uno de sus méritos es el contraste entre la belleza de un arte universal a través de la pintura, la arquitectura, y la música frente a un arte que se justifica con la oscuridad y la destrucción. 

Sobre Matt Dillon, el protagonista, recae la fuerza de la película y desempeña un gran papel. Bruno Ganz, como la conciencia, merece toda la credibilidad. 

Del Director: Lars Von Trier es director, guionista danés. Nació en 1956. Estableció las reglas del manifiesto Dogma 95. Otras de sus películas son: "Melancolía", "Anticristo", "Dogville", "Contra viento y marea", "Bailarina en la oscuridad", "Europa". 

EL HOMOSEXUALISMO EN LA COMUNIDAD JUDIA: DOS PELÍCULAS

Dos películas abordan el amor gay en la comunidad judía: "Desobediencia" y "El repostero de Berlín". En la primera es el amor adolescente que revive después de varios años entre dos mujeres; en la segunda, el amor adulto entre dos hombres. 

Ambas desarrollan la dificultad que debe enfrentar el/la homosexual en este entorno, al punto que le toca decidir entre esconder su condición y acomodarse al medio o hacerla manifiesta, enfrentar el repudio y alejarse.

DESOBEDIENCIA

Director: Sebastián Lelio

Año: 2017

País: Reino Unido

Protagonistas: Rachel Weisz, Rachel McAdams, Alessandro Nivola

Ronit, una fotógrafa residenciada en Nueva York, hija de un rabino judío respetado y estimado en su comunidad, regresa a Londres al entierro de su padre. 

En el encuentro con sus familiares y amigos Ronit no es bien recibida. Un hecho que todos quieren mantener oculto, fue la causa de la abrupta salida de su casa siendo muy joven. Hay un reclamo silencioso respecto al comportamiento que ella tuvo en el pasado con su padre y pocos quieren aceptar su presencia. 

Una pareja de amigos que tuvo Ronit en su juventud, ahora marido y mujer, la acogen en su casa. El, David, se convirtió en el pupilo del rabino fallecido y aboga porque Ronit pueda tener un espacio en las honras fúnebres de su padre. Ella, Esti, se muestra cohibida e intimidada con la nueva visita. 

Durante los días de estancia, Ronit y Esti reviven el romance que tuvieron en la adolescencia y se descubre el motivo de la pelea, años atrás, entre el rabino y su hija. 

Teniendo en cuenta el tratamiento que recibe la mujer en la comunidad judía ortodoxa, ubicada a un nivel inferior al del hombre, destinada a ser madre y esposa, no hay espacio para la homosexualidad y menos para el lesbianismo. 

Escenas como aquella de la de la peluca, la cual deben usar las mujeres para ocultar su cabello excepto de su esposo; la de la separación de sillas en la sinagoga entre hombres y mujeres o el hecho de que la lectura pública de la Torá sea un privilegio solo de hombres, dan cuenta del tratamiento discriminatorio. 

La actitud que el rabino tuvo con su hija Ronit, de borrarla de su vida, muestra no sólo el rechazo por su condición homosexual, sino también la necesidad de hacerlo visible para no perder el respeto de sus seguidores. 

Al igual que en dos de las películas más conocidas de este mismo director (Sebastián Lelio), "Gloria" y” Una chica fantástica", en esta se reivindica la lucha por la identidad, en contra de prejuicios o, como en este caso, de legados arraigados en creencias religiosas. 

Al final, la película muestra el derecho a defender las propias convicciones y es un grito de libertad en la pelea contra estándares establecidos. 

Para destacar, la actuación de sus dos protagonistas, Rachel Weiz y Rachel McAdams. 

EL REPOSTERO DE BERLÍN

Director: Ofir Raúl Graizer

Año: 2017

País: Israel

Protagonistas: Tim Kalkhof, Sarah Adler, Roi Miller

Oren, un ingeniero contratista judío, quien viaja periódicamente en razón de su trabajo, entra un día en una pastelería de Berlín y conoce al dueño y repostero, Thomas, de quien queda prendado. Una relación se establece entre ellos, a sabiendas de que Oren vive con su esposa e hijo en Jerusalén.  

A su regreso a Jerusalén, Oren tiene un accidente y muere. Este hecho cambia la vida de Thomas quien decide viajar a conocer la familia de su amante y se traslada a vivir a Israel. 

Una vez allí, hace contacto con Anat, la esposa de Oren y logra que lo contrate en el café que ella y su cuñado poseen. Thomas oculta cualquier referencia a Oren. La llegada del pastelero le da un nuevo aire al negocio, el cual empieza a ser reconocido. 

Poco a poco se crean lazos entre Thomas, Anat y el hijo que ella había tenido con Oren. El vago conocimiento sobre la vida de Thomas y su excesiva reserva respecto a su situación personal, llevan a Anat a averiguar sobre su pasado. Muy pronto, a partir de algunos de los objetos de Oren que ella se resistía a mirar, descubre la relación que él y Thomas tuvieron. 

Aunque se cuida de divulgar dentro de su familia todo lo que alcanzo a entender, Anat despide a Thomas sin mayores explicaciones. Este regresa a su país y reanuda su negocio en Berlín. La escena última muestra el viaje de Anat hasta Berlín para comprobar lo que no quería creer. 

La película da mucho espacio a los silencios que mantiene Thomas en su labor de repostero, mostrándonos las delicias de sus creaciones, así como la soledad e independencia con la cual lleva adelante su vida. El contraste es grande con Anat, quien tiene la supervisión permanente de la familia de Oren, su marido fallecido. 

La referencia a los códigos de la comida Kosher, los cuales deben ser cumplidos dentro de la cafetería para mantener el certificado del establecimiento, aluden a las exigencias y rigurosidad de vida, que son ancestrales, dentro de los judíos ortodoxos. 

Así mismo, la cinta nos deja ver la resistencia que crea en Israel tener a un alemán como empleado, pues las heridas de la Segunda Guerra Mundial no acaban de sanar y se han trasladado a generaciones posteriores. 

Al final, entendemos que Oren había tomado una decisión de vida, la cual alcanzo a comunicar a su esposa poca antes del accidente que causó su muerte. Esa radical decisión no iba a ser aceptada dentro de su familia ni al interior de los judíos de Jerusalén. 

Según palabras del Director Ofir Raúl Graizer sobre la película “siempre quise contar una historia sobre gente que no quiere ser diferente a través de identidades políticas, sexuales o nacionales. Gente que diga “me da igual esta identidad, soy quien soy. Quiero amar a alguien porque necesito estar cerca de esa persona no porque soy homosexual o heterosexual””.

BOTERO

Director: Don Miller

Consejera creativa: Lina Botero Zea

Año: 2019

El documental, producido por Lina Botero Zea con la dirección de Don Miller, sobre el pintor colombiano reconocido mundialmente Fernando Botero, recorre varios momentos de la vida del artista, a partir de su propia narración y la de sus 3 hijos. Esta acompañado con la presentación de algunas de sus obras pictóricas y de sus esculturas.  Son descritos los hechos que vivió y las circunstancias personales que enfrentó, pues como el pintor lo manifiesta "Uno no puede escapar a su tiempo". 

Sus inicios en Medellín, donde nació y muy niño quedó huérfano, lo marcó puesto que "todo el arte grande que existe fue primero parroquial". Muy pronto, gracias a los $7.000 que ganó por el premio nacional de pintura viajó a Europa. Estuvo conociendo los grandes pintores en Italia, Francia y España. 

También vivió en Nueva York, donde, como lo expresa el artista y una de las curadoras entrevistadas, persistió en el arte figurativo, a pesar de que el arte abstracto era el de vanguardia y lo demás lucia anacrónico. En esa línea encontró su propio estilo, característico por el colorido y el volumen en su obra.

"Un día hice un dibujo de una mandolina de rasgos muy generosos y en el momento de hacerle el hueco a la mandolina se lo hice muy pequeño. Pero mucho más pequeño y la mandolina adquirió unas proporciones fantásticas. Me puse a verlo y a preguntarme “¿bueno, aquí que pasó?". Mi talento fue haber reconocido que algo había pasado". 

En París se nutrió de los pintores expuestos en los grandes museos, destaca su especial admiración por Piero Della Francesca y dentro de los pintores contemporáneos por Picasso, con quien compartió después de su fallecimiento, una exposición. 

Resulta destacable la sinceridad del pintor sobre su pasión por la pintura, un oficio al que dedica varias horas cada día y que aún hoy, a sus 87 años, continúa haciendo; así mismo, su ambición para ser el mejor pintor del mundo "En América latina uno queda feliz con pintar mejor que el vecino y eso no significa nada...se necesitan modelos de perfección".  

Afirma que un pintor famoso solo tiene un estilo único durante toda su vida artística "cambiar de estilo es como cambiar de convicciones... Para cambiar de estilo se tiene que cambiar de manera de pensar". 

El documental resalta hechos que marcaron la vida de Botero y que por tanto refleja en sus pinturas. La muerte trágica de su hijo Pedrito, a quien se dedicó a dibujar durante los 8 meses siguientes al deceso. La violencia de la mafia en Medellín en los años 80's, a través de las representaciones de Pablo Escobar, de las matanzas y de los entierros colectivos. Las torturas y abusos practicados contra los presos musulmanes por parte de carceleros de Estados Unidos en Abu ghraib, Iraq, que fueron inspiración para una serie de pinturas y dibujos. 

Los hechos dolorosos están matizados con obras alegóricas a las corridas de toros, la familia, el circo, los bodegones y los jarrones de flores llenas de humor y de color. 

La creación de sus esculturas monumentales en bronce fue otra apuesta del pintor que lo llevó a aprender del trabajo en tercera dimensión. En Pietrasanta, donde se conservan talleres de fundición con trayectorias centenarias, es donde trabaja sus obras. 

Las generosas donaciones de Botero tienen mención en el documental. Su colección privada de grandes pintores del arte universal la entrego al banco de la Republica de Colombia; Incluso, después de haber expresado su decisión de donarlas, compro nuevas obras para ampliarla. El museo de Antioquia recibió otra parte de sus cuadros y la ciudad de Medellín de sus esculturas gigantes. La universidad de Berkeley, en California, recibió la donación de la serie de Abu ghraib. 

Botero es el pintor vivo con mayor número de exposiciones internacionales, muchas de ellas realizadas en escenarios al aire libre (China, Paris). 

El documental dedica mucho tiempo a su familia, y aunque para Fernando Botero sus dos pasiones son la familia y la pintura, parece exagerado el protagonismo que sus tres hijos tienen en él. Se resiente en cambio el espacio prácticamente nulo a los pintores colombianos o a pintores del arte universal diferentes a los ya mencionados. Igualmente hay una mención muy pobre a su esposa, la artista Sofía Vari, con quien ha compartido los últimos 40 años de su vida. 

En el balance, a pesar de las carencias manifestadas, el documental resulta muy positivo, especialmente por las palabras de Fernando Botero, que muestra las facetas artística y personal y destacan su compromiso y dedicación a su oficio e irradian sinceridad y honestidad. 

Una suerte que este homenaje se haya podido hacer en vida del artista. 

*Se toman apartes de la entrevista realizada a Botero por Ana María Escallón, en 1992, la cual acompañó el calendario propal. Los temas se mencionan en el documental.

EL RACISMO EN DOS PELÍCULAS DE LOS PREMIOS OSCAR 2019

El racismo, un tema que debería estar superado, sigue presente en la realidad actual y por momentos se profundiza con la llegada al poder de gobiernos que promueven la polarización y dividen a la ciudadanía. La discriminación por el color es precisamente el tema de estas dos películas americanas, "El infiltrado del Ku Klux Klan" y "Green Book".

Aunque el asunto es abordado con ópticas diferentes, comparten ciertos aspectos: tienen lugar en poblaciones de Estados Unidos, dicen estar basadas en hechos reales (aunque sabemos cómo se novela la realidad), el humor está presente (ni siquiera como intención sino como producto de actos de segregación) y se sitúan en la segunda mitad del siglo XX. 

EL INFILTRADO DEL KKK

Director: Spike Lee

Año: 2018

País: Estados Unidos

Protagonistas: Jhon David Washington, Adam Driver, Laura Harrier, Topher Grace

El argumento se refiere a la infiltración de un policía negro en los grupos blancos de derecha, conocidos como”la organización" los cuales promueven la supremacía de su raza. Los hechos suceden en Colorado Springs (Colorado). Ron, el detective, comienza a asistir a las reuniones por intermedio de un compañero blanco, por quien se hace pasar. 

El objetivo de los encuentros del grupo es fomentar el odio a negros y a judíos y avanzar en una acción que produzca intimidación. Los negros por su parte, en el afán de defender sus derechos, declaran a los blancos como enemigos. En este sentido, hay un enfoque interesante en la película que alude a la división generada por los radicalismos y a la militancia que enceguece a unos y a otros. 

Con formato de televisión, la película mezcla la ficción con el documental, mostrando la violencia de la cual fueron víctimas los negros. Especial relevancia se le da a la cinta "el nacimiento de una nación" pues a ella se atribuye el origen del KKK, al mostrar el linchamiento de un negro. 

Se incluyen hechos recientes como los ocurridos en Charlottesville (Virginia), en 2017, donde un hombre embistió a manifestantes que protestaban contra supremacistas y ultranacionalistas. Así mismo, las consecuentes declaraciones del presidente Trump quien fue incapaz de condenar los hechos. 

Para enfatizar la vigencia del racismo, el director acude a los slogans del Presidente actual de EEUU” América primero", " Estados Unidos grande de nuevo" los cuales se asemejan a los del líder del KKK en su momento, David Duke. 

Una vez más el director Spike Lee hace visible las problemáticas que viven los de su raza pues aún muchos Estadunidenses siguen defendiendo una nación solo para blancos. 

GREEN BOOK

Director: Peter Farrelly

Año: 2018

País: Estados Unidos

Protagonistas: Viggo Mortesen, Mahershala Ali. 

El título hace referencia al libro que servía de guía a los viajeros, con el objeto de identificar hoteles y restaurantes "solo para afrodescendientes". Estamos en 1962 y tanto negros como italianos sufren discriminación, ocupando los lugares más bajos de la escala social. Unos y otros, sin embargo, se tratan con recelo. 

Un virtuoso pianista negro, de descendencia africana, Don Shirley, realiza una gira con su grupo musical, por poblaciones del sur de Estados Unidos y contrata para su servicio a un conductor italiano, Tony. La conversación en la carretera entre estos dos personajes evidencia sus contrastes. El conductor, espontáneo, mal educado, inculto; el pianista, calculador, glamuroso y estudiado. El primero hace ver que también hace parte de una minoría, al enfrentar una vida con limitaciones y privaciones "mi mundo es más negro que el tuyo". El músico, por su parte, le reclama lo limitado de su visión al creer que todos los negros son iguales. 

Los negros son aceptados mientras entretengan a los blancos, manifiesta Don Shirley." Toco para los blancos porque eso los hace sentirse cultos. Cuando me bajo del escenario me vuelven a tratar como un negro". Cuando Tony les pregunta a los compañeros del trío la razón para hacer una gira en la cual el pianista recibe humillaciones le contestan "el genio no es suficiente. Se necesita valor para cambiar los corazones de la gente". Hacen referencia a Nat King Cole quien fue agredido por cantar canciones para blancos, pero insistió en abrir el camino para los de su raza. 

Aunque a veces las escenas resultan exageradas, la convivencia de estos 2 hombres muestra los prejuicios de clase arraigados y los resentimientos que impiden acercamientos. Esta cinta nos recuerda otra del año 1989, "Conduciendo a miss Daisy", con Morgan Freeman en el papel del conductor negro y Jessica Tandy, una anciana blanca, en el de su jefe. En ambas, la comunicación crea lazos de afecto y comprensión, a pesar de las reticencias iniciales. 

Aunque el final es un previsible cliché que desluce la intención inicial, la película hace visible el que la diferenciación en el trato a otros por su color, no sólo agrede su dignidad, sino que crea resentimientos y profundiza el odio.

Para destacar, la excelente actuación de Viggo Motensen quien hace un papel fresco, espontáneo y que combina la fuerza bruta y la ternura. A mi modo de ver, tiene más credibilidad que el papel de Mahershala Ali, como el pianista. 

Para terminar, vale la pena mencionar las palabras de la escritora nigeriana Chimamanda Ngozi Adichie a propósito de las miradas desde un solo lado " la historia única crea estereotipos y el problema con los estereotipos no es que sean falsos, sino que son incompletos. Hacen de una sola historia la única historia" 

"La consecuencia de la historia única es esta: roba la dignidad de los pueblos, dificulta el reconocimiento de nuestra igualdad humana, enfatiza nuestras diferencias en vez de nuestras similitudes". 

Sobre los directores

Spike Lee nació en 1957 en Atlanta, Georgia. Es director, guionista, productor y actor. Otras de sus películas: Malcom X, Haz lo correcto, la última noche. En el 2015 ganó el Óscar honorífico. 

Peter Farrelly. Nació en 1956 en Phoenixville, Pensilvania. Es productor, director y guionista. Otras películas suyas: Loco por Mary, dos tantos muy tontos. 

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OTRAS SORPRESAS DE LOS HERMANOS COEN

Una serie y una película, que pueden encontrarse en la plataforma de Netflix, dirigidas por los hermanos Joe y Ethan Coen, nos sorprenden por su riqueza visual, su ritmo y por la forma de contar las historias. Se trata de "Fargo" y "la balada de Buster Scruggs".

FARGO -La serie-

Años: 2014, 2015, 2017

País: Estados Unidos

Una serie de 3 temporadas, de los años 2014, 2015 y 2017, rodadas en Calgary (Canadá), y cuyo argumento se desarrolla en Minnesota, basada en la película de estos mismos directores de 1996, ganadora en su momento en el festival de Cannes, así como de dos premios Óscar y un Bafta.

En cada temporada hay un thriller independiente, con actores diferentes, siendo el denominador común los crímenes en un pequeño pueblo donde aparentemente pasa muy poco. La policía local, a cargo de las investigaciones, esta personificada por hombres burócratas y torpes. Los homicidios terminan aclarándose por la persistencia de empleados subestimados, que suelen ser mujeres que no temen enfrentar riesgos y resuelven con inteligencia y valentía los casos. 

Lo que puede ser un caso criminal corriente, se va complicando por el afán de esconder un accidente, una deuda, o por una venganza, lo que lleva a ahondar los problemas y desemboca en situaciones absurdas, muchas veces surrealistas, que son presentadas llenas de humor y también, hay que decirlo, de violencia artística. 

La narración de acontecimientos, mediante flash back y una poderosa fotografía, son impactantes visualmente y nos permiten ir armando el rompecabezas de la trama. Cierta complicidad que se crea con los protagonistas, tiene que ver con el hecho de pasar de ser personas honradas y corrientes a revelar una naturaleza siniestra, la cual ellos mismos no sabían que tenían. Las imágenes con los paisajes de nieve, las escenas en cámara lenta y los encuadres simultáneos, de frente y con escenas que suceden en el fondo, constituyen un verdadero arte y esto es lo que diferencia el trabajo de estos directores. 

Aunque considero la primera temporada como la mejor, especialmente por las actuaciones de Billy Bob Thornton, Martin Freeman y Allison Tolman, el reparto de las siguientes también es destacable por las representaciones de Ewan Mc Gregor, Kirsten Dunst y Carrie Coon. 

Un verdadero placer para disfrutar y reír a pesar de la crudeza de los temas. 

"LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS".

Directores: Joe y Ethan CoenAño: 2018
País: Estados Unidos
Protagonistas: Varios (6 historias)

Esta película se basa en 6 historias del viejo Oeste Americano escritas por los hermanos Coen. Vale la pena definir cada una de ellas con una palabra referente a la naturaleza humana, cuya condición quieren recalcar. 

La primera es la del pistolero certero que mata a muchos forajidos hasta que encuentra la muerte con un hombre más hábil.  Los cantos de los vaqueros van a la par con los hechos; al final, el muerto asciende con sus alas al cielo. Retrata la soberbia. La segunda historia muestra al ladrón de bancos quien escapa una vez de la horca, pero no tiene una segunda oportunidad, aunque así lo esperemos. Nos ilustra el cinismo en el diálogo con su compañero en la ahorca. La diligencia hace parte de la tercera historia, en la cual se desarrolla un diálogo entre un francés y una mujer devota religiosa quién es cuestionada sobre su matrimonio y su relación familiar. Nos muestra la hipocresía de quien maquilla la verdad. El cuarto cuento es sobre la búsqueda de oro por parte de un viejo minero, donde se destaca la belleza de los paisajes. Retrata la ambición y la codicia. Por último, en la historia de una caravana vemos la paradoja del surgimiento del amor ideal, acompañado de la muerte prematura de la novia. Deja de presente la ingenuidad de la juventud. 

Descripciones todas con un ritmo que nos mantiene en vilo, cada una con un énfasis diferente, pero con gran riqueza interpretativa, musical y argumental. Las historias son un homenaje a una época y a una forma de vida, en la formación de los pueblos del occidente americano. 

DE LOS DIRECTORES 

Artistas estadounidenses de descendencia judía, Joel nació en 1954 y Ethan en 1957. Crecieron en Minneapolis a la cual uno de ellos describió como "Siberia con restaurantes familiares". Joel estudio cine en la universidad de Nueva York y Ethan se graduó en filosofía en Princeton. Empezaron a trabajar juntos en 1984 y han dirigido un sinnúmero de cintas. Se hace referencia a ellos como el  "director bicéfalo" por la complementariedad de su trabajo. Sus películas tienen influencia del western, el cine de gánsteres y el cine negro. Empezaron como directores independientes, aspecto que han querido mantener. 

Otra Películas de los directores: "Quemar después de leer", "el gran Lebowski", "sin lugar para los débiles"