REINA DE CORAZONES

Director: May el Toukhy

Año: 2019

País: Dinamarca

Protagonistas: Trine Dyrholm, Gustav Lindh, Magnus Krepper

Anne, prestigiosa abogada, vive con su esposo médico y sus 2 hijas gemelas en una hermosa casa campestre en Dinamarca. Su vida, aparentemente envidiable, se distorsiona cuando llega a residir con su familia, Gustav, el hijo de su esposo, fruto de una relación anterior.

El ambiente apacible, lleno de paz y aparente satisfacción que rodea la vida de Anne solo está en la superficie, pues, como podemos constatarlo a lo largo de la cinta, la convivencia con Gustav, un muchacho adolescente y rebelde, además menor de edad, cambia esta tranquilad cuando ella lo seduce y empieza a involucrarse con él. 

A partir de este hecho, surgen una serie de preguntas sobre las cuales el director no ofrece respuestas, más bien presenta los contrastes en la vida de la protagonista. Anne no parece llevar una vida serena, sino más bien, aburrida. Su afán por jugar al límite de las situaciones pareciera obedecer a la necesidad que siente de romper con la rutina de una relación que se percibe desgastada y que, por lo menos para ella, resulta insatisfactoria. 

Al ser descubierto el affaire de Anne y Gustav por parte de su hermana Lina, Anne decide terminar la relación. En este punto de la película acompañamos a Anne, pues la debilidad humana en una situación de vulnerabilidad personal como la de ella, permite que se caiga fácilmente en la tentación del deseo y de la curiosidad. En efecto, Anne, a través de silenciosas escenas, nos muestra su nostalgia por la juventud y el anhelo de volver a sentirse admirada y deseada. 

Cuando Anne se ve confrontada por su marido y cuando éste le reclama por la relación que tuvo con Gustav, la película toma otra dirección, y nos topamos con una mujer que hará cualquier cosa por no perder su estatus, sus privilegios y a su familia. Se nos presentan entonces unos contrapuntos que resultan muy interesantes.

Una abogada como Anne, quien defiende con vehemencia y profesionalismo a sus clientes, menores de edad, cae en la trampa de aprovecharse de la ingenuidad e inexperiencia de Gustav, anteponiendo sus propios intereses. Al inicio de la película, vemos como ella reclama al violador de su defendida, después de que es absuelto, "¿Te estás divirtiendo? ¿Se siente bien?". Y sin embargo ella acaba haciendo lo que tanto critica. 

Anne Chantajea a Gustav por un robo cometido por él y del que solo ella se dió cuenta, para mantenerlo intimidado. Esta situación contrasta con la de una niña a quien Anne defendió de los abusos del padre y posteriormente envió a un hogar de acogida, donde fuera protegida. 

Anne aprovecha la buena fe y el amor incondicional de su marido para manipularlo y convencerlo de que no existió ninguna relación con el hijo de él y, por el contrario, todos fueron gestos de ayuda por su parte que nunca fueron apreciados por Gustav. 

El final es el producto de todas las mentiras que Anne se ha encargado de construir y que solo pueden conducir a la tragedia. 

Trine Dyrholm, quien interpreta a Anne, es una de las más famosas actrices de Dinamarca y no deja duda su calificación en este papel. Ver la evolución en el rol que personifica incide en nuestra visión como espectadores, pues pasamos de la benevolencia y comprensión iniciales, a juzgarla y a despreciarla. 

Vale la pena mencionar que en varias escenas de la película se hace una lectura de párrafos del libro de "Alicia en el país de las maravillas” por parte de Anne y de Gustav, a las niñas gemelas. El título de la película, precisamente, hace alusión a ese personaje de la reina de Corazones, quien en el libro de Lewis Carroll representa a una monarca malgeniada que, ante la menor ofensa, condena a sus súbditos a la pena de muerte. Una alegoría sutil sobre lo que pasa con Anne cuando toma decisiones para ocultar mentiras, convirtiéndose en la peor solución. 

Este drama sicológico evidencia los contrastes y paradojas enfrentados en situaciones críticas, los que parecen desdibujar aún a las personalidades más fuertes. 

De la directora: May el Toukhy (nacida en 1977) es una directora y libretista danesa. Otra película por ella dirigida es "una larga corta historia". La película "Reina de corazones" fue premio del público en el Festival de Sundance en 2019. 

4 BUENAS PELICULAS Y UNA SERIE EN EL 2019

De las reseñas presentadas en el año 2019 en mi blog, rescato 4 películas y una serie. La reseña completa de cada una se encuentra en esta dirección.

https://dardoalinfinito.blogspot.com/      

THE IRISHMAN (EL IRLANDÉS)

El argumento de "El Irlandés" gira en torno a las relaciones del sindicato de camioneros de Estados Unidos, en los años 50, 60 y principios de los 70, y el crimen organizado a través de las relaciones entre tres personajes. 

Frank "el irlandés" Sheeran, actuado por Robert de Niro, narrador de la historia; Jimmy Hoffa, Presidente del sindicato de camioneros de Estados Unidos, interpretado por Al Pacino y Russell Bufalino, en cabeza de Joe Pesci, uno de los jefes de la organización criminal.

A partir de estos personajes pasan los hechos de la política de Estados Unidos y se denuncian los lazos de ésta con la mafia. La Película permite ver juntos a 3 portentos del cine, presenta grandes aciertos en cuanto a la ambientación de la época y es impecable en los aspectos técnicos. Prima la reflexión y la conversación y los hechos violentos se resuelven con sutilezas.

PARASITOS

Cuatro miembros de una familia de bajos recursos de Corea del Sur, se introducen poco a poco, mediante trampas, como trabajadores en la casa de una familia acaudalada, involucrándose y absorbiendo sus vidas.

La primera parte de la película se concentra en las argucias para lograr este objetivo de invasión, pero lo que empieza como comedia se convierte en drama, llevando a desenlaces no previstos, conjugando el humor con la tragedia. 

La convivencia entre familias de condición social tan desigual es un caldo de cultivo para el resentimiento y la envidia. Los hechos que suceden en el desenlace final aterrizan a sus protagonistas y dejan ver que los deseos se cumplen más fácil en los sueños que en la realidad. Una película con muy buenos ingredientes: guion, ritmo, buenos actores, excelentes planos y manejo de cámara.

LA CASA DE JACK

No hay término medio ni indiferencia para los espectadores de esta película, genera gusto o aborrecimiento. Está repleta de excesos, pero también de belleza.

La cinta tiene dos secciones. La primera, está concentrada en 5 crímenes y la segunda, en el camino al infierno que Jack recorre con Verge, la voz de la conciencia o del juez, con quien mantiene un diálogo durante toda la película. 

Jack hace a Verge un recuento de los crímenes, los cuales se ambientan con referentes pictóricos de grandes artistas, con imágenes del pianista Glen Gould, con iconos de grandes obras arquitectónicas y con personajes de la historia reciente mundial.

En la segunda parte, Verge y Jack recorren el camino al infierno de Dante, por un túnel oscuro que desemboca en un hoyo de fuego profundo. El final está lleno de alegorías, recuerdos, y el hueco en el que finalmente cae Jack, es el epílogo de una vida sin sustancia, envuelta en la soledad y el vacío de su existencia. 

MONOS

En esta película colombiana, del director Alejandro Landes, la protagonista es la trama y el calificativo para nombrarla es tensión. 

El guion gira alrededor del secuestro de una extranjera y la custodia por parte de unos jóvenes guerrilleros, haciendo visible el drama para quien lo padece, pero mostrando paralelamente el efecto sobre los secuestradores del aislamiento y la soledad.

La presión a la cual son sometidos los guerrilleros desemboca en conflictos entre ellos y genera bandos en su interior. Las reglas empiezan a romperse y las condiciones límites conducen a estos jóvenes a tomar decisiones como el suicidio o la deserción. Por su parte la víctima recurre a sus propios métodos para sobrevivir.

La película tiene elementos comunes con la novela "el señor de las moscas”, donde se muestran las emociones humanas que salen a relucir frente a ambientes extremos, incluyendo lo peor de cada uno en la lucha por la supervivencia. 

Desde el punto de vista técnico la película tiene grandes aciertos: la fotografía, el sonido, las escenas en el agua y la música que apoya todo el recorrido. 

Monos nos presenta una historia del conflicto en Colombia con una mirada puesta en la sicología de los personajes, más que en las armas; en un ambiente de estrés, pero rodeados de un entorno natural que, por contraste, debería invitar a la tranquilidad y a la contemplación.  

ALGO EN QUE CREER (SERIE)

Se trata de una serie danesa, presentada por Netflix, con 20 capítulos en dos temporadas, cuyo eje temático es la familia Krogh, quien guarda una tradición de pastores protestantes luteranos, por más de 250 años.

A través de esta familia se hacen visibles dos aspectos. Uno, las tensiones permanentes entre los principios religiosos y las pasiones y vicios de una sociedad, frente a los cuales no son ajenos los sacerdotes. El otro aspecto es la culpa, la cual surge de los comportamientos que se consideran equivocados o de decisiones que acarrean nefastas consecuencias. 

El pastor Johanes, patriarca de la familia, tiene sus propias ambiciones de ascender como obispo, las cuales se frustran dado su férreo y agresivo temperamento. La soberbia ronda al padre y a su hijo August, pues al apegarse a la Fe en Dios, para quien todo es posible, se le niega a éste cualquier tratamiento mental. La esposa de Johanes reacciona a las infidelidades de su esposo teniendo sus propios romances. El otro hijo, Cristian, empieza a buscar su camino espiritual y tiene éxito convirtiendo sus creencias en una fórmula comercial a la cual renuncia posteriormente cuando se da cuenta de su banalidad. 

Con la muerte de August se despiertan las culpas al interior de la familia, y en la búsqueda de las razones, cada uno de sus miembros va despejando el camino para su propia redención.

Alrededor de la familia Krogh se muestran los conflictos de toda sociedad. La difícil convivencia de los cristianos con musulmanes, con judíos y aún con quienes no tienen ninguna religión. Las posiciones frente a las relaciones homosexuales, muchas veces tratada como una enfermedad que requiere ser curada. La drogadicción y su dificultad para superarla. La eutanasia y la confrontación con los avances de una medicina que busca prolongar la vida a cualquier costo. El perdón, más difícil de aplicar para uno mismo que para los demás. Situaciones todas que enfrentan visiones diferentes y se confrontan con las creencias y valores arraigados en la religión, la educación y la familia, pero que son presentadas con honestidad y claridad.

THE IRISHMAN (EL IRLANDÉS)

Director: Martin Scorsese

Año: 2019

País: Estados Unidos

Protagonistas: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel, Anna Paquin

Esta es la última película del gran director estadounidense, de descendencia italiana, Martín Scorsese, quien a sus 77 años aborda nuevamente el tema de la mafia, con varios de los actores que han participado en otras de sus cintas. 

Está Basada en el libro "I heard you paint houses” (oí que pintas casas) (2004) publicado después como "Jimmy Hoffa, caso cerrado: el poder de la mafia norteamericana", de la autoría de Charles Brandt, ex fiscal de homicidios y subdirector de la fiscalía de Delaware, conocedor de primera mano de las imbricaciones mafia - sindicatos. 

El argumento de "El Irlandés" gira en torno a las relaciones del sindicato de camioneros de Estados Unidos, en los años 50, 60 y principios de los 70, y el crimen organizado (en todo su auge por esas décadas), a través de las relaciones entre tres personajes. 

Uno de ellos es Frank "el irlandés" Sheeran, actuado por Robert de Niro, inicialmente camionero y luego sicario, narrador de la historia y con quién se inicia y termina la película. El segundo es Jimmy Hoffa, Presidente del sindicato de camioneros de Estados Unidos, interpretado por Al Pacino.

Frank, al convertirse en el matón de confianza de la mafia gracias a su contundencia y lealtad, asciende en la jerarquía y es recomendado como guardaespaldas y jefe de seguridad de Jimmy Hoffa. 

El puente entre Frank y Hoffa es Russell Bufalino, el tercer protagonista de la película, interpretado por Joe Pesci, uno de los jefes de la organización criminal, con quien Frank trabajó en principio. 

Además de líder de los camioneros y Presidente de un sindicato que llegó a tener el mayor número de afiliados en Estados Unidos, Jimmy Hoffa estuvo involucrado en negocios turbios. El facilitaba a la mafia el lavado de dinero y en contraprestación, ésta se encargaba de garantizar el crecimiento del sindicato, con presiones y amenazas de todo tipo a quienes no quisieran integrarse. 

Jimmy Hoffa desapareció y su cuerpo nunca fue hallado. En la película, sin embargo, se muestra su asesinato y al culpable, pues el autor del libro manifiesta que él supo de primera mano la verdad. 

Por la importancia que el sindicato de camioneros tuvo en Estados Unidos, y por el dinero que movía la mafia, la película hace alusión a los lazos entre la política y estas organizaciones. Con Kennedy, por ejemplo, se denuncia que en la invasión de Bahía Cochinos hubo participación de la mafia, quien dió apoyo con mercenarios y fusiles, pues su interés era volver a tener una Cuba adueñada por los grandes capos, y centro de casinos y de prostitución para turistas internacionales.  Así mismo, en el asesinato tanto de Jhon Kennedy como de su hermano Robert, se insinúa que la mafia pudo estar involucrada, bien porque se les incumplió con promesas o porque después fueron víctimas de su persecución. En el caso de Richard Nixon, fue quien tomó la decisión de indultar a Hoffa después de que éste fuera condenado por fraude, intento de soborno y manipulación de testigos. Qué tanto de verdad o ficción, aún se sigue especulando.

Los hechos que suceden alrededor de los 3 protagonistas de la cinta, de gran liderazgo y ascendencia dentro de sus respectivos grupos, en un entorno corrupto y sin escrúpulos, no resultan novedosos, pues los asesinatos, intrigas, fraudes y deslealtades, propias de estos ambientes, ya habían sido presentados en cintas del mismo director como "los infiltrados", "buenos muchachos" o "casino". Lo que sí resulta relevante son las actuaciones de estos grandes actores del séptimo arte: Robert de Niro, Al Pacino y Joe Pesci y la posibilidad de verlos trabajar juntos.

Primeros planos que muestran los silencios de los personajes, como aquel entre Frank y Rusell, presentado en el viaje por carretera, rumbo a Detroit, cuando el primero debe cumplir una orden contra su amigo Hoffa, constituyen una verdadera muestra de actuación dentro de la mayor sobriedad. Así mismo, las conversaciones entre el Presidente del sindicato y Frank, en los recorridos por el país o aquella donde Frank quiere convencer a Russell para que no tome la decisión contra su amigo.  Si por algo merece la pena ver la película es por el desempeño actoral de sus protagonistas. 

Con una duración de 3 horas y media, la cinta decae en los últimos 30 minutos, que no aportan mucho. Pero los aciertos, no sólo en cuanto a los actores sino en la ambientación de la época y en los aspectos técnicos es impecable. Esta vez prima la reflexión y la conversación; los hechos violentos se resuelven con sutilezas: no se muestra el asesinato, sino el ruido de las balas y después aparece un bello florero o solo se presenta el lanzamiento de revólveres desde un puente sobre el río, para darnos a entender que se acaban de cometer unos crímenes. 

Algunos detalles. 1) Los actores principales, mayores todos de 70 años, fueron sometidos a técnicas de rejuvenecimiento, pues el director no quiso tener intérpretes distintos. 2) Joe Pesci estaba retirado de la actuación, dedicado a la música y fue convencido para actuar en esta película 3) la escena del asesinato de Joey el loco es una referencia a "El padrino". 4) El detrás de cámaras de la película, en la que el director habla con los 3 actores, vale la pena verlo (también en Netflix).

PARÁSITOS (mejor película festival Cannes 2019)

Director: Bong Joon-Ho

Año: 2019

País: Corea del Sur

Protagonistas: Song Kang-ho, Cho Yeo-Jeong, Choi Woo-Shik, Lee Jung Eun, Park So Dam, Lee Sun-Kyun, Hyun Seung-min

El título de la película hace alusión al significado de la palabra parásito: "organismo que vive en un ser vivo de cuyas sustancias se alimenta, debilitándolo generalmente sin llegar a matarlo". Esto es lo que nos muestra este filme en la primera parte, con el ingreso uno a uno de los miembros de una familia de bajos recursos, en situación económica crítica, a la casa de una familia acaudalada, involucrándose y absorbiendo sus vidas. 

Ki-Woo, el hijo adolescente de la familia Kim, quien se encuentra desocupado (no estudia ni trabaja), logra gracias al contacto de un amigo y valiéndose de documentación falsa, ser contratado por el Sr. Park para dar clases de inglés a su hija. Este trabajo es aprovechado para abrirle las puertas de un hogar lujoso y para buscar posibilidades a los otros tres miembros de la familia de "Kevin" (como ahora se hace llamar el joven) con el propósito de que laboren al servicio de sus nuevos jefes.

Kevin, su hermana Jessica (quien también cambió su nombre), su padre Ki-taek y su madre Moon-gwang, viven del rebusque diario, en un sótano de un barrio marginal de una ciudad de Corea del Sur. El engaño hace parte de su cotidianidad y lo han convertido en un arte, pero sin que tenga consecuencias funestas para otros. 

Los 4 miembros de la familia Kim se han introducido mediante trampas como trabajadores en la casa de la familia Park, desplazando a otros que eran de su confianza: el padre de Kevin reemplazó al anterior chofer, la madre sustituyó al ama de llaves. Igualmente, Jessica, con diplomas falsos, es aceptada como maestra de terapia del arte del hijo menor de los Park.  Esta primera parte de la película se concentra en las argucias para lograr este objetivo de invasión, con mucha naturalidad y cierta ingenuidad de parte de quienes los reciben. Timar es parte de la necesidad en el diario vivir de la familia Kim. 

Hechos externos e inesperados, sin embargo, dan un vuelco a los propósitos iniciales y por lo tanto a la trama de la película. Lo que empezó como comedia se convierte en drama, llevando a desenlaces no previstos, conjugando el humor con la tragedia. 

Como en otras películas del mismo director Bong Joon-ho, el entorno en el cual se desenvuelven sus personajes es definitivo para entender su comportamiento. Las situaciones extremas llevan a buscar alternativas, muchas veces non sanctas, en búsqueda de la supervivencia, lo cual saca a relucir lo peor de la naturaleza humana. La convivencia entre familias de condición social tan desigual es un caldo de cultivo para el resentimiento y la envidia. Esto se agrava con la indiferencia de quién todo lo tiene, que termina por obviar y despreciar a todos aquellos que no tienen su misma posición. 

El contraste entre la forma de vida de las dos familias se evidencia a propósito en varias escenas, como aquella de la inundación de la vivienda de los Kim, al tiempo que la familia Park prepara la fiesta de cumpleaños para su hijo. El barrio y el sótano en el cual conviven los Kim se diferencian notablemente de la mansión y los jardines que disfrutan los Park, mediante distintos planos. Las clases particulares que reciben unos, muestra la disparidad con la falta de estudio de los otros. Estas diferencias, y el deseo de salir del mundo en el cual viven, llevan a los miembros de la familia Kim a soñar con tener los mismos privilegios de los Park. 

Los hechos que suceden en el desenlace final aterrizan a sus protagonistas y dejan ver que los deseos se cumplen más fácil en los sueños que en la realidad. Ante la pregunta de Kevin a su padre sobre el plan a seguir ante los nuevos eventos, este le contesta "¿sabes qué tipo de plan nunca falla? No tener plan. ¿Sabes por qué? Si haces un plan, la vida nunca funciona así. Sin un plan nada puede salir mal y si algo se sale de control, no importa". 

Una película con muy buenos ingredientes: guión, ritmo, buenos actores, excelentes planos y manejo de cámara.

Del Director: Bong Joon-Ho nació en Daegu, Corea del Sur en 1969. Es director y guionista. Otras de sus películas: The Host, Snowpiercer (estas dos dentro de las más taquilleras en Corea en toda la historia), Memorias de un asesino, Madre, Okja. Parásitos ganó la palma de oro en Cannes en 2019.

EL ALZHEIMER EN 3 PELICULAS

El Alzheimer es una enfermedad que afecta la memoria y otras importantes funciones mentales. A nivel mundial 50 millones de personas sufren del mal y cada año hay 10 millones de nuevos casos. Se calcula que entre el 5 y el 8 % de la población general de 60 años o más, sufre demencia en determinado momento. El gran reto está en que no hay cura hasta ahora y en que la población envejece a mayor edad. Para 2050 la cifra podría triplicarse hasta llegar a 152 millones de personas afectadas. 

Por su importancia, muchas películas han abordado el tema, en 3 de ellas (de años recientes),” Lejos de ella", "Lo que fuimos” y "Siempre Alice" se plasma la evolución que la enfermedad tiene en el paciente, las implicaciones para quien lo padece y las consecuencias sobre el entorno familiar. A través de actuaciones destacadas de las mujeres protagonistas de estas 3 cintas y con el foco en la enfermedad, se aborda este sensible tema. 

En "Siempre Alice", su protagonista es Juliane Moore, quien nos muestra el deterioro progresivo que sufre una destacada profesora de Lingüística en la primera fase de la enfermedad. Los síntomas iniciales tienen que ver con la dificultad de recordar eventos o conversaciones recientes, por ello, se repiten expresiones o preguntas y se olvidan tanto los lugares conocidos como los nombres de los familiares. Como dice Alice "empecé a olvidar cosas como palabras y nombres...", "Siento como si mi cerebro estuviese muriendo y todo lo que trabajé en mi vida se estuviera yendo...". La película plantea además las reacciones de los miembros de la familia con relación a la enfermedad. El esposo y dos de los hijos buscan la manera de evadir la situación y una de las hijas, aparentemente la más débil, afronta con decisión y con entrega el cuidado de su madre. La película nos lleva a una confrontación por parte del paciente con su enfermedad y a una aceptación de la misma, ante la imposibilidad de solucionarla. Vale la pena mencionar que esta actuación le valió a Julianne Moore el premio Oscar como mejor actriz.

La segunda cinta, "lo que fuimos", expone igualmente los conflictos al interior del grupo familiar cuando se agravan los síntomas del enfermo y las distintas opiniones respecto a su manejo. Cuatro actores interpretan los roles de la madre, víctima de la enfermedad, el padre y los dos hijos adultos. Robert Forster, quien interpreta a Burt, el padre, defiende a toda costa la permanencia de su esposa Ruth (Blythe Danner), en su casa y se niega a llevarla a un geriátrico porque como lo dice de manera reiterada, "El amor es compromiso". Sus hijos en cambio, interpretados por Hillary Swank y Michael Shannon, son partidarios de llevar a su madre a un asilo. Las peleas entre hermanos se generan por la carga que significa la enferma. Uno de ellos reclama al otro porque ha llevado mayor tiempo la responsabilidad. Ruth, la madre, en sus momentos de conciencia, le dice a su esposo "Debes saber qué hacer cuando llegue el momento". Al final, con la internación de Ruth, su hija manifiesta "es mi turno de cuidarla". En esta película vemos una lección de amor incondicional por parte del cónyuge, que a veces se vuelve ciega ante las evidencias de una enfermedad que no tiene remedio.

Como bien se describe en la tercera película, "lejos de ella", en la fase moderada de la enfermedad y tomada la decisión de internar el paciente en un asilo geriátrico, empieza éste a desprenderse de sus seres queridos por la simple razón de que no los recuerda. Como lo manifiesta una de las enfermeras, "algunos enfermos se sienten más en casa con otros enfermos que con su familia". En esta cinta se aborda la decisión de reclusión en un centro especializado por parte de Fiona (interpretada por Julie Christi), su protagonista y quien padece la enfermedad. Al principio, ella manifiesta "No estoy ida por completo, solo me estoy yendo". Posteriormente, cuando se da cuenta de que la enfermedad progresa, enfrenta la situación, y le expresa a su esposo” Estamos en esa etapa Grant. No estás tomando esta decisión solo...ya lo decidí". El drama que vive Grant (Gordon Piset) cuando en las visitas ya no lo reconoce y empieza a notar el deterioro físico y el abandono de su mujer, está muy bien caracterizado. Al final, como ella misma lo había dicho: "Es la vida, no se le puede ganar a la vida"

La paradoja del Alzheimer para los seres cercanos al enfermo, es seguir viendo la presencia del ser querido pero cuya mente lo ha abandonado, impidiéndole no solo interactuar sino también, de manera progresiva, valerse por sí mismo. Un choque doloroso para el enfermo en las primeras etapas cuando aún tiene conciencia y un golpe para la familia que presencia cómo deja de ser quien fue. Finalmente, en las etapas más avanzadas "la única bendición…es que no recuerdan que no recuerdan". 

SIEMPRE ALICE 

Directores: Wash Westmoreland y Richard Glatzer

Protagonistas: Julianne Moore, Alec Baldwin, Kristen Stewart

País: Estados Unidos, Reino Unido, Francia

Año: 2014

LO QUE FUIMOS 

Directora: Elizabeth Chomka

Protagonistas: Hillary Swank, Michael Shannon, Robert Forster, Blythe Danner

País: Estados Unidos

Año: 2019

LEJOS DE ELLA

Directora: Sarah Polley

Protagonistas: Julie Christie, Gordon Pinset

País: Canadá 

Año:  2009 

MONOS

Director: Alejandro Landes

Año: 2019

País: Colombia

Protagonistas: Moisés Arias, Julianne Nicholson, Sofía Buenaventura, Sneider Castro, Wilson Salazar

En esta película colombiana, del director Colombo Ecuatoriano Alejandro Landes, la protagonista es la trama y el calificativo para nombrarla es, tensión. Más que un papel que destaque a alguno de los personajes, el corazón lo constituye la historia que se cuenta y lo más destacable está en la forma de narrarla. 

El guión refiere un episodio que ha sido común en nuestro país (afortunadamente hoy en disminución), el secuestro, del cual es víctima una extranjera y la custodia que ello implica para unos jóvenes guerrilleros, cuyas historias no conocemos y a quienes solo identificamos por sus apodos. 

Haciendo visible lo que el secuestro significa para quien lo padece, se muestra paralelamente el drama de unos adolescentes, casi niños, pertenecientes a un grupo revolucionario. Los secuestradores padecen las consecuencias del aislamiento y la soledad, las mismas a las cuales someten a sus víctimas. Y aunque la cinta no pretende poner a éstas y a sus victimarios en el mismo plano, si nos muestra que ambos son prisioneros y que los resultados del conflicto son devastadoras tanto para unos como para otros.

Los raptores entran en un proceso de insensibilización progresiva, que empieza con el trato al secuestrado y continúa con la agresividad entre ellos mismos. A falta de diversión, buscan refugio en la promiscuidad sexual, el alcohol y el juego con sus armas. Las escenas de los guerrilleros en sus fiestas nocturnas son muy impactantes porque muestran una agresividad que busca ser canalizada. El trato con la "doctora", así llaman a la víctima del secuestro, pone en evidencia la desaparición de la persona como tal, la cual pasa a ser un objeto que debe cuidarse, por el eventual pago que representa. Una vaca, que recobra gran importancia al inicio de la película, resulta de mayor preocupación que la misma secuestrada.

Uno a uno los personajes empiezan a sufrir sus propios infiernos. La presión a la cual son sometidos los guerrilleros desemboca en conflictos entre ellos y los lleva a pelear por el liderazgo y a generar bandos en su interior. Las reglas empiezan a romperse y comienzan las reclamaciones y las denuncias ante sus superiores. Las condiciones límites conducen a estos jóvenes a tomar decisiones como el suicidio o la deserción. 

Dos escenas muestran la lenta degradación en la cual caen los personajes. Una es la de la cacería sobre Rambo, uno de los guerrilleros que decide desertar, con un desenlace trágico sobre la pareja que lo acogió, mostrando que en el conflicto no sólo sufren los bandos enfrentados, sino también la población civil. 

La otra escena es la lucha entre una de las secuestradas y la "doctora", cuando ésta última decide escapar, y el acto brutal que es capaz de cometer para defender su vida. 

El mundo apartado en el cual se desarrolla la película tiene elementos comunes con la novela "el señor de las moscas”, como lo ha manifestado el director en algunas entrevistas. Como se describe en este libro, unos adolescentes aislados de otros seres humanos, forman una comunidad en la cual empiezan a crear sus propias reglas de convivencia y sus propios liderazgos. Todas las emociones humanas salen a relucir cuando los ambientes se tornan extremos y surge lo peor de cada uno en la lucha por la supervivencia. 

Vale la pena mencionar el contraste que se percibe durante toda la película, entre el ambiente de tensión en el cual viven los personajes y la belleza del entorno, primero en el páramo y luego en la selva. Las fotografías de los amaneceres y anocheceres en las montañas, la de los ríos de gran caudal, la vegetación de la selva, son mostradas en toda su dimensión. Estos escenarios exuberantes no pueden ser apreciados por la secuestrada en su encierro, ni por los captores, debido al miedo y la zozobra que a todos acompaña. 

Desde el punto de vista técnico la película tiene grandes aciertos: la fotografía, el sonido, las escenas en el agua y la música que apoya todo el recorrido. 

Monos nos presenta una historia del conflicto en Colombia con una mirada puesta en la sicología de los personajes, más que en las armas; en un ambiente de estrés, pero rodeados de un entorno natural que, por contraste, debería invitar a la tranquilidad y a la contemplación.  

Del Director: Alejandro Landes nació en Sao Paulo, Brasil (1980), es hijo de madre colombiana y padre ecuatoriano. Dirigió la película “Porfirio” y el documental “Cocalero”.

BEAUTIFUL BOY (Siempre serás mi hijo)

Director: Félix Van Groeningen

Año: 2018

País: Estados Unidos

Protagonistas: Timothée Chalamet, Steve Carell, Maura Tierney, Amy Ryan 

Esta película es ante todo el recorrido de un joven por el camino de la drogadicción, realizada con especial sensibilidad y tacto. En ella se hacen visibles tres aspectos: La adicción a la cual pueden conducir los medicamentos convencionales, la afectación del círculo familiar debido al problema de las drogas y las etapas por las cuales atraviesa un adicto, incluidas las dificultades para superar tal condición. 

Muchos filmes giran alrededor del tema en cuestión; en esta película en particular, se rescata el tratamiento que el director da a las situaciones de conflicto, donde se evita caer en el melodrama o en escenas innecesarias de degradación. No por ello se obvian los límites a los cuales llega el protagonista en su enfermedad. 

En el centro de la trama está la relación del padre, David, y del hijo, Nic, quienes viven juntos desde la separación de sus padres. Con el segundo matrimonio de David se forma un nuevo hogar, el cual se amplía con la llegada de dos hijos concebidos en la nueva relación. 

Mediante flashbacks, que nos remiten a la infancia de Nic, se nos muestran varias situaciones: la buena comunicación que éste tiene con su padre (quien impulsa y apoya sus inquietudes), el entorno familiar y el afecto de sus hermanos, la relación con la esposa de su padre, quien lo ha cuidado como un hijo propio. Padre e hijo construyen una relación de complicidad en la que se sienten fortalecidos. Este énfasis en los espacios que ambos comparten no es gratuito, pues nos invita a reflexionar sobre la drogadicción, la cual no siempre es producto de relaciones familiares disfuncionales.

El camino hacia el abismo de Nic se inicia a partir de medicamentos formulados por su médico, después de sufrir un accidente, lo que le crea adicción y lo conduce al consumo de drogas más fuertes. El mensaje sobre cómo los opiáceos han arrastrado al vicio a muchos pacientes es contundente. En Estados Unidos, donde la película tiene lugar, existe en la actualidad un problema de salud pública, producto, entre otros, de los efectos que trajeron estas medicinas. Compañías como Purdue Pharma, han sido demandadas a causa de la información que ocultaron respecto a los efectos secundarios de una droga como el Oxicontin, formulada para calmar el dolor. *

La impotencia de la familia para afrontar el problema de adicción de Nic va creciendo, y éste entra en una espiral de degeneración. El abandono de los propósitos del joven, quien deja de lado la universidad y sus inquietudes de escritor, la desidia para hacer algo distinto a drogarse, las mentiras a las cuales recurre para hacer creer que todo marcha bien y los robos que efectúa en su propia casa para sostener el vicio, hacen parte de ese tortuoso camino. 

Las desintoxicaciones a las cuales se somete Nic, por solicitud de su padre, nos dejan ver los engaños y las falsas expectativas que venden muchos centros de rehabilitación, aprovechando la angustia y la desesperación de quienes conviven con un drogadicto. Como bien se transmite al final de la cinta, las probabilidades de recuperación son mínimas y más aún, cuando el vicio se ha iniciado muy temprano. De allí, la impotencia que se evidencia en los estados más críticos de la enfermedad, cuando tanto el enfermo como su familia se sienten acorralados. No basta la buena voluntad para salir adelante. 

Los diálogos entre padre e hijo y los esfuerzos desplegados por el primero para que su hijo salga del hoyo profundo en el que ha caído, son lo mejor de la película. La actuación de Timothée Chalamet, como Nic es excelente. El joven promisorio, inteligente y sensible del inicio, contrasta con la persona ausente e indiferente en la cual termina convertido. Ya este actor había demostrado sus dotes interpretativas en la película "Llámame por tu nombre". 

Ver el proceso de crecimiento personal e intelectual de Nic, con quien logramos una conexión desde el inicio, y asistir luego a su derrumbe, sin que podamos entender muy bien las razones, transmite la angustia, el dolor y la impotencia tanto del protagonista como de su familia. Ese camino se realiza con tal realismo y sensibilidad que merece la pena transitarlo. 

Vale la pena por último destacar la banda musical de la película, con canciones que acompañan los diferentes momentos.

Del Director: Félix Van Groeningen, nació en 1977 en Bélgica. Otras de sus películas: "Alabama Monroe", "El círculo del amor se rompe" nominada al Óscar a mejor película extranjera, "Bélgica". 

*En el año 2017 Estados Unidos declara emergencia de salud pública por los temas de adicción. En el 2016 murieron más de 60.000 personas por sobredosis de opioides.