LA VIUDA DE CLICQUOT

Director: Thomas Napper

País: Estados Unidos

Año: 2023

Reparto: Haley Bennet, Tom Sturridge, Sam Riley, Ben Miles

Esta película presenta una etapa en la vida de Barbe-Nicole Ponsardin desde que contrajo matrimonio con Francoise, hijo de Philipe Clicquot, este último comerciante de textiles y dueño además de un pequeño viñedo en Reims, Francia, el cual gracias al empuje de su nuera se hizo grande y famoso no sin antes atravesar por varios fracasos.

De manera fragmentada la cinta nos presenta la unión de la joven pareja mediante escenas que van combinando el presente con los recuerdos de ella. Al inicio de su relación ellos tuvieron una convivencia idílica, muy pronto afectada por la enfermedad mental de su esposo. En efecto, Francoise era un soñador y experimentó sin éxito nuevas maneras de cultivar uva y combinar diferentes cepas, en momentos complicados para Francia pues enfrentaba las guerras napoleónicas, lo cual hacía difícil sacar adelante los negocios. Estos hechos sumados al consumo de opio afectaron la salud de Francoise y su muerte se produjo de manera temprana.

Barbe-Nicole, viuda a los 27 años y con una hija de 3, decide enfrentar a su suegro ante la solicitud de éste de vender los terrenos a la familia Möet, grandes propietarios de viñedos en la misma región, pues no se aceptaba que una mujer se pusiera al frente de los negocios. La persistencia de ella buscando nuevas formas de producir un vino burbujeante de manera más eficiente junto con el apoyo de sus trabajadores y el empuje comercial de Louis Bohne, le dieron el impulso para enfrentar los obstáculos.

La película en la segunda parte se centra en las dificultades que tuvo Barbe-Nicole especialmente en sus exploraciones para lograr una eficiente producción. Resulta que los residuos de la levadura y el azúcar, necesarios para obtener las burbujas del vino, se sedimentaban y fueron precisamente los estudios de esta mujer los que permitieron desarrollar una técnica. Esta consistió en colocar las botellas de forma invertida en mesas especiales que facilitaran girarlas diariamente, evitando los cambios de botella que era lo usual y logrando la limpieza de los sedimentos en la boca del envase para aclarar el líquido y ahorrar tiempo. Esta contribución, fundamental para la industria en el futuro, se insinúa, pero no queda suficientemente ilustrada en la cinta.

Otra de las complicaciones que debió solventar esta mujer fue la comercialización del vino burbujeante. Francia, a principios del siglo XIX, estaba atravesando por una época de guerras, entre ellas con Rusia, y las fronteras se cerraron evitando cualquier intercambio comercial con ese país. Luis Bohne fue el apoyo de Barbe-Nicole para incursionar en el mercado ruso y dar a conocer su vino en la corte del zar, pero además tuvo la audacia de buscar nuevas rutas para enviar su producto fuera de Francia rompiendo las prohibiciones vigentes y adelantándose a sus competidores. Cuando las guerras cesaron, ya se valoraba en San Petersburgo el vino producido por Barbe-Nicole.

En la última parte de la película, la viuda de Clicquot, como se le conocía, fue llevada a juicio pues sus competidores querían sacarla del mercado y argumentaron que una mujer no podía manejar un negocio y que además tenía amores secretos con Luis Bohne. En un final abrupto este le propone matrimonio a Barbe-Nicole para salvar el negocio y ella se niega. La película finaliza en este punto sin que sepamos qué pasó posteriormente. Lo que sucedió después en la vida real es que ella pudo seguir al frente de su empresa, nunca se casó e incrementó las tierras para sus cultivos.

La película es un homenaje a una mujer pionera pues fue la primera en dirigir un negocio de vitivinicultura. “La gran dama del champán” se le denominaría y aunque no se aborda en la cinta, estuvo dirigiendo su empresa hasta muy avanzada edad falleciendo a los 89 años. Actualmente viuda de Clicquot es una de las mayores casas de champán del mundo produciendo alrededor de 20 millones de botellas por año.

La interpretación de Barbe-Nicole a cargo de la actriz estadounidense Haley Bennet, es impecable pues asume totalmente el perfil de la época a lo cual ayuda la buena ambientación y los hermosos paisajes. La filmación se realizó en Chablis y Reims, en Francia. La música estuvo a cargo de Bryce Dessner compositor y guitarrista, radicado en Paris, miembro de la banda de rock The National.

Esta película se puede ver en Apple TV, Prime Video o Fandango at home.

Del director: Thomas Napper nació en Londres en 1970. Otras de sus películas: “El último asalto”, “Las nueve vidas de Tomas Kate”.

 

 

CUATRO PELÍCULAS DEL 2023

DISPARARON AL PIANISTA

Directores: Fernando Trueba y Javier Mariscal

País: España

Año: 2023

En formato de animación, esta película narra la historia de Tenorio Junior, un virtuoso pianista brasileño, desaparecido en 1976 a la edad de 35 años durante la época de la dictadura militar Argentina, cuando realizaba una gira musical acompañando a su amigo Vinicius de Moraes en ese país.

A partir de testimonios recogidos por Fernando Trueba con familiares y amigos del músico (su esposa, su amante, sus compañeros) durante 150 horas de entrevistas, el director reconstruye la vida de este compositor e intérprete. Tenorio era reconocido además de su maestría como instrumentalista de jazz y de bossa nova, por poseer una personalidad tranquila y amable. Todo parece indicar que su desaparición obedeció a su apariencia física, por su pelo largo, su barba y por su condición de extranjero (pues no estaba involucrado en política), lo cual generó sospechas dentro de la policía del régimen argentino quien lo condujo a la ESMA (escuela de mecánica de la armada), donde nunca se volvió a tener noticias de él.

Una historia bien contada, con un colorido y una estética maravillosa y con música extraordinaria de la época del bossa nova en la cual se destacan interpretaciones de Joao Gilberto, Caetano Veloso, Milton Nascimiento, Vinicius de Moraes, Toquinho y del mismo Tenorio Junior. La playlist, muy recomendable, se encuentra en Spotify con el mismo nombre de la película.

Fernando Trueba hace este segundo trabajo con el diseñador Javier Mariscal después de 10 años de su colaboración conjunta en “Chico y Rita” donde ambientaron una historia de amor en Cuba, en el mismo formato de animación, destacando la música de la isla de los 40’s y los 50’s, siendo nominada a los Oscar en el 2012.

La película se puede ver en Movistar Plus, Amazon video, Apple TV.

De los directores: Fernando Trueba es un director de cine, guionista y productor español, nacido en 1955. Otras películas suyas son: “Bella época” (ganadora a mejor película de habla no inglesa en 1993), “El artista y la modelo”, “El olvido que seremos”, “Chico y Rita”, “La niña de tus ojos”. Ha sido galardonado con numerosos premios nacionales e internacionales.

Javier Mariscal es diseñador, ilustrador, pintor, escultor. Nació en España en 1950.Jugó un papel muy activo en la movida española y en el cómic en su país. Uno de sus diseños más famosos fue Cobi, la mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. Ha expuesto en París, Londres, Corea. Su obra está en varias colecciones públicas y privadas.

 

UN AMOR

Directora: Isabel Coixet

País: España

Año: 2023

Reparto: Laia Costa, Hovik Keuchkerian, Luis Bermejo, Hugo Silva

Esta película está basada en la novela homónima de la escritora Española Sara Mesa. Narra la nueva vida de Nat una mujer profesional, urbana, una vez que toma la decisión de dejar su trabajo en la ciudad e irse a vivir al campo, lo cual constituye todo un reto pues debe enfrentar la soledad, el escrutinio de sus vecinos y las complejidades de la vida rural.

El dueño de la casa, quien se la arrendó, es un tipo descortés y grosero, uno de los vecinos solo piensa en acostarse con ella, “¿por qué no, si está sola?”, la pareja de al lado aparenta un mundo perfecto y feliz y Andreas le propone un particular intercambio.

En efecto, Andreas quien le ayuda con los arreglos de la casa que ha alquilado y la cual ha recibido en pésimas condiciones inicia con Nat una particular relación. Ella siente un apego obsesivo y para él no pasa de ser solo sexo, con la certeza de que así se lo planteó desde el principio.

Esta situación obliga a Nat a confrontar sus inseguridades y sus miedos y a actuar de manera distinta con más confianza en sí misma superando esa fragilidad inicial de la cual todos se aprovechan cuando se detecta. Como lo expresó su directora en una entrevista: “todas esas microagresiones son constantes en la vida diaria…día tras día te minan la moral y te amargan la vida”.

Aunque esta cinta no es especialmente destacable, es fiel al libro en el que se basa y hace explícito el anhelo de liberación de mujeres que aprenden a superar sus problemas de autoestima a partir de sus vivencias personales.

Esta película se puede ver en Movistar Plus, Prime video, Amazon video, Apple TV.

Del director: Isabel Coixet es una guionista y directora española, nacida en 1960. Otras de sus películas: “La Librería”, “Mi vida sin mí”, “La vida secreta de las palabras”, “Elisa y Marcela”. Ha sido ganadora de dos premios Goya como directora.

SOBRE HIERBAS SECAS

Director: Nury Bilge Ceylan

País: Turquía

Año: 2023

Reparto: Merve Dizdar, Denis Celiloglu, Musab Ekici, Ece Bagci

Samet, un profesor de escuela rural en Anatolia tiene la ilusión de abandonar el pueblo a donde fue enviado por el sistema educativo de Turquía (quien exige este trabajo por al menos 4 años), pues siente que su mundo se reduce en ese entorno. Un incidente en la escuela donde trabaja pone en riesgo sus planes de traslado a Estambul a donde aspira volver.

El hastío e inconformidad del profesor se reflejan en las relaciones con sus alumnos y en el trato con sus colegas cuyas conversaciones considera banales. Este ambiente, junto con las precarias condiciones de la comunidad donde vive exacerba el resentimiento de Samet, quien avizora sombrías perspectivas para su futuro.

El trato preferencial a una de sus alumnas de 14 años, las conversaciones y los regalos por parte de Samet, generan en ella la ilusión de un romance que al no concretarse la llevan a denunciar este comportamiento como inadecuado y lo pone en apuros con sus superiores. Las pocas oportunidades de tener contacto con personas que él pueda considerar a su altura, surgen cuando conoce a una maestra que llega de la capital, Nuray, quien se convierte en sujeto de rivalidad con su compañero de vivienda, Kenan, otro colega de la escuela.

Las reflexiones que surgen en este cerrado ambiente exponen la situación de Samet para tratar de encontrar respuestas en un mundo exterior donde siempre las busca. Es destacable la conversación sostenida entre Samet y Nuray, quien confronta las expectativas del profesor y cuestiona su posición frente a su futuro pretendiendo que el traslado que tanto espera será la solución a todos sus problemas, olvidando que estos lo acompañarán a donde quiera que él vaya.

Como nos tiene acostumbrados este director, las tomas de los paisajes rurales turcos son bellísimas, así como la dureza y soledad que refleja el invierno en estas zonas. Los planos de las caminatas en la nieve, así como las fotografías de sus habitantes, afición que practica Samet, se nos presentan una a una y son para destacar. Hay que recordar que el director también es fotógrafo y es evidente la importancia que da a este arte en sus cintas.

Es una película con 3 horas de duración que por momentos se tornan excesivas, pero que de todas maneras están llenas de buenos diálogos y de una profunda belleza.

Esta película se puede ver en Apple TV plus, Disney Plus, Amazon prime, Movistar Plus.

Del director: Nury Bilge Ceylan es fotógrafo, actor, guionista y director de cine nacido en Turquía en 1959. Ha ganado premios en varios festivales. Otras de sus películas “Sueño de invierno”, “Uzak”, “Erase una vez en Anatolia”, “Tres monos”, “El peral silvestre”.

EL MONJE Y EL RIFLE

Director: Pawo Choyning Dorji

País: Bután

Año: 2023

Reparto: Harry Einhorn, Tandin Wangchuk, Tandin Phubz, Choeying Jatsho, Deki Lhamo, Tandin Sonam, Perma Zangmo Sherpa

Esta película se enfoca en un momento de la historia reciente del reino de Bután cuando la monarquía delegó las funciones de gobierno en mandatarios elegidos por voto popular. Este hecho ocurrió en 2008, año en el cual se aprobó la monarquía constitucional democrática, donde el rey es jefe del estado y el poder ejecutivo se ejerce en el gabinete y en los entes locales.

La película tiene como escenario un pueblo de las montañas y desarrolla dos historias paralelas. Una, la de las elecciones y la pedagogía para enseñar a sus habitantes a votar por vez primera. La otra, la de la llegada de un estadounidense en busca de un rifle de colección que pretende encontrar en esas tierras.

La llegada de la democracia es un hecho inédito para una población inmersa en sus asuntos rurales cotidianos donde la figura del rey es aceptada y venerada y se ve muy lejos de sus asuntos mundanos. La posibilidad de elegir y ser elegido saca a relucir las ambiciones de quienes quieren llegar a gobernar y crea divisiones entre la comunidad y dentro de las mismas familias.

Por otro lado, la búsqueda de un rifle por parte del norteamericano es apoyada por un joven de la ciudad quien viaja hasta el pueblo indagando por el arma, ya que su venta puede generarle una comisión a él y una gran ganancia al comprador.

Estos dos hechos confluyen el día señalado para las votaciones, en un acto presidido por el Lama del pueblo (en quien todo el pueblo deposita su fervor y confianza), con el objetivo de pacificar los espíritus de la ambición y de la guerra que flotan en el ambiente.

Una película que, a partir de nuestra mirada occidental, en medio de la belleza de sus paisajes, sus gentes y con un buen sentido del humor, revela cierta ingenuidad, pero al tiempo retrata situaciones que pueden permear cualquier cultura aún aquellas menos contaminadas que la nuestra.

Al igual que en “Lunana”, del mismo director (reseñada en este blog, http://dardoalinfinito.blogspot.com/2022/07/lunana-y-un-heroe.html?m=1) donde se apreciaba la vida rural en pueblos alejados de las montañas de Bután y cuyo acceso requiere de varios días se resaltan los preciosos relieves de este país situado en el sur de Asia, en la vertiente del Himalaya oriental.

Esta película se puede ver en Apple TV Plus, Disney Plus, Amazon prime video, Movistar Plus.

Del director: Pawo Choyning Dorji es un cineasta y fotógrafo butanés, nacido en 1983. “Lunana” fue su primera película, por la cual fue nominado en los premios Oscar en la categoría de mejor película internacional. Es autor de varios libros de ensayo de fotografía.

 

Mujeres cercadas por la violencia. Dos películas

Dos películas recientes, una mexicana y otra italiana, nos ofrecen dos perspectivas sobre la violencia de género a la cual están expuestas las mujeres. La primera devela la realidad del país americano frente a un problema que por su recurrencia se ha vuelto crónico, como es el de las desapariciones femeninas las cuales mantienen un alto grado de impunidad. La segunda cinta nos remite a los años posteriores a la segunda guerra mundial en Italia, a partir de las situaciones que vive una familia obrera, con un jefe de hogar machista y misógino, bastante presente en la cultura latina de estos años.

RUIDO

Directora: Natalia Beristáin Egurrola

País: México.

Año: 2022

Reparto: Julieta Egurrola, Teresa Ruiz, Pedro de Tavira, Arturo Beristáin, Adrián Vásquez

La pérdida de su hija, pocos días después de su graduación en la universidad, obliga a Julia a emprender una búsqueda afrontando los intrincados laberintos burocráticos de las dependencias gubernamentales mexicanas, donde no solo no dan razón de ella, sino que muestran poco interés por encontrarla y resolver el caso.

La hija de Julia salió de paseo con unas amigas para celebrar la culminación de sus estudios y nunca regresó. Ante la impotencia por la poca acción por parte de las autoridades, Julia decide indagar por su cuenta y se apoya primero, en una periodista que investiga casos de desapariciones y luego en las madres víctimas de situaciones semejantes, que han abordado por su cuenta la misma lucha para encontrar las pistas que permitan hallar a sus seres queridos.

En efecto, como si se tratara de un hecho normalizado dada la magnitud de las cifras de desaparecidos en México, grupos de madres realizan búsquedas conjuntas en terrenos de poblaciones donde estos hechos tienen mayor ocurrencia, encontrando tumbas colectivas, lugares que sirvieron de paso para la trata de mujeres o para la prostitución.

En este recorrido Julia alcanza a entender la dimensión del problema y encuentra en la solidaridad de otras mujeres las fuerzas para continuar con su propósito. Las amenazas a ella y a la periodista que le acompaña son la respuesta de grupos que no quieren que esas realidades salgan a la luz, que tienen un poder que desborda las capacidades del estado o que tienen cooptadas a sus autoridades.

Al final, Julia da con el individuo clave que le revela las “razones” que llevaron al grupo responsable, a cometer el asesinato de su hija, después de violarla. La decisión de Julia después de ver la infamia de su propia situación, así como la de muchas jóvenes y madres en su país, la compromete en una batalla al lado de aquellas mujeres que denuncian y que piden al gobierno soluciones para que esos temas no queden literalmente enterrados.

Una actuación muy buena de Julieta Egurrola, una denuncia de la desidia de las autoridades de México y de la corrupción rampante, y una esperanza por la actitud solidaria de quienes siguen poniendo el empeño en visualizar un problema mayúsculo.

En México, desde 1964, año a partir del cual se tienen registros y hasta el año 2023, han desaparecido 110.000 personas. Sin embargo, y esto es lo llamativo, el 90% de dichas desapariciones ocurrieron después del 2006 y en ese grupo el 24% correspondieron a mujeres, concentradas en edades entre los 10 y los 19 años. La respuesta del gobierno ha sido poco efectiva e insuficiente. Las razones de esta situación en el caso de las mujeres obedecen a esclavitud sexual, prostitución infantil, trabajo forzado, informantes de grupos ilegales o utilización como mercancía de intercambio. Películas como “Ruido” permiten dar a conocer y poner los focos en esta problemática, sin que esta denuncia demerite sus virtudes artísticas.

De la directora: Natalia Beristáin Egurrola, nacida en ciudad de México en 1981, es una directora, documentalista, productora ejecutiva egresada del centro de capacitación cinematográfica de México. Otras de sus películas: “No quiero dormir sola”, “Los adioses”. Se ha hecho acreedora a varios premios en su país por sus notables filmes.

Esta película se puede ver en Netflix.

SIEMPRE NOS QUEDARÁ MAÑANA

Directora: Paola Cortellesi

País: Italia

Año: 2023

Reparto: Paola Cortellesi, Romana Maggiora, Valerio Mastandrea, Emanuela Fanelli, Francesco Centorame, Vinicio Marchioni.

Esta cinta, ambientada en la Italia de 1949, es filmada en blanco y negro, con una escenografía similar a la que podemos apreciar en las películas del neorrealismo italiano que retrataba con gran veracidad los años de pobreza, privaciones y los traumas que vinieron con la finalización de la segunda guerra mundial. La historia está contada a partir de las vivencias de una familia de clase obrera con un padre machista y maltratador, quien convive con su papá, su esposa Delia, una hija joven y dos hijos menores.

Mientras que Delia rebusca ingresos con oficios diversos como la aplicación de inyecciones, la reparación de ropa interior, el arreglo de sombrillas, el lavado de ropa, pero además debe cuidar de su casa debe hacerse cargo de la alimentación de la familia y del cuidado de sus hijos. Ninguna de estas labores es reconocida por su esposo quien la insulta por inútil y por no obtener dinero adicional. Solo una ilusión vino a iluminar la vida de Delia: la expectativa del matrimonio de su hija con el primogénito de una familia pudiente del barrio, dueña de una cafetería.

A escondidas de su esposo, Delia ha podido ahorrar para el traje de novia de su hija y sueña con que ella pueda tener una vida diferente a la suya. Sin embargo, un hecho casual en la relación de la joven pareja la hace dudar de que el sueño que tiene para su hija pueda llevarla a ser feliz y por ello decide cambiar el rumbo de los acontecimientos. En complicidad con un soldado americano (quien forma parte del grupo de militares que realiza custodia en el país de los vencidos), con el que ha trabado amistad, ponen en marcha un plan secreto. La resolución de este asunto, que termina siendo cómico por lo absurdo, es uno de los varios aportes que dan frescura a la película junto con otros que son abordados de manera poco convencional, como las escenas de baile de la pareja para mostrar las agresiones del esposo a Delia o la música que acompaña algunos otros momentos.

Una historia muy bien contada, con un guiño en la última parte que nos hace creer que Delia busca huir de su situación, pero que finalmente alcanza a rescatar un mensaje sobre el inicio de un futuro liberador para las mujeres que han sido maltratadas, olvidadas y subestimadas. Es el principio de una nueva era, en una sociedad que solo ha visto a las mujeres como procreadoras y esclavas de las labores domésticas.

Buenas actuaciones, escenografías de época muy bien logradas y una historia de opresión a la mujer que sin embargo termina con una mirada esperanzadora sobre el futuro que abrió para las generaciones posteriores el reclamo por sus derechos civiles.

Para la directora “esta película es un homenaje a las historias que me contaron mis abuelas, quienes fueron testigos en sus patios de muchas mujeres maltratadas por sus maridos, que se creían sus dueños”.

De la directora: Paola Cortellesi nacida en Roma en 1973, es una actriz, guionista, imitadora, cantante y directora italiana. Esta película, “siempre nos quedará mañana”, su ópera prima, tuvo más de 6 millones de espectadores en su país.

Esta película se puede ver en Amazon Prime o Disney Plus. 

 

LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD

Director: Matt Brown

País: Reino Unido

Año: 2023

Reparto: Anthony Hopkins, Mattew Goode, Jodi Balfour, Liv Lis Fries

“Todo lo que vemos o parecemos no es más que un sueño dentro de un sueño” Edgar Alan Poe, citado por Freud.

Es el año de 1939 en Londres y las noticias que se transmiten por radio se refieren a la invasión de Hitler a Polonia hace apenas dos días. Se concentran todas las expectativas en la posición que afrontará Inglaterra en medio del conflicto que la amenaza. Son los inicios de la Segunda Guerra Mundial.

Sigmund Freud, el médico creador del sicoanálisis, ha salido de Viena en donde residía huyendo de la persecución Nazi a los judíos, junto con su hija Anna, en búsqueda de un refugio seguro en Londres. El aviso definitivo para abandonar Austria fue el encarcelamiento por 12 horas de Anna, quien decidió tomar el lugar de su padre cuando iba a ser conducido a la cárcel por la Gestapo, a pesar de su enfermedad.

En este contexto se desarrolla la película, la cual transcurre en un día, durante la visita del académico de Oxford, el profesor C S Lewis a la casa donde reside Freud en Londres después de su huída. La cinta está basada en la obra de teatro homónima de Mark St Germain, a su vez basada en el libro “La cuestión de Dios” de Armand Nicholi. Aunque la película se enfoca en la conversación de Freud y Lewis, nos va llevando mediante flashback al pasado, con los recuerdos que uno y otro personaje evocan durante su encuentro.

C S Lewis fue un apologista cristiano después de haber sido ateo y eran famosas sus charlas sobre cristianismo. Sigmund Freud era un incrédulo. Precisamente las posiciones encontradas de dos hombres cultos y con poderosos argumentos sobre la religión y la existencia, están en el corazón de este filme. Por la profundidad de las discusiones vale la pena destacar temas y puntos de vista allí confrontados.

La charla se lleva a cabo en un momento crítico de la salud de Freud, quien padecía un cáncer de paladar, causa de su muerte solo tres semanas después. Los dolores producidos por su enfermedad lo hicieron adicto a la morfina y a demandar la atención permanente de su hija Anna con quien convivía.

Sobre Dios y la religión.

“Amemos a nuestro prójimo como a ti mismo, que imposibilidad tan maravillosamente simple e imbécil”. “Ponga la otra mejilla… por favor” le dice Freud a Lewis. “La religión hizo del mundo nuestra guardería, un pequeño corralito. Maduren ya”.

En la discusión sobre este tema C S Lewis le dice a Freud que su posición parece sugerir que sufre de una neurosis obsesiva y el otro responde que simplemente le está desafiando su creencia en la incredulidad.

Freud pregunta a Lewis si fueron sus padres quienes le inyectaron el cuento de hadas de la fe, lo cual da pie a que este último hable sobre su infancia, la muerte de su madre a los 10 años y la tristeza que este hecho produjo en su padre al punto que él y su hermano fueron enviados desde Irlanda, donde vivían, a un internado en Inglaterra. Freud le dice que precisamente la ausencia del padre fue el motivo que lo llevó a buscar una figura paterna divina.

A su vez Freud se refiere a su propia niñez y manifiesta que sentía el anhelo de caminar en el bosque, buscar la oscuridad y que eso le permitía estar en paz consigo mismo. Su padre fue severo y él estuvo más cerca de su niñera quien era católica. Lewis le contesta entonces a Freud que la decepción que manifiesta con su padre lo obliga a negar a Dios. “El deseo de que Dios no existe puede ser tan poderoso como la creencia de que existe”, le argumenta.

Cuando hablan sobre Cristo, Freud sostiene que fue un hombre como Mahoma o como Buda, pero niega su condición de Dios y afirma que muchos de sus pacientes decían ser cristo y que por ello no estaba obligado a tomárselos en serio.

Sobre Anna, la hija de Freud

Anna, la hija de Freud, una siquiatra y académica, mantiene con su padre una relación de codependencia. Anna fue paciente de su padre en el sicoanálisis. El jefe de ella en la universidad donde imparte clases, le manifiesta que idolatrar a los padres después de la adolescencia no es una virtud, es una compulsión. Freud sostiene una posición egoísta con su hija, manifiesta que Anna y él acordaron que ella no consideraría una relación sentimental hasta que ambos sintieran que era la adecuada.

Freud y Lewis hablan sobre la homosexualidad, habida cuenta que Anna tiene su pareja, Dorothy, también siquiatra, con quien viajó desde Viena. Freud sostiene que la homosexualidad no es inmoral, sin embargo, le cuesta aceptar esa condición de su hija y sostiene que el lesbianismo tiene su origen en el padre. Dice que el sicoanálisis se relaciona inherentemente con lo sexual. Lewis le dice a Freud que le parece terriblemente egoísta -refiriéndose a Anna- cuando antepone su dolor por encima del dolor de los demás.

Cuando abordan el tema de las relaciones Lewis confiesa su amorío con la madre de un compañero del ejército que resultó muerto cuando ambos prestaban el servicio militar durante la primera guerra mundial, pero no amplía los detalles. Freud dice, a propósito del tema, que considera más interesante lo que la gente no llega a decirle que lo que dicen.

Sobre el sufrimiento

Lewis dice que el sufrimiento es culpa del hombre a lo que Freud refuta: entonces, ¿yo provoqué mi propio cáncer? Si Dios es bueno haría a todos los hombres felices, pero no lo somos, entonces Dios carece de bondad o de poder, argumenta. A lo que Lewis responde: ¿Y si Dios quiere perfeccionarnos a través del sufrimiento? Hacernos comprender que la verdadera felicidad proviene de él. Freud habla entonces de la muerte de su hija, a la edad de 27 años por la gripe española, y de la muerte de su nieto a los 5 años por causa de la tuberculosis y entonces cuestiona: hay tanto dolor en este mundo y ¿es ese el plan de Dios?

Usted cree en la revelación. Yo creo en la ciencia. Todos nos escondemos detrás de la ignorancia, concluye Freud.

La conversación termina cuando Freud le dice a Lewis “la muerte es tan injusta como la vida. Todos somos cobardes ante la muerte”.

Esta película es exigente por la conversación densa entre estos dos personajes, interpretados de manera magistral por el reconocido Anthony Hopkins, como Freud y por Mattew Goode, como C S Lewis. El formato narrativo de la película se corresponde en mucho al del teatro y se privilegia la conversación por encima del montaje escénico.

Algunos aspectos curiosos de la película.

En la cinta se ambienta la casa de Londres donde vivió Anna hasta su muerte, la cual fue posteriormente convertida en museo.

Anthony Hopkins a sus 85 años personificó a Freud. Según el director Matt Brown memorizaba 6 páginas del guión al día que luego interpretaba sin apoyos frente a la cámara. Una composición musical de Anthony Hopkins cierra la película.

Anna Freud hizo importantes aportes a la siquiatría infantil, no tan visibles por la sombra de su padre los cuales son señalados marginalmente en la cinta.

C S Lewis escribió libros y ensayos que exploran la temática cristiana y sin embargo fue posteriormente reconocido por sus obras de ficción, especialmente por la saga de “Las crónicas de Narnia”.

Del director: Matt Brown nació en Boston, EEUU, en 1979. Es guionista y director de cine. Otras de sus películas son: “El hombre que conocía el infinito”, “London Town”, “Ropewalk”.

Esta película se puede ver en Claro, Apple TV, Amazon Prime, Google Play

CINE IRANÍ - 3 PELÍCULAS RECIENTES

Varios y muy talentosos directores de cine se destacan en Irán. Basta mencionar algunos con cintas que han reflejado la situación de las mujeres en su país como es el caso de Marjane Satrapi, recientemente galardonada con el premio príncipe de Asturias de comunicación y humanidades, y quien nos deleitó con su bella película “Persépolis”. Asghar Farhadi, con películas sobre las relaciones de pareja en la cultura de Irán mostradas en “Una separación” y en “El cliente”. Abbas Kiorostami con esa bella oda a la amistad infantil expuesta en el filme “Donde está la casa de mi amigo”, o aquella reflexión sobre la muerte que podemos apreciar en “El sabor de las cerezas”. Barman Ghobadi, con esa película sobre la búsqueda de minas en campos de guerra por parte de niños víctimas del conflicto entre Irán e Irak en “Las tortugas también vuelan”, o el contrabando ejercido por los kurdos cruzando peligros para sobrevivir en “Los caballos borrachos”. Mohammad Rasoulof con “La vida de los demás” donde retrata la vida simple de un padre de familia quien paralelamente ejerce como verdugo de los condenados a muerte, o la corrupción a la que se resigna en “Un hombre íntegro”. Esto por mencionar algunos talentos artísticos de esa maravillosa cultura persa.

Irán, un régimen teocrático, mantiene una política represiva contra las mujeres y contra las libres manifestaciones artísticas. Vale recordar que en el festival de Cannes de este 2024, celebrado en mayo, el director Mohammad Rasoulof quien huyó de su país después de estar en prisión por apoyar la revuelta de las mujeres en 2022 y quien enfrenta una nueva sentencia condenatoria, se convirtió en un símbolo de resistencia con su última película “La semilla del higo sagrado” donde muestra su rechazo ante la muerte de Masha Amini tras ser detenida por no llevar el hijab (velo). Muchos otros directores iraníes han sido perseguidos por el gobierno y han emigrado para seguir haciendo cine desde fuera de sus fronteras; por ello, entre otras cosas, es tan valiosa su labor.

Como manifestaba Rasoulof “Irán tiene muchísimos directores talentosos que pueden luchar contra la censura y encontrar su propia voz, más allá de las restricciones…” “Deberíamos preguntarnos… ¿por qué el régimen iraní está tan preocupado de que la gente cuente historias, de que hagan películas?”

Las películas que a continuación reseño son recientes: “Holy Spider”, “Los hermanos de Leyla” y “Fremont”.

HOLY SPIDER

Director: Ali Abbasi

País: Dinamarca

Año: 2022

Reparto: Zar Amir-Ebrahimi, Mendivil Bajestani, Arash Ashtiani, Forouzan Jamshidnejad

En la ciudad santa de Mashdad, en Irán, lugar de peregrinación para los chiitas localizada a 850 km de Teherán, un hombre se dedica a matar prostitutas, con el propósito según él, de “limpiar la ciudad”.

Ante la inacción por parte de la policía para investigar los 16 asesinatos, una reportera pone en riesgo su vida disfrazándose de prostituta hasta desenmascarar al asesino. Frente a la sentencia de muerte al culpable, muchos miembros de la sociedad buscan salvarlo pues justifican su labor y hasta lo consideran un héroe.

Una película que desvela la mentalidad machista, aún de las mujeres, y la doble moral que acompaña a quienes se erigen como salvadores por acabar con vidas que consideran “desechables”, dados sus estrictos códigos morales y religiosos. La cinta está basada en el caso real de un asesino en serie de trabajadoras sexuales por considerarlas impuras, apodado “el asesino de las arañas”, arrestado en 2001 en Irán.

La protagonista Zar Amir Ebrahimi, quien caracteriza a Rahimi, se llevó el premio a la mejor interpretación femenina en el festival de Cannes en 2022.

Esta película se puede ver en Netflix.

Del director: Ali Abbasi nació en 1981 en Teherán. Se nacionalizó en Dinamarca. Es graduado en artes de la escuela nacional de cine de Dinamarca. Otras películas suyas son: “Shelley”, “Border”, con la cual ganó en Cannes en 2018 en la categoría de “una cierta mirada”.

LOS HERMANOS DE LEYLA

Director: Saeed Roustayi

País: Irán

Año: 2022

Reparto: Taraneh Alidoosti, Saeed Poursamimi, Navid Mohammadzadeh, Peyman Moaadi

Leyla, una mujer soltera de 40 años, vive con sus padres octogenarios y con cuatro hermanos más. La familia atraviesa por una difícil situación financiera, que no es reciente, pues todos ellos dependen del sueldo de Leyla, la pensión del padre y los trabajos precarios de los demás hermanos.

Leyla es la más pragmática de la familia y se enfoca en buscar soluciones a la dramática situación ecónomica, por lo cual propone la compra de un local en un centro comercial, con perspectivas de valorización, para montar allí un negocio familiar. Cada uno de los hermanos aporta para dicho propósito.

Por otro lado, el padre de Leyla, Esmail, quien vive apegado a la tradición iraní, es tentado para convertirse en patriarca de su clan, un gran honor persa. La ceremonia de unción respectiva, es programada durante la fiesta de boda de uno de sus parientes ricos y según la costumbre es el escenario donde el nuevo patriarca debe dar el primer regalo a los novios, con un valor que debe ser superior a cualquiera otro de los ofrecidos por los invitados. Esmail decide que debe entregar 40 monedas de oro, lo cual es rechazado por Leyla quien, a escondidas de todos, toma una resolución que avergüenza a la familia. Frente a las recriminaciones de su padre, su madre y sus hermanos debe honrar la palabra de su padre y por tanto deshacer el negocio planteado con el local.

Cuando quieren comprar nuevamente las monedas de oro para desagraviar a quienes ofendieron, el oro ha subido de precio y no pueden cumplir con lo prometido. Al final, para tristeza de Leyla, todos vuelven a la condición de pobreza de la que ella en vano los ha querido sacar.

Una película que muestra unas tradiciones arraigadas por mantener un estatus social, aparentando muchas veces lo que no se tiene, una lucha por el honor, una sociedad patriarcal donde el papel de la mujer queda relegado así se demuestre que tiene las capacidades para tomar decisiones.

Grandes actuaciones y un muy buen guión, donde resaltan las conversaciones familiares, en un recorrido bastante largo de 165 minutos de duración. Esta película fue seleccionada para competir por la palma de oro en Cannes en 2022.

Esta película se puede ver en Google Play o gratis en esta dirección

https://m.ok.ru/video/5394118740565

Del director: Saeed Roustayi es un director, guionista y productor iraní, nacido en 1989. Se graduó en dirección de cine y televisión. En agosto de 2023 el tribunal revolucionario islámico lo condenó a 6 meses de prisión por presentar la película “los hermanos de Leyla” en Cannes. Debió cumplir 9 días de su condena y un período suspendido de 5 años. Otras películas suyas son: “La vida y un día”, “Solo 6.5”.

 

FREMONT

Director: Babak Jalali

País: Estados Unidos

Año: 2023

Reparto: Anaita Wali Zada, Gregg Turkington, Jeremy Allen White

En esta cinta, rodada en blanco y negro, una traductora que ejercía su oficio para el ejército de Estados Unidos en Afganistán, emigra y se va a vivir a San Francisco, en un barrio donde convive una importante colonia de compatriotas. Su trabajo actual en una fábrica de galletas de la fortuna sufre un cambio al momento de morirse la autora de las célebres frases que van dentro de la galleta y ella es designada para reemplazarla.

Este nuevo trabajo le da la oportunidad de salir del encierro al cual vive condenada, en una rutina que va de su trabajo a la pequeña habitación que le sirve como casa. Al tiempo que visita al sicólogo para que le ayude a superar sus problemas de sueño, decide jugar al azar incluyendo en una de las galletas su número telefónico y su nombre.

Aunque el desarrollo siguiente es un poco forzado, la película nos permite acercarnos a las angustias y depresiones de quien vive lejos de su país, obligado a huir de él para evitar la cárcel o la muerte. En el caso de Afganistán la situación se radicaliza ante la llegada al poder de grupos extremistas que sin miramientos condenan a quien no haya estado con ellos, o, como en este caso, hubiese trabajado para quien consideran su “enemigo”.

Muy buena actuación de Anaita Wali, con pocos diálogos y profundos silencios que se detienen en primeros planos de un rostro que lo dice todo.

“Fremont” ganó el premio Jhon Cassavetes en los independent Spirit awards 2024.

Esta película se puede ver en Google Play.

Del director: Babak Jalali nació en Gorgan, Irán en 1978. Creció en Londres. Es un director y escritor. Otras películas suyas son: “Heydar, un afgano en Teherán”, “Frontier Blues”, “Land”, “Radio dreams”, ganadora esta última del máximo premio en el festival de Rotterdam.

 

Dos películas sobre la niñez trans: “20.000 especies de abejas” y "Monster"

 

El tema sobre la transexualidad ha sido tratado en muchas películas, algunas bastante reconocidas. Menciono por ejemplo a la Belga “Girl”, del director Lukas Dhont, sobre la historia de un adolescente que lucha por ser bailarina; “Una mujer fantástica”, del director Chileno Sebastián Lelio ganadora como mejor película extranjera en los premios Oscar en 2018; “El juego de las lágrimas” de Neil Jordan sobre la relación entre un soldado del IRA y la novia de su compañero muerto; en Colombia el bello documental “Señorita María” dirigido por Rubén Mendoza, sobre una mujer campesina transgénero de Boavita, Boyacá.
 
Las dos películas que a continuación reseño, abordan el mismo asunto, pero desde el enfoque y la mirada de dos niños que efectivamente sienten que su identidad de género, (entendida como los atributos, roles, conductas establecidos socialmente), no se corresponden con su sexo. En ambos casos la temática se asume con delicadeza, respeto y desde el desconcierto y la poca claridad que para los pequeños protagonistas representa el sentir que no encajan con el sexo asignado ni con la mirada que los otros tienen sobre ellos.
 
Tal vez el mayor acierto de ambas cintas sea el de permitir al espectador una visión auténtica de la desazón que sienten los niños frente a una situación que no comprenden y que encuentra pocas respuestas en los adultos que los rodean. Al final ambos filmes facilitan la comprensión de un tema que sigue siendo tabú en nuestras sociedades.
 
20.000 ESPECIES DE ABEJAS
 
Directora: Estibaliz Urresola Solaguren
País: España
Año: 2023
Reparto: Sofía Otero, Patricia López Arnaiz, Ana Gabaraín, Itziar Lazcano
 
Ane y sus tres hijos se van a vivir temporalmente a la casa de la madre de ella, en el campo, a causa de una crisis matrimonial que la aleja de su marido. Vecina a la casa vive su tía Lourdes dedicada al cuidado y cría de las abejas, negocio alrededor del cual se mueve la familia de Ane, pues las abejas sirven de insumo para los tratamientos médicos alternativos que realiza su madre, permite la comercialización de la miel a su tía y ayuda al vaciado de las esculturas que trabaja Ane.
 
Uno de los hijos de Ane, Aitor, quien se hace llamar Coco y en torno del cual gira la cinta, empieza a mostrar un comportamiento retraído con sus amigos y con sus otros hermanos. No quiere compartir las actividades del verano como bañarse en la piscina pública o nadar en el río, además de contar con un físico bastante andrógino que confunde a todos.

Coco empieza a frecuentar la casa de Lourdes para ayudarle con las abejas, logrando un acercamiento que le permite entender a esta última las causas de la introversión del muchacho.
 
Por esta razón es Lourdes quien da cuenta a Ane de lo que sucede con Coco pues su comportamiento obedece más al de una niña que al de un niño. Ane se resiste a pensar que hay algo “distinto” en el actuar de su hijo. El hijo mayor de Ane también sabe de esta situación y es a él a quien primero expresa Coco su deseo de cambiar de nombre y le pide que en adelante le llame Lucía.
 
La mirada que cada uno de los familiares tiene sobre la situación de Coco es muy disímil: su abuela lo ve como una aberración, para sus amigos es objeto de burla, la tía Lourdes está llena de comprensión y para sus padres es motivo de extrañamiento.
 
El día que Coco no aparece y empieza la búsqueda por parte de todos los miembros de su familia, es cuando su hermano decide gritar en el bosque por el nombre que “él” quiere oír: “Lucía”. A partir de este momento Coco se da cuenta que no puede seguir viviendo como un niño.
 
En la escena final sale a relucir todo el sentimiento de dolor de Lucía por una situación que no comprende contra la cual no puede luchar y que quiere compartirla con su madre.
 
De la directora: Estibaliz Urresola es directora, guionista y productora española, nació en 1984. Este primer largometraje del cual también es guionista la hizo acreedora a 3 premios Goya en 2024 (guion, actriz de reparto y dirección novel). El título según Urresola obedece a que “las abejas son las representantes de la diversidad. Esta película es una representación de la diversidad, de las formas de estar y de habitar el mundo". Sostiene además que buscó con su cinta destruir los prejuicios hacia los niños y las niñas trans. La idea del guión se basó en el suicidio de un chico trans que puso fin a su vida mientras esperaba un tratamiento hormonal para el cambio de sexo.
 
“De todas las entrevistas que realicé a familias que habían transitado por esta realidad con sus peques (pequeños), una de las cosas que más me llamó la atención era, justamente, como decían que no eran los niños y las niñas quienes habían transitado, sino que era la mirada de ellos, como padres y madres, la que había tenido que cambiar, la que había sufrido ese tránsito", nos explica la directora.
 
Esta película se puede ver en: Movistar+, filmin, Apple TV, prime
 
Monster
Director: Hirokazu Koreeda
País: Japón
Año: 2023
Reparto: Soya Kurokawa, Hiiragi Hinata, Sakura Ando, Eita Nagayama, Mitsubishi Takahata
 
Al igual que lo hizo su compatriota el gran director Akira Kurosawa con “Rashomon”, en esta película Hirokazu Koreeda nos presenta una estructura narrativa basada en tres versiones de los mismos hechos, a partir de un conflicto entre el profesor y uno de sus alumnos en una escuela pública de Japón.
 
Una es la versión de Saori, la madre, otra la de Hori, el profesor y finalmente está la versión de Minato, el hijo. Aunque al final podemos tener un acercamiento a los hechos con la reconstrucción de las tres fuentes, en el camino sin embargo el director juega con el espectador sobre la certeza de cada una de las versiones de quien va narrando. En el fondo y sobre lo que nadie quiere hablar, es que entre Minato y su compañero de clase se estableció una relación de amistad que es cuestionada porque este último se resiste a verse como un niño.
 
Minato y su amigo construyen un mundo propio, alejados de la incomprensión de sus profesores, sus padres y sus compañeros, que tiene su punto de encuentro en un vagón de tren abandonado y fuera de las miradas juzgadoras de otros. Allí pueden charlar con tranquilidad y hacer sus deberes sin interrupciones.
 
Además de este par de amigos, la película nos muestra el esfuerzo que se presenta en diferentes ámbitos para esconder o pulir la realidad. En la escuela porque los profesores no quieren ser juzgados por los padres de familia ni por las autoridades y en las familias por las expectativas que los padres crean con sus hijos y su afán de que correspondan a sus deseos.
 
Después de varias vicisitudes que se van presentando en el día a día de los pequeños y sus entornos y luego de conocer la soledad por la cual atraviesa el amigo de Minato por una condición que es rechazada por su padre, la cinta nos ofrece un plano final esperanzador, donde ellos corren por el campo respirando libertad y manifestando el gozo por la vida. La música que acompaña este y otros momentos fue creada por Ryuichi Sakamoto, creador de las notas de El último emperador (Bernardo Bertolucci), por la que obtuvo el Oscar en 1988.
 
Del director: Hirokazu Koreeda es un director de cine japonés. Nació en 1962. Otras de sus películas: “Un asunto de familia”, “Nadie sabe”, “Broker”, “De tal padre, tal hijo”, “Un día en familia”, ”After life”, “Después de la tormenta”, “La verdad”. Ha sido galardonado en varias oportunidades en los festivales de Cannes, Venecia y San Sebastián.
 
Esta película se puede ver en Movistar Plus, Filmin, Google Play Movies, Amazon Video
 

DÍAS PERFECTOS

Director: Wim Wenders

País: Japón

Año: 2023

Reparto: Koji Yakusho, Arisa Nakano, Tokio Emoto, Yumi Asou, Min Tanaka

En medio de una película donde sucede muy poco pues asistimos a la cotidianidad de un aseador de baños públicos en Japón, el director Wim Wenders nos conduce durante dos horas de manera sencilla pero placentera en la rutina de quien es capaz de encontrar deleite y belleza en las simples cosas.

Hirayama vive solo en un barrio humilde de Tokio. Cada día acude en su carro a realizar su trabajo consistente en la limpieza de baños públicos de la ciudad, lo que hace con un gran sentido de la responsabilidad y del deber. En su rutina, el protagonista se levanta con el ruido de la escoba de una vecina que barre todos los días su acera, riega sus pequeñas matas, desayuna con un café de máquina dispensadora, conduce su carro, oye música en el camino, cumple con su obligación de asear, almuerza y regresa a su trabajo. De vuelta a casa, disfruta del baño en uno de los lugares públicos diseñado para el efecto, come afuera y después se dedica a la lectura. El director reproduce estas escenas y durante los primeros 30 minutos de la cinta no hay diálogo alguno, solo un recorrido dentro de esta estricta repetición.

Lo que sí podemos disfrutar en las jornadas acompañando a Hirayama es el placer de la música rock que escucha en casetes en su carro; admirar los árboles en el parque a donde acude a almorzar y que también fotografía con una cámara análoga; apreciar el paisaje en sus viajes en bicicleta después de que llega a su casa y durante los fines de semana. La modernidad no le llegó a Hirayama ni a través de los celulares o de las aplicaciones como Spotify para oir música sobre la cual él pregunta ¿dónde es ese lugar?, cuando se la mencionan.

Muy pocas personas tienen conversaciones con Hirayama pues apenas si habla con su compañero de trabajo Takashi, o cuando asiste al mismo bar a tomarse un trago el fin de semana e intercambia unas pocas palabras con su dueña. Solo cuando su sobrina llega a la pequeña vivienda donde él vive, pidiendo que la acoja porque no quiere estar con su madre, cambia el ritmo del protagonista. Mediante este hecho podemos observar la incomodidad que siente este hombre al tener un cambio en su rutina, tan metódica y diseñada a su medida que no está dispuesto a cambiarla.

En los días que comparte con su sobrina queda claro la filosofía de vida de Hirayama, cuando en uno de los paseos él le pide concentrarse en lo que están haciendo y le reitera “esta vez es esta vez, mañana será mañana”. Cuando aparece su hermana, la madre de la joven para recogerla, entendemos que hubo un conflicto entre ellos y sobre el cual no se ahonda en la película pero que de alguna manera obligó a Hirayama a simplificar y a valorar su vida en soledad.

En el día a día de Hirayama la cinta nos permite gozar de la música que escucha, la cual llega a ser un elemento fundamental, a través de canciones de Patti Smith, The Kinks, Van Morrison, The animales, Velvet Underground recreando sus momentos de introspección. En su gusto por la literatura, la película nos remite a la lectura de Aya Koda, una novelista y ensayista japonesa y de William Faulkner, el escritor estadounidense. En el bar, el protagonista se complace con las canciones japonesas que canta la dueña, por quien existen sentimientos de admiración, pero que nunca los expresa. Esto último nos lleva a recordar la relación que el director de cine chino Wong Kar Way nos mostró en su película “deseando amar”, en la cual el interés mutuo de la pareja protagonista nunca se concreta.

En la escena final de la película, cuando Hirayama se encuentra solo nuevamente y va conduciendo su auto, escucha a Nina Simone, con su bella canción “Feeling Good” y la cámara hace un acercamiento a su rostro mostrándonos tranquilidad, satisfacción y deseos de vivir, en sus gestos y en su sonrisa final.

“…Es un nuevo amanecer

Es un nuevo día


Es una nueva vida


Para mi


Y me siento bien”

Varios aspectos anecdóticos de esta película. Inicialmente iba a ser un documental sobre los baños públicos de Tokyo, famosos por sus diseños y por su tecnología, y terminó siendo una película donde estos se involucran y podemos admirar varios de ellos, pero que no fueron los protagonistas. El papel de Hirayama es interpretado por Koji Yakusho, uno de los actores más reconocidos y prolíficos de Japón, con más de 12 nominaciones de la academia de cine de su país, galardonado en Cannes en el 2023 como mejor actor por su papel en esta cinta. “Días perfectos” fue seleccionada por Japón para participar en los premios Oscar de 2024, en la categoría de película internacional. El director Wim Wenders había rodado otra película en Japón sobre la vida del director japonés Yazujiro Ozu, a quien admiraba profundamente, “Tokio-Ga”, en la cual grabó lugares, paisajes y calles, vistos en los filmes de este director.

Del director: Wim Wenders es un director, guionista, productor, actor alemán, nacido en 1945. Ha trabajado tanto en Europa como en Estados Unidos. Otras de sus películas: “Alicia en las ciudades”, “El amigo americano”, “Paris Texas”, “El cielo sobre Berlín”, “tan lejos, tan cerca”, “Buenavista social club”, “Pina”.