viernes, 22 de septiembre de 2023

EUGENIA GRANDET

 

Director: Marc Dugain

País: Francia

Año: 2021

Reparto: Olivier Gourmet, Josephine Japy, ValerieBonneton, Cesar Domboy

Esta película de 2021 es una adaptación de la novela de Honorato de Balzac, el gran escritor francés del siglo XIX, del cual recientemente se había llevado otra de sus obras a la gran pantalla “Las ilusiones perdidas”, reseñada en este blog (www.dardoalinfinito.blogspot.com).

La novela “Eugenia Grandet” hace parte de las “Historias de provincia”, dentro del gran compendio de escritos que componen “La comedia humana”, cuyos trabajos convirtieron a este escritor en uno de los más importantes personajes de la cultura mundial.

En el centro de la trama tanto del filme como de la novela, se destaca uno de los defectos del género humano: la avaricia, personificada en Félix Grandet, ex alcalde del pueblo de Saumur, donde todo se desarrolla y quien es dueño de viñedos y se dedica a negocios que permitieron, en esos años de 1830, aprovecharse de la situación política de Francia donde muchos ricos tuvieron que emigrar y les fueron confiscados sus bienes.

Eugenia Grandet, la hija de Félix, es una joven de provincia que vive con él, su madre y la nana. Los cuatro llevan una vida de extrema sobriedad pues Félix ha convencido a las tres mujeres de sus limitaciones económicas, obligándolas a medir cada uno de sus gastos. La restricción llega hasta la mesa, en sus comidas cotidianas: “carne? Con un caldo basta…los cuervos dan el mejor caldo”. Ni que decir del desprecio por los placeres mundanos: “descubrir el mundo (le dice a su hija) que esperas de él?”

La situación financiera del padre, para nada precaria, es conocida en su verdadera magnitud por su banquero y por el notario quienes conscientes de la herencia que puede dejar este hombre compiten a través del sobrino de uno y el hijo del otro, por obtener la mano de Eugenia y hacerse con la fortuna.

La obsesión de Félix con el dinero lo lleva a calcular los enlaces matrimoniales que debe buscar para su hija, pero teniendo presente lo que más convenga a sus intereses. Después incluso, a dudar si vale la pena sacrificar una dote para Eugenia que diezme su gran riqueza.

Todo cambia con la llegada del sobrino de Félix, Charles, quien es enviado a Saumur ante la inminente quiebra de los negocios de su padre en Paris, situación que lo condujo a su posterior suicidio.

El encuentro de los primos, Eugenia y Charles, de educaciones diferentes pues ella tiene horizontes limitados dado el encierro en el cual ha vivido y él en cambio, ha disfrutado de los encantos y diversiones de Paris, hace que florezca en ellos el amor ingenuo de juventud. Charles, obligado por su tío a buscar fortuna en África y en América le promete a Eugenia: “volveré y te llevaré conmigo”.

Lo que sigue es la espera de Eugenia, la cual debe afrontar la muerte de su madre y las trampas y mezquindades de su padre para no soltarle la herencia, teniendo como único consuelo la llegada esperanzadora de Charles. Cuando este último vuelve finalmente a Paris, después de varios años de ausencia, significa una desilusión más para Eugenia a quien no solo nunca contactó, sino que fue informada por otros sobre su próximo compromiso matrimonial con la hija de un rico de Paris.

El argumento, como en todas las novelas de Balzac, está enriquecido con diálogos entre sus personajes que se mueven entre grandes mezquindades y sorprendentes generosidades y sacrificios. La actitud miserable de unos parece redimirse con la benevolencia de otros.

Precisamente las escenas mejor logradas son aquellas que enfatizan en los diálogos entre los personajes, como aquel entre Eugenia y su madre a propósito de Félix “todos los hombres tienen vicios hija mía y tu padre ha escogido el más barato: la avaricia. Esa avaricia le devora la mente, corrompe su juicio”. O la escena entre Padre e hija, 5 años después de la muerte de la madre, cuando Eugenia le manifiesta: “Es de buen tono que la mujer haga lo que quiere el hombre, cualquier hombre…las mujeres ven llegar la muerte como una liberación mientras que ustedes (los hombres) temen poner fin a sus miserables argucias”. O el mismo cuestionamiento a la religión que le plantea Eugenia a su padre Félix “Dios es un invento masculino para someternos aún más. El verdadero dios no está en las iglesias ni en la inepta moral en que nos encierran a las mujeres. Esta entre nosotros y la naturaleza”.

El espíritu de la novela de Balzac queda profusamente captado en estos diálogos de la película que adicionalmente reivindican la situación de la mujer de la época.

El personaje que interpreta a Félix, el actor Olivier Gourmet, destaca en su papel por el carácter y la profunda convicción respecto a sus principios sobre el dinero. Tiene la fuerza para que a lo largo de la película sintamos repudio frente a su comportamiento. En el papel de Eugenia está la actriz Josephine Japy, quien desempeña un papel sobrio y creíble.

La ambientación de época está muy bien lograda. Muchas escenas ocurren al interior de la vivienda, de paredes grises, con poca luz y un mínimo mobiliario acorde al ambiente austero que se busca proyectar. El vestuario es cuidadoso y la música se corresponde con la moderación del entorno.

Una cinta muy bien lograda que recrea una estupenda novela de uno de los grandes escritores de todos los tiempos.

Esta película se puede ver en Apple TV, Google Play o Filmin

Del Director: Marc Dugain nació en Senegal en 1957 y desde niño vivió en Francia. Es escritor, guionista y director de cine. Otras de sus películas son: “Una ejecución ordinaria”, “Cambio de reinas”, “El pabellón de los oficiales”. Esta última, basada en la novela del mismo director, ganadora de varios premios.

 

domingo, 27 de agosto de 2023

UNA MIRADA SOBRE ALGUNAS PELÍCULAS RECIENTES

UNA BONITA MAÑANA

Directora: Mia Hansen Love

País: Francia

Año: 2022

Reparto: Lea Seydoux, Melvil Poupaud, Nicole García, Pascal Greggory

Esta película retrata la vida de una mujer contemporánea cuya historia es común en el entorno de la clase media profesional. Su protagonista, Sandra, es viuda y vive con su hija de 7 años bajo su total cuidado; al mismo tiempo, sigue de cerca la salud de su padre quien enfrenta una enfermedad progresiva.

La cinta no pretende nada distinto a mostrar las facetas de Sandra en sus diversos roles, tratando de equilibrar su trabajo con el papel de madre, hija y amante. Su padre, con quien ha tenido una buena relación, es un brillante profesor de filosofía con un profundo amor por su oficio, el cual se ve cada vez más limitado pues padece el síndrome de Benson, una enfermedad neurodegenerativa que afecta las capacidades de la memoria y el razonamiento. De otro lado, ella trata de darle una nueva oportunidad a su vida amorosa con Clement, un amigo de su primera pareja con quien se reencuentra después de varios años. El, casado y con un hijo pequeño, no está dispuesto a renunciar a su familia y está cómodo con el amor repartido entre dos mujeres. Sandra lucha insistentemente por darle bienestar a su padre y por mantener una relación sentimental como la que tiene, sorteando múltiples vicisitudes.

La protagonista se adapta y disfruta de los pequeños momentos con sus seres queridos porque tal como nos muestra la cinta, es difícil que las realidades se correspondan con las expectativas y en cambio, hay muchas cosas que difícilmente podemos cambiar y las cuales debemos aceptar. La actitud frente a lo que nos pasa hace la diferencia, aunque suene como una frase de cliché.

Como siempre la actriz Lea Seydoux luce natural y creíble en su papel.

Dice la directora acerca de “Una bonita mañana”: “Todas mis películas tienen dimensiones autobiográficas…para mí aún es difícil criar y cuidar de mis hijos y preservar mi espacio privado. Aún no he encontrado la solución”.

Sobre la directora. Mía Hansen Love (París, 1981) es una realizadora que desde muy joven se ha hecho acreedora a premios de grandes festivales como el de Cannes o el de la Berlinale. Otras de sus películas son: “El porvenir”, “Todo está perdonado”, “El padre de mis hijos” “La isla de Bergman”.

Esta película puede verse en Apple TV, Claro o Google Play movies.

 

LOS PERDONADOS

Director: John Michael McDonagh

País: Reino Unido

Año: 2021

Reparto: Ralph Fiennes, Jessica Chastain, Caleb Landry Jones, Said Taghmaoui, Matt Smith

Dos excelentes actores, Fiennes y Chastain, son protagonistas de esta película que, aunque poco destacable, entretiene al mostrar la banalidad de una clase social incapaz de tener sensibilidad con la cultura, las tradiciones y el entorno de otro país al cual solo llegan para disfrutar con los excesos de trago, sexo y rumba.

La mencionada pareja acude desde Londres para participar en la fiesta de cumpleaños de un amigo rico, en su casa en Marruecos. Un accidente que enfrentan en el recorrido por carretera para llegar allí, cambia completamente sus planes. El hombre, David, está obligado a resarcir el daño causado de acuerdo con las costumbres del lugar y esto lo obliga a acercarse al mundo de quienes han sido ajenos y despreciables para él.

La culpa empieza a carcomerlo durante la marcha que le obligan a realizar las personas que se vieron afectadas con el incidente. Lo anterior lleva a David a disquisiciones mentales poco acostumbradas conduciéndolo a un impredecible final.

Interesantes paisajes, muy buenas actuaciones y una reflexión final, para pensar en maneras diferentes de afrontar los duelos más allá de lo que aceptamos y creemos en nuestra cultura occidental.

Sobre el director. John Michael McDonagh (Londres, 1967) Es un guionista y director, que ha desarrollado buena parte de su carrera como escritor de sus propios filmes. Otras de sus películas son: “Calvario”, “El guardia”, “Dos contra el mundo”, “La segunda muerte”.

Esta película puede verse en HBO, Amazon Prime, Apple TV

 

MARX PUEDE ESPERAR

Director: Marco Bellocchio

País: Italia

Año: 2021

Documental

El director de este documental, Marco Bellocchio, de origen italiano, se ha mantenido vigente en el cine durante varias décadas. Esta vez recurre a una historia personal, concretamente a un hecho de su juventud que lo marcaría por siempre y sobre el cual continúa sintiendo una enorme culpa: la prematura muerte de su hermano gemelo.

Este acontecimiento es ambientado con las memorias del director sobre los años que pasó junto a su hermano en la niñez y en la adolescencia, con los testimonios de algunos miembros de su entorno familiar y con escenas de otras películas del propio Bellochio en las cuales había involucrado aspectos autobiográficos sobre su madre, la religión y la política. “Leemos sobre tragedias ajenas, pero no nos imaginamos esto de cerca. Incluso como ateos, dijimos que él estaba en el paraíso”.

Esta película termina siendo un homenaje a su hermano y a su familia. De hecho, el título se refiere a una conversación que el director había sostenido con su hermano donde lo invitaba a que se comprometiera políticamente tal como él lo estaba haciendo con el partido comunista, obteniendo por respuesta: “Marx puede esperar. Primero tengo que resolver algunos asuntos conmigo mismo”.

Muy recomendado el documental por la honestidad del director al exponerse con las inevitables culpas que surgen al mirar las actuaciones propias con la distancia que proporcionan los años. “Ahora por fin me siento sereno, pero no absuelto” dijo Bellocchio.

Sobre el director. Marco Bellocchio (Bobbio, Italia, 1939) director y guionista quien desde muy joven descubrió el gusto por el cine marchándose de su pueblo hacia Londres para estudiar este arte. Realizó su primera película a los 26 años. Siempre ha estado comprometido con el pensamiento de izquierda. Otras de sus películas son: “La sonrisa de mi madre”, “Buenos días noche”, “En el nombre del padre”, “El traidor”, “Enrique IV”.

Esta película puede verse en MUBI


AIR (La historia detrás del logo)

Director: Ben Affleck

País: Estados Unidos

Año: 2023

Reparto: Matt Damon, Ben Affleck, Viola Davis, Jason Bateman

Esta película, entretenida por su buen guión y por un reparto de reconocidos actores, relata la historia de Nike en momentos en que carecía de grandes estrellas para promocionar su marca por limitaciones de presupuesto, pero que tuvo la visión para fichar a Michael Jordan (fanático de Adidas) como la imagen de sus zapatillas deportivas.

Muy interesante ver la persistencia de uno de los ejecutivos de Nike, Sonny Vaccaro, interpretado por Matt Damon, para llegar hasta el basquetbolista a partir de una forma de mercadeo disruptiva para su época. Las estrellas promocionaban los productos y él quiso convencer a Jordan de vender su imagen no como un buen jugador más, sino por el talento que debía impulsarse. El objetivo era mostrar el talento, no el objeto. Primero el jugador, luego la marca.

Viola Davis, en el papel de la madre de Jordan, fue pionera en proponer que los deportistas tuvieran un porcentaje de participación en la venta de los productos de las campañas. La cinta muestra su rol como la gran armadora de los negocios alrededor de su hijo, con capacidad de crear y proponer nuevos caminos que permitirían a futuro ganancias para los deportistas y no solo para las empresas que los apoyaban. En su momento el contrato de Nike con Michael Jodan fue el más lucrativo de la historia y creó un gran precedente en la industria del deporte.

Sobre el director. Ben Affleck (Estados Unidos, 1972), es actor, director y guionista. Ganador de un Oscar al mejor guion original por “En busca del destino”. Otras películas bajo su dirección son: “Argo”, “Gone baby gone”, “The town”.

Esta película puede verse en Amazon Prime.



jueves, 27 de julio de 2023

OPPENHEIMER

Director: Christopher Nolan

País: Estados Unidos

Año: 2023

Reparto: Cillian Murphy, Robert Downey Jr, Florence Pug, Emily Blunt, Matt Damon, Rami Malek

Recientemente estrenada en las salas de cine, esta es la última película del gran director británico estadounidense Christopher Nolan, sobre la vida del “padre de la bomba atómica”, el físico Robert Oppenheimer.

Con 3 horas de duración, es una cinta muy completa que reúne elementos para hacerla destacable: un ritmo trepidante, excelente reparto, un sonido extraordinario y una combinación sorprendente entre los diálogos, imágenes del universo y sus multicolores explosiones. No es gratuito que a pesar de su extensión la cinta no pierda interés en ningún momento, al contrario, obliga al espectador a estar concentrado para entender los hechos pues combina situaciones ocurridas a su protagonista durante los años tanto de la segunda guerra mundial como en el periodo de la postguerra.

Para entender el contexto, Oppenheimer, un estadounidense de origen alemán, fue un brillante físico que adelantó estudios en Estados Unidos y posteriormente un doctorado en Alemania. A su regreso a Estados Unidos, estando trabajando como docente en la Universidad de Berkeley, fue llamado por el General Leslie R Groves para liderar el proyecto Manhattan cuyo objetivo era desarrollar la primera bomba atómica lo que daría la victoria a los aliados en la Segunda Guerra Mundial, inicialmente contra los alemanes y posteriormente contra los japoneses.

La batalla contra el tiempo que significaba construir la bomba antes que el enemigo lo hiciera, pues tenía el mismo propósito, llevó a Oppenheimer a reclutar a los mejores científicos de varios países (Estados Unidos, Alemania, Italia entre otros).Con un presupuesto de 2.000 millones de dólares y un trabajo de 5 años, se construyó una ciudadela en los Álamos, Nuevo México, donde fueron a vivir los hombres designados y sus familias para desarrollar este proyecto el cual debía permanecer en absoluto secreto.

La película se centra en el trabajo desarrollado en los Álamos, pues hubo otros centros del proyecto Manhattan en diferentes ciudades de Estados Unidos, y los conflictos que surgieron entre militares y científicos y al interior de las discusiones de estos últimos, hasta el día del ensayo denominado “Trinity”, que permitió comprobar el estallido de la bomba. Gracias al éxito de esta prueba, el gobierno americano decidió bombardear las ciudades de Hiroshima y Nagasaki y acabar la guerra con la rendición del Japón (en 1945). Como consecuencia, la bomba produjo la muerte de aproximadamente 200.000 personas y la conciencia en la humanidad, por primera vez, de que el mundo podría ser destruido en pocos instantes.

El otro aspecto que aborda la película es la situación posterior al final de la guerra, en la cual Oppenheimer tuvo que enfrentar acusaciones de traición por supuestamente tener lazos con los soviéticos y compartir con ellos los secretos de la bomba. Para enfrentar estos cargos, el científico fue citado a audiencia por un comité conformado por miembros del congreso y del gobierno. Este período coincide con el inicio de la guerra fría y con ella, un anticomunismo exacerbado en los Estados Unidos y una cacería de brujas a quien se pudiera relacionar con La Unión Soviética. En este ambiente muchos hombres y mujeres fueron acusados, en algunos casos sin pruebas, y se aprovechó esta circunstancia para la venganza por parte de quienes querían saldar cuentas pendientes o para canalizar envidias y rencores. Precisamente la cinta enfoca el sentimiento que abrigaba Lewis Strauss, presidente de la comisión de energía atómica, contra Oppenheimer y su relación con dicho comité; así mismo, la cuenta de cobro que muchos le pasaron a Oppenheimer por su lucha contra la carrera armamentista después de la explosión de la bomba atómica.

La película salta entre los hechos durante la construcción de la bomba en el campo de los Álamos y los acontecimientos durante la audiencia a la cual fue sometido Oppenheimer, mostrando su relación con Einstein, las discusiones éticas sobre las consecuencias de la bomba, aspectos de su vida afectiva con sus amantes y su esposa, su encuentro con el presidente Truman y el posterior reconocimiento de su labor por parte de John F. Kennedy y de Lyndon Johnson.

La película está basada en el libro “Prometeo Americano. El triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer” escrito por Kai Bird y Martin J Sherwin. La interpretación del papel principal en el filme corre por cuenta de Cillian Murphy, actor irlandés quien se luce en este rol, acompañado de otros actores de primer orden como Robert Downey Jr, como Lewis Strauss, Matt Damon en el papel del General Leslie Groves, y las actrices Florence Pug y Emily Blunt en los roles de amante y esposa de Oppenheimer respectivamente, actores todos de primer orden que dan credibilidad al guión.

Ludwig Goransson estuvo a cargo del sonido, el cual va acorde con el ritmo acelerado de las escenas y es definitivo para acompañar los ensayos de la bomba y ambientar las obsesiones de Oppenheimer con sus proyectos. Goransson es un reconocido compositor y arreglista sueco, quien se ha hecho acreedor a un Grammy y a un Oscar por la mejor banda sonora por la película Black Panther. Como lo manifestó en una entrevista: “Una de las primeras y únicas instrucciones que [Nolan] me dio fue usar el violín. El violín es un instrumento sin trastes, por lo que, en función de la interpretación, puedes pasar de una nota y hacer que tenga un hermoso tono romántico, pero en una fracción de segundo puedes cambiar el vibrato del tono y puede convertirse en un sonido horrible, neurótico, mezquino y maníaco”.

El montaje estuvo a cargo de Jennifer Lame, en su segunda colaboración con el director Nolan y es responsable del ritmo rápido, fragmentado y psicodélico de las escenas.

Una película que vale la pena ver porque ha reunido guión, sonido, montaje y actuaciones de manera armónica y excepcional.

Del director: Christopher Nolan es un guionista, productor, director británico estadounidense. Nació en 1970. Dirigió la trilogía de Batman, además de “Origen”, “Memento”, “Insomnio”, “Dunkerque”, “Tenet”, “Dune”, “Interestelar”.



jueves, 29 de junio de 2023

VIVIR


Es muy llamativo que alrededor de esta película de 2022, adaptación de la exitosa cinta del mismo nombre de 1952, se convoquen nombres tan importantes del cine y de la literatura tal como veremos a continuación.

El origen de las dos películas mencionadas se encuentra en el libro “La muerte de Ivan Ilich” del reconocido y admirado autor ruso León Tolstoi, quien continúa teniendo, después de un siglo, enorme vigencia. La novela refiere la historia de Iván Ilich, un abogado vinculado con el servicio público, quien desarrolló su carrera como miembro del tribunal de justicia y contrajo, siendo muy joven, un matrimonio formal del que muy pronto se aburrió. Tolstoi nos recrea la vida del burócrata que se acomoda y cuyos esfuerzos se limitan a mantener su puesto, con poca preocupación del servicio a los ciudadanos: “había hecho la carrera propia de individuos que, aunque notoriamente incapaces para desempeñar cargos importantes, no pueden ser despedidos a causa de sus muchos años de servicio”. Al tiempo, el autor hace referencia a los sinsabores de la relación con su esposa: “…comprendió que la vida conyugal, si bien ofrecía algunas comodidades, era, en suma, bastante complicada y difícil”. El punto de inflexión de la narración se presenta cuando Iván se enfrenta a una enfermedad que lo va mermando y lo conduce a ser consciente de su propia muerte.

Las reflexiones alrededor de la forma en la cual vivió Iván, lo cuestionan: “Quizá haya vivido como no debía… ¿cómo es posible, cuando lo hacía todo como era menester?” “Si abandono la vida, la conciencia de que eché a perder cuanto me fue dado y de que ningún medio hay para remediarlo, ¿Qué significa esto?”. Paralelamente el autor nos remite a la situación en su oficina cuando los subalternos se enteran de la enfermedad de Iván y surgen las mayores preocupaciones sobre quien ocupará la vacante que vaya a dejar o acerca de cómo se ha de mover la cadena de ascensos y las expectativas alrededor de esta situación: “El sencillo hecho de enterarse de la muerte de un allegado suscitaba en los presentes, como siempre ocurre, una sensación de complacencia, a saber: “el muerto es él; no soy yo””.

El autor concluye su novela con el entierro del protagonista, pero a lo largo del libro la inminencia de su muerte sirve de excusa para resaltar ese balance que hace sobre su vida y para describir los pensamientos tanto de familiares como de compañeros de trabajo alrededor de un personaje que no dejó grandes huellas en ellos.

Esta introducción sobre el libro, cuya lectura vale la pena, sirve para entender la construcción del guión en las dos películas mencionadas. Ambas se centran en la persona del protagonista más que en su vida conyugal, puesto que se le trata en ellas como un viudo que ha quedado a cargo de su hijo. Ambas dan relevancia al hecho de hacer conciencia sobre la muerte ante la realidad de una enfermedad terminal. En los dos casos se apela a una última acción a favor de la comunidad con la cual el protagonista busca redimirse de su desidia por años en el servicio público.

“Vivir”, la película de Akira Kurosawa (1952) es considerada una obra maestra del cine japonés. La película incluye una voz en off y flash back que nos dan cuenta de la tragedia de Watanabe, su protagonista, interpretado por Takashi Shimura (actor icónico de este director). Es una cinta en blanco y negro que recurre a primeros planos que reflejan las emociones de este burócrata que siente que ha pasado sin relevancia por la vida, “hace 25 años está muerto”, “no quiere que se den cuenta que pueden vivir sin mí” un chiste que hace alguien en la oficina pero que lo identifica a él. Es característico así mismo el juego de luces y sombras de este director en las diferentes escenas. Watanabe quiere entender de lo que se perdió en la vida y busca la manera de relajarse y divertirse con un escritor al que encuentra en un bar pidiéndole que le enseñe a disfrutar. Igualmente busca la compañía de una joven colaboradora de su oficina, en quien ve la vitalidad y las ansias de goce que a él le han faltado. A través de estas relaciones se desarrollan los diálogos más profundos de la película y a los cuales el director les da mayor importancia.

Por otra parte, la película del mismo nombre “Vivir” (o Living) de 2022, basada como se dijo en el filme de Kurosawa, está dirigida por el Sudafricano Oliver Hermanus y su guión fue escrito por el premio Nobel Kasuo Ishiguro, británico de origen japonés. Aunque conserva muchos de los aspectos fundamentales de la película anterior, está, a mi modo de ver, más centrada en los acontecimientos que en las reflexiones mostrando aspectos cotidianos de la vida de Williams su protagonista, interpretado por un destacado Bill Nighy. Destaca la relación fría con su hijo y con los compañeros de trabajo y la amistad que encuentra al final de sus días con la colaboradora que de él dependía. En esta cinta se da más espacio a la solicitud que hace la comunidad de un parque para el barrio, la cual debe tener la aprobación de la oficina de Williams y de otras instancias gubernamentales y a los esfuerzos que éste hace al final de sus días para lograrlo, a pesar de los trámites a los que debe someterse. Dicho propósito contrasta con la pasiva actitud que por años tuvo Williams con reclamaciones similares.

Hay coincidencias en los finales de las dos películas que tratan de reivindicar una acción positiva que permitió morir en paz a su protagonista y con la escena de la velación donde los compañeros destacan el cambio de actitud que tuvo su jefe, dándole diferentes interpretaciones. En la última parte ambas muestran a los funcionarios con los cuales trabajaron sus protagonistas, asumiendo el compromiso de laborar con más conciencia y con el propósito de resolver los problemas de los ciudadanos, lo que parece muy esperanzador, pero de los que muy pronto, como se ve en el remate, todos se olvidan.

Una y otra película, la de 1952 y la de 2022 conservan el espíritu de la novela de León Tolstoi, sobre todo porque hacen evidente el espejo en el cual nos tendremos que ver reflejados cuando enfrentemos el final de nuestras vidas y surjan las reflexiones sobre lo que hicimos durante ella. Creo, sin embargo, que la película de Kurosawa difícilmente podrá ser superada no solo por la profundidad de sus diálogos sino por la técnica impecable con la que fue rodada.

La película “Vivir” de Akira Kurosawa se puede buscar en Google como ok.ru+vivir+Akira Kurosawa.

La película “Living” de Oliver Hermanus se puede ver en la plataforma de Apple TV

El libro “La muerte de Iván Ilich” se puede leer en esta dirección: https://ciudadseva.com  en donde además se pueden encontrar otros cuentos del autor así como de otros autores clásicos.



 

martes, 30 de mayo de 2023

CLOSE


Director: Lukas Dhont

País: Bélgica

Año: 2022

Reparto: Eden Dambrine, Gustav De Waele, Emilie Dequenne


Leo y Remi son dos adolescentes, amigos entrañables que disfrutan de su mutua compañía y comparten gustos comunes como los recorridos en bicicleta, correr por el campo, explorar las casas abandonadas o recrearse con los ensayos de Remi, quien es músico, con el oboe. Viven en un pueblo belga en el campo, con sus respectivas familias.

El inicio de clases en la escuela secundaria cambia el ambiente que ambos disfrutaban. El mantenerse unidos para todas las actividades crea suspicacias dentro de los compañeros de clase quienes empiezan a cuestionar su relación asumiendo que son pareja y los tildan de niñas, de maricas, de flojos. Mientras que Remi no se siente afectado por la situación, a Leo le resulta insoportable. Como reacción a esta presión, este último decide rehuir la compañía de su amigo y así mismo dedicarse a un deporte más “varonil” como el hockey sobre hielo, por lo cual empieza a entrenar con el equipo de la escuela.

El mundo que juntos habían creado, de juegos, de hobbies e incluso de acercamiento con la familia de Remi, donde Leo comía y dormía con frecuencia, se derrumba y es ahora Remi quien lo resiente profundamente pues se da cuenta que la amistad empieza a romperse. Nada vuelve a ser igual entre este par de amigos.

La inesperada decisión que toma Remi cambia el curso de los acontecimientos y la tranquilidad de Leo desaparece, pues se siente culpable por la resolución de su amigo, pero es incapaz de compartir sus pensamientos con sus compañeros y mucho menos con sus profesores.

El día que Leo toma la iniciativa de visitar a la madre de Remi y le expresa su responsabilidad por lo que entiende como la causa de la dura medida que tomó su amigo, así como la culpabilidad que siente, empieza a desahogar sus angustias y lo obliga a entrar en el mundo adulto, con las cargas que ello supone.

Esta historia es contada a partir de los sentimientos de los adolescentes, cuando la exploración sexual apenas asoma y no hay certeza sobre las verdaderas inclinaciones, sólo dudas. La película nos lleva a reflexionar sobre la incidencia del bullying en los jóvenes y el perjuicio en el comportamiento que los vuelve temerosos y terminan, en muchas ocasiones, acomodándose a lo que los demás esperan de ellos por el deseo de agradar y pertenecer al grupo y por el miedo a ser marginados. Adicionalmente la cinta pone de relieve lo que se oculta al interior de las familias por el recelo de sus miembros a ser rechazados.

Además del tema, resulta muy relevante la forma como el director lo asume de una manera sutil y delicada. Se concentra bastante en los primeros planos de sus dos protagonistas para transmitir sus emociones a través de sus miradas, sus lágrimas, sus sonrisas, sin necesidad de recurrir a muchos diálogos. Solo al final del filme aparecen los adultos.

La fotografía es de una gran belleza, y como lo expresa el director en varias entrevistas, buscó adrede contrastar los hermosos campos en donde la familia de Remi cultiva flores y que sirven de escenario para los juegos de los protagonistas, con las escenas en el hielo del campo de hockey y la brutalidad de este deporte en la segunda parte.

El guion de esta cinta está basado en el libro “Deep secrets” de la sicóloga Niobe Way donde encuesta a jóvenes entre 13 y 18 años y destaca como va cambiando su concepción de la amistad a medida que crecen y sobre todo su forma de expresarla y manifestarla. En palabras del director “La masculinidad también debería ser replanteada porque es la consecuencia tóxica de unas relaciones humanas mal planteadas que abocan necesariamente a la ruptura: la ruptura con los demás y mucho más importante, la ruptura con uno mismo”.

Del director: Lukas Dhont es un joven director belga (nació en 1991). Su primera película “Girl” ganó el premio en Cannes en 2018 a la ópera prima. “Close” fue nominada a mejor película internacional en los premios Oscar 2023 y recibió, entre otros, el gran premio del jurado de Cannes en 2022.

"Close" se puede ven en la plataforma MUBI

 

 



  

domingo, 23 de abril de 2023

Dos películas sobre las energías limpias y su incidencia en España

 

Dos directores que han realizado películas de enorme sensibilidad y con temas de actualidad, incursionan esta vez sobre asuntos que exponen las consecuencias de la llegada de las energías limpias para las poblaciones comprometidas, que sin cuestionar el progreso y avance que significan, modifican el entorno de quienes allí viven. En un caso como el de “As Bestas” por la instalación de antenas eólicas, que convierten la energía cinética del viento en energía eléctrica y en el relacionado con “Alcarrás” mediante los paneles solares, que convierten la luz solar en electricidad. Cualquier cambio, así sea con el loable propósito de preservar el medio ambiente, de gran apoyo para la mayoría, trae contrariedades para otros.

Rodrigo Sorogoyen es un director y guionista nacido en Madrid en 1981 (42 años), reconocido por películas como “El reino”, una denuncia a la corrupción política en España, o “La madre”, sobre el sufrimiento de una mujer a causa de la desaparición de su hijo pequeño y su incansable búsqueda. Por “As Bestas” este director se hizo merecedor al premio Goya en 2023 a la mejor película.

Carla Simón por otro lado, también directora y guionista joven (36 años) nació en Barcelona y ha sido reconocida en sus dos largometrajes. Con uno de ellos, “Verano de 1993”, representó a su país en los premios Oscar haciendo un recuento de su propia infancia cuando perdió a sus padres a causa del sida y se fue a vivir con sus tíos al campo. El otro, “Alcarrás”, fue galardonado con el oso de oro de Berlín en 2022. Ambas películas fueron rodadas en catalán.

 

AS BESTAS (Las Bestias) *

Director: Rodrigo Sorogoyen

País: España

Año: 2022

Reparto: Luis Zahera, Denis Ménochet, Marina Fois, Diego Anida

Una pareja de franceses ha decidido dejar su país para vivir en el campo, en un pueblo de Galicia, España. Allí buscan reconstruir las casas que están dentro de su terreno, esperando que otras personas retornen al pueblo, el cual poco a poco ha sido abandonado.

El conflicto surge cuando inversionistas noruegos ofrecen comprar tierras en esta localidad para instalar antenas eólicas, debiendo para ello contar con la decisión unánime de sus habitantes. Antoine y Olga, la pareja de extranjeros, se oponen a este proyecto, al que consideran anti ecológico por la contaminación visual. Además, porque sus ahorros los destinaron en su totalidad a construir una vida tranquila allí.

Esta decisión causa indisposición en la comunidad, cuyos miembros también tienen aspiraciones distintas con la venta de su tierra. El director avanza con los diálogos para mostrar los puntos de vista de unos y otros y va creando una atmósfera cada vez más tensa, que anticipa el desenlace final.

Varias escenas a destacar. La del inicio de la película cuando se muestra el oficio de los aloitadores, cuya tradición consiste en una lucha cuerpo a cuerpo con caballos que viven en libertad, a quienes logran derribar tapándoles los ojos y forzándolos a caer agarrándoles la cola, con el propósito de raparlos, sanearlos y marcarlos. Esta escena magníficamente presentada en cámara lenta, la vemos reproducida posteriormente en la cinta, pero entre los hombres en conflicto que forcejean cuando se encuentran en el bosque. Otra escena interesante es la de la discusión en la taberna entre Antoine y su vecino Xan, su mayor opositor, cuando ambos dan a conocer su posición, defendiendo uno la convivencia con la naturaleza: “esta también es nuestra casa” y el otro reclamando su derecho a salir del lugar donde siente que enterró su vida: “llevas dos años aquí jugando a las granjas, yo llevo aquí 53 rompiéndome el lomo”. Así mismo es destacable el diálogo entre Antoine y Olga, su esposa, cuando ella le reclama si todo ese enfrentamiento que ha traído malestar a sus vidas está justificado.

Unos hermosos paisajes enmarcan las actuaciones destacadas de sus protagonistas, con un final dramático pero muy bien conducido cuando acompañamos a Olga en esa demostración de amor y lealtad en búsqueda de justicia y confrontando hasta su propia hija, quien le reclama por una lucha que considera estéril pero que terminará por entender.

*Rapa das Bestas es el nombre de una fiesta cultural que consiste en cortar las crines de los caballos que se realiza en los curros (recinto cerrado y con forma redonda), en Galicia.


ALCARRÁS

Directora: Carla Simón

País: España

Año: 2022

Reparto: Jordi Pujol, Albert Bosch, Xenia Roset, Anna Otín, Berta Pipó, Ainet Jounou

Una familia, los Solé, quien ha vivido por generaciones dedicada a cultivar la tierra ve alterada su rutina con la llegada a la población de Alcarrás (Cataluña) de las nuevas energías que se producen a través de los paneles solares, instalados en terrenos que antes estaban destinados a la agricultura.

En la finca viven los abuelos con su hijo Pinyol, la esposa de éste y sus 3 hijos, así como una hermana de Pinyol y su familia, cuya vida gira alrededor del cultivo de melocotones y de productos de pancoger.

La escena inicial sorprende a los niños pequeños quienes juegan al lado del lago y son alertados por el ruido de un bulldozer arrasando la tierra aledaña. Esta es una alarma más para Pinyol, quien es consciente del desarraigo que pronto tendrá su familia, dado que su padre tiene la propiedad solo de palabra, pues la escritura de la tierra nunca se firmó a su nombre. En efecto, había sido una promesa del dueño al abuelo Rogelio por haberlo protegido en los años de la guerra civil y salvado su vida escondiéndolo en el granero, pero que finalmente nunca concretó su escrituración.

La familia pretende seguir la vida normal que allí han tenido, pero se enfrentan aunque no lo quieran, a nuevas realidades. Las cosechas son pagadas a muy bajos precios en los supermercados, lo que es motivo de protestas entre los agricultores. Los recolectores, de quienes dependen para reunir su producto, son una población flotante de inmigrantes que no hablan el idioma, y quienes van de una finca a otra para conseguir su sustento. Los hijos adolescentes no pueden sustraerse a las tensiones pues ya entienden la problemática y sufren con la privación inminente de sus tierras. La hermana de Pinyol y su esposo han decidido aceptar la situación y empiezan a trabajar como obreros para la empresa de paneles. Todo ello genera conflictos entre los miembros de la familia de los que difícilmente pueden sustraerse.

La directora nos recrea paralelamente algunos momentos de relajación con escenas como las comidas familiares cuando todos tienen la ilusión de que pueden seguir juntos compartiendo su vida en el campo, o con las fiestas del pueblo, que reflejan las tradiciones propias del lugar de las que todos disfrutan.

En la medida en que se va haciendo inminente la salida de su tierra, se genera para Pinyol un estrés que no puede disimular y al cual también reaccionan sus hijos con actos de rebeldía. Pero poco se puede hacer para remediar esta situación. En la escena final, y sin hacer spoiler pues desde el inicio nos es anunciado el desenlace, la cámara recorre los rostros de cada uno de los miembros de la familia quienes miran con impotencia como sus cultivos terminan siendo arrasados para destinar la tierra a los nuevos proyectos.

Una película que retrata el enfrentamiento entre la tradición y el progreso a través del sentimiento nostálgico de una familia de campo que enfrenta la imposibilidad de luchar contra los nuevos tiempos.

 



miércoles, 15 de marzo de 2023

PELICULAS NOMINADAS A LOS PREMIOS OSCAR (Parte II)

 


TAR

Director: Todd Field

País: Estados Unidos

Año: 2022

Reparto: Cate Blanchett, Nina Hoss, Sophie Kauer, Noemie Merlant, Mark Strong.

Esta película esboza de manera muy precisa el perfil de una exitosa directora de orquesta contemporánea: Lydia TAR. Ella es construida en la ficción, pero con muchos de los rasgos que definen a las personas de éxito, tanto con sus virtudes como con sus defectos.

Interpretada por Cate Blanchett, en un destacado papel como Lydia y por la también conocida actriz Alemana Nina Hoss, la película va acompañando la agitada vida de su protagonista, quien se encuentra en la cima del éxito. Ella es la directora de la orquesta filarmónica de Bonn, y en su trabajo asiste a los ensayos con los músicos, oficia como jurado para escoger plazas vacantes en la orquesta, dicta clases en la academia Julliard de Nueva York o asiste a una entrevista para televisión, siendo reconocida y admirada.

En diálogos muy inteligentes como el que se desarrolla entre Lydia y uno de los alumnos de la escuela de música, se discute sobre los prejuicios en el arte en el momento en que el joven se resiste a tocar la composición de un músico que considera racista y ella plantea el interrogante de si podemos vetar a un artista notable por sus posiciones políticas o por aspectos personales de su vida. En esta primera parte se resaltan esas cualidades de la directora de orquesta que le han permitido llegar hasta el lugar que ocupa y que tienen que ver con su educación, su persistencia, su capacidad de decisión y su tenacidad.

A medida que va avanzando la película empezamos a descubrir otros rasgos de Lydia que coexisten con sus virtudes, pero ya no tan atractivos para quienes trabajan a su lado y que, como allí se enfatiza, son inherentes a las personas que ganan poder, fama y relevancia. Ella se sirve de sus facultades para manipular y hacer valer su criterio a cualquier precio. Lydia, quien es lesbiana, es denunciada por acoso sexual entre las alumnas que hacen su pasantía y en un caso particular, acusada por impulsar el suicidio de una de ellas con quien estuvo involucrada y después abandonó. Sobre este aspecto es relevante la conversación sostenida entre Lydia y un ex-director de la orquesta, colega suyo, donde comentan acerca de actitudes similares por parte de hombres que la antecedieron en el cargo, como Von Karajan o Bernstein, pero a quienes este hecho sólo ayudó a fortalecer su imagen pública, no a cuestionarlos. Ella en cambio, como mujer, se siente juzgada con un rasero distinto.

La presión del escándalo, a medida que los hechos se hacen públicos, lleva a Lydia a un estado máximo de tensión ante el cual sucumbe y arrastra con ello su prestigio profesional y la relación de pareja. La caída es dramática cuando vemos a una Lydia que termina dirigiendo la música de fondo para una película en un país asiático, dentro de un público fanático, ya no de la música, sino de una saga de cine a la que éste asiste disfrazado.

Una película que, en medio de muy buena música, retrata la embriaguez que producen la fama y el poder llevando a las personas a sentirse invulnerables, por encima de todo y de todos, menospreciando hechos que después contribuyen a su inevitable derrumbe.

 

AFTERSUN *

Directora: Charlotte Wells

País: Reino Unido

Año: 2022

Reparto: Paul Mescal, Frankie Corio, Celia Rowlson, Spike Fearn

Las últimas vacaciones que pasa una hija con su padre en un balneario en Turquía, es el hecho que evoca ella años después y sobre el cual tiene algunos recuerdos vívidos y otros en cambio, dentro de una penumbra en la que también nos hunde a nosotros como espectadores.

A partir de los fragmentos de la memoria de Sophie, la protagonista de 11 años, comprendemos el dolor por la prematura separación de sus padres lo cual obligó a ella y a su madre a permanecer en Glasgow mientras que su progenitor se fue a trabajar a Londres. Estas vacaciones, rememoradas en la película, posibilitan una comunicación interrumpida por ese divorcio. En este tiempo en el extranjero, aunque no sucede ningún hecho extraordinario mientras padre e hija disfrutan del sol y de los paseos, hay sin embargo algo en el ambiente que nos impide, a través de los ojos de Sophie, descubrir la verdadera personalidad del padre.

En sus recuerdos como adulta Sophie trata de entender los llantos de Calum, su padre, y ciertos episodios de tristeza que retrotrae de manera muy vaga. La narración cinematográfica no se hace a partir de flashback convencionales, lo que haría más fácil la comprensión de la cinta, sino a través de la mirada de ese pasado por parte de la niña que 20 años después tiene todavía interrogantes.

Las actuaciones de Paul Mescal y especialmente la de Frankie Corio son estupendas, con una naturalidad sorprendente pasando de la melancolía a la risa con gran facilidad. Esta es la ópera prima de su directora y ha sido aclamada en varios festivales, destacando la aproximación a los recuerdos infantiles sin alcanzar a comprender en su integralidad lo que sucede en el entorno y menos a explicar el comportamiento de los seres queridos.

*Se puede ver en la plataforma MUBI

 

TODO EN TODAS PARTES AL MISMO TIEMPO

Directores: Dan Kwan y Daniel Scheinert

País: Estados Unidos

Año: 2022

Reparto: Michelle Yeoh, Stephanie Hsu, James Hong, Jonathan Ke Quan, Jamie Lee Curtís.

Esta interesante película involucra elementos del multiverso para describir los mundos paralelos en los cuales se involucran los 4 miembros de una familia: una pareja, su hija y el abuelo materno, con roles diferenciados en cada uno de ellos de acuerdo con el modo de vida que eligieron en esas otras vidas.

Evelyn y su esposo Waymond es la pareja protagonista, dueña de una lavandería en Estados Unidos que enfrenta problemas financieros. Agobiados por los impuestos, se encuentran embargados por la hacienda pública y temen perder lo que han construido desde su llegada al país procedentes de China. El infierno que significa acudir a la cita con la auditora de impuestos, interpretada por una magnifica Jamie Lee Curtis, sirve de excusa a la pareja para buscar aislarse en alguno de los mundos paralelos, a los cuales se accede por una app que uno de los Waymond facilita.

En esos mundos alternos, Evelyn es la escogida para enfrentar la amenaza de Jobu Tupaki, quien pretende destruir el alphaverso (otro mundo alterno).

Con situaciones similares a las de Matrix, el lugar que ocupaba Neo en aquella cinta lo asume ahora Evelyn, quien debe luchar para que el mundo alpha sobreviva y recurre para ello a las habilidades que se pueden encontrar en esas ramificaciones de las otras Evelyn: la cantante, la experta en artes marciales, la actriz. Jobu, quien encarna la amenaza, es la misma Joy hija de Evelyn, pero que en uno de los mundos paralelos sufrió una fragmentación mental a causa de la presión ejercida por Evelyn y por esta razón decide tomar venganza.

Las escenas nos van trayendo y llevando de una manera intrincada entre los diferentes mundos donde por un lado están las otras Evelyn, los otros Waymond y por el otro está el mundo “real” del negocio de la lavandería, las dificultades del matrimonio y de la relación familiar.

Al final el enfrentamiento entre Evelyn y Jobu permite desvelar las frustraciones que en el plano real viven madre e hija, por el homosexualismo de esta última no aceptado por su madre y por la frustración respecto a las expectativas creadas y los sueños no cumplidos de una y de otra. Además, permite a Evelyn encarar la situación con su esposo y con su padre, precisamente para resolver aquello que no había querido, en medio de una vida en la que no se sentía satisfecha.

El colorido, la velocidad de las imágenes, la rapidez con la que se pasa de escenas en los diferentes paralelos, hacen que la película tenga un ritmo trepidante y divertido.

Algunas curiosidades de esta película: el presupuesto fue de US$ 14 millones, limitado frente a las grandes producciones de Hollywood. Los efectos digitales de la cinta estuvieron a cargo de 9 personas, entre ellas los dos directores. El papel protagónico inicialmente fue pensado para Jackie Chan, pero luego se decidieron que fuera una mujer, Michelle Yeoh. El rodaje duró solo 38 días. Los directores, con edades de 35 y 34 años, conocidos como los Daniels, han realizado videos musicales, escrito y dirigido comedias; se conocieron cuando ambos estudiaban cine en Boston.

 *Se puede ver en la plataforma de Amazon Prime

 

VALOR SENTIMENTAL

  Director: Joaquim Trier País: Noruega Año: 2025 Reparto: Renata Reinsve, Stellan Skarsgard, Inga Ibsdotter, Elle Fanning, Anders...